Diarchy - Here Lost We Lie

Año: 2017
Sello: Independiente
País de origen: India

Bueno, no estoy de suerte últimamente. Ayer me tocó reseñar el pésimo debut discográfico de Grotesque Ceremonium, la banda paralela de Batu, líder de Cenotaph (Turquía). Hoy me toca enfrentarme al debut del dúo procedente de Bangalore, India, quienes venían precedidos de buenas críticas. Claro, de mis primeras palabras se desprende que lo de Diarchy no ha sido muy de mi agrado ¿cierto? Así es, amigos míos, pues "Here Lost We Lie" es más de lo mismo.
Stoner Metal, sí, aunque muchas de las cosas que aquí se escuchan están más cerca del Hard Rock a la Zeppelin que de Kyuss. Incluso hasta se los compara con Orange Goblin y Electric Wizard, comparaciones que descarto de plano. Mas, comparaciones al margen, el problema aquí está en las canciones, sosas y predecibles hasta el hartazgo. Cada riff, cada ritmo o entonación vocal, hacen que uno piense en otras miles de canciones en las cuales se usaron las mismas armonías, los mismos ritmos, con mejores resultados. Y aunque uno no pueda decir que estos dos músicos de la India sean malos (no lo son), lo concreto es que esa falencia en el plano compositivo hace mella en el total de la placa, y se les hace difícil remontar el bajón.
Lo más interesante del caso es que el álbum comienza bien, con la bellísima "Love", en donde Prakash Rawat (guitarra y voz) echa mano a texturas de medio oriente cuyas notas, puestas tal como están, traen a mi memoria, de forma esporádica, a la inolvidable "Indian Summer" de The Doors. Con un comienzo como ése, uno no puede hacer otra cosa que prepararse para algo bueno. Craso error o pequeña gran desilusión, esto según el oyente, es lo que sigue. A partir del segundo track ("Bulldoper"), el dúo comienza a desgranar canciones que parecen escritas por principiantes que aprendieron a tocar sus instrumentos de forma decente, pero que no tienen ni idea de cómo escribir una buena canción. Y no importa si etiquetas como Stoner y Hard Rock puedan ser utilizadas indistintamente, el problema no está en si la banda dice hacer una cosa y termina haciendo otra. El problema está en que los riffs parecen compuestos por un adolescente que aun no aprendió la lección de bandas como Zeppelin o Sabbath. El problema está en que las líneas vocales no dicen nada. El problema reside en el hecho de que la música de Diarchy es inexpresiva.
Repito, no son malos, al menos en el aspecto instrumental no lo son, y como aliciente puedo decir que el track 1 es muy atractivo. Pero ¿y el resto? Bien, gracias. A riesgo de ser redundante, debo decir lo que dije al comienzo: no estoy de suerte últimamente.

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Black Dreams - Soul Stealer

Año: 2016
Sello: Inverse Records
País de origen: Finlandia

¿Qué pasa si tomamos los últimos discos de Sentenced y los mezclamos con los pasajes más lentos y de tinte bluesy de Danzig? Saldría algo similar a Black Dreams, un quinteto finés que apareció en escena hace poco tiempo atrás. Para ser más exacto, se formaron en el 2015, y en octubre del 2016 lanzaron este trabajo de dos canciones, que viene a ser el preámbulo del disco debut del grupo en cuestión. ¿Etiquetas? Miren, si les digo que etiquetas como Heavy Metal, Hard Rock y cosas así les calzan de maravillas, ustedes compren, por más que lean que hay otras etiquetas en el medio ¿ok?.
Como ya dije, el single de dos pistas con el cual hace su presentación este grupo, se mueve por carriles que muchos de nosotros conocemos, aunque, ya sabemos, en buenas manos, no deja de tener su encanto dicho estilo. Pues bien, podemos decir que, al menos en este trabajo puntual, lo de Black Dreams deja al oyente con la sensación de que acá hay talento. Acotado, quizás por el hecho de ser un disco con apenas dos canciones, algo que acorta la posibilidad de conocer al grupo a fondo, pero talento al fin.
El primer tema es "Black Heart", en el cual la banda adorna la canción con una atmósfera melancólica que eleva la melodía y le da un toque distintivo. Ritmo acompasado, buenas melodías, una línea vocal que posee tanto enojo como amargura, y coros bien puestos. Acá es donde se notan las influencias que mencioné al comienzo de la reseña, sin que eso implique que la banda finesa sea una copia de Sentenced y Danzig; nada más lejos de la realidad. Luego le toca el turno a la pista que da nombre al single, o sea, "Soul Stealer", y aunque parezca mentira, yo le encuentro un aire a Vain, la vieja banda de Glam Metal que tuviera sus 15 segundos de fama con su disco "No Respect". Si bien el sonido y el estilo del grupo pueden estar ciertamente separados del Glam Metal, al menos en esta canción, hay visos más que claros con aquella banda, sobre todo en las estrofas y el estribillo.
Juhaa Krappo en voz. Jari Rippe Rantanen en batería. Veli Laukkanen en bajo. Jere Kalla y Sami Räikkönen en guitarras. Los cinco responsables de este más que decente trabajo, que por breve no deja de ser atractivo. Claro, me gustaría poder escuchar más canciones para así tener una idea cabal del potencial del grupo. Mas, eso se remediará en breve. Mientras tanto, y si no los has escuchado, estas dos canciones te pueden dar un panorama claro y agradable de lo que es Black Dreams como banda.

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Goddess - The Withering

Año: 2016
Sello: Voidcaller Records
País de origen: Noruega

Una sola canción y un montón de matices que hacen de la misma una experiencia muy agradable. Enrolados en el lado más progresivo y rockero del Doom/Stoner (o Stoner Doom, como prefieran. El orden de los factores no altera el producto), estos noruegos salen al ruedo con su primer EP, primera grabación oficial de la banda, segunda si tenemos en cuenta el Demo del 2014, el cual se llama "Demo 2011". Y acá me detengo un segundo.
Por lo visto, este quinteto de Oslo tiene problemas con editar sus grabaciones en tiempo y forma. Veamos, el Demo del 2011 salió a la calle recién en 2014, y éste EP, grabado en 2014, recién vio la luz en el 2016. Contratiempos de los cuales desconozco las causas, pero que indudablemente existen. En el caso de "The Withering", el disco fue grabado en 2014, remixado en 2016, y fue lanzado a través del sello del guitarrista/cantante Alexander Mora, Voidcaller Records.
Como dije un poco más arriba, el EP consta de una sola canción, la cual dura 18 minutos y 46 segundos. En la misma podemos encontrar desde vocalizaciones limpias y con gusto a Hard Rock de los 70's, hasta guturales (ocasionales), pasando por armonías vocales tan claras como modernas. Además, el sonido de las guitarras de Mora y Ole Magnus Rustbakken mantiene el mismo espíritu: combinar cosas de los 70's con elementos sonoros más actuales, con lo cual logran levantar un muro sonoro de granito que resulta indestructible; no le dedican mucho tiempo al lucimiento personal, prefieren concentrarse en atmósferas, arreglos, melodías y riffs antes que en solos. Por decirlo de una manera, es la forma en que demuestran que son buenos músicos: haciendo lo que la canción exige.
No quiero olvidarme de Berit Rokstad, el tecladista, quien también aporta acompañamiento vocal, y que suma interesantes arreglos con los teclados, dándole al grupo un toque 70's que les calza muy bien. La base rítmica soporta todos los cambios de tempo y de clima a los cuales la banda recurre para darle variedad a la canción (y al disco también. No olviden que el mismo tiene un solo tema), manteniéndose siempre sobrios, contundentes y precisos. En resumen, cinco músicos de calidad, algo que no debería extrañarnos ya que sabemos que los noruegos suelen ser buenos músicos.
La canción en sí, y como ya adelanté, no se encasilla, pero tiene un molde bien definido. Los tipos se mueven dentro del Stoner/Doom, pasando de ritmos más cadenciosos, y hasta alguna cabalgata, a partes lentas de neto corte Doom, pero sin resignar la chance de introducir arreglos Progresivos que resaltan el gusto 70's que impregna a toda la pieza.
En resumen, una buena canción, cuya duración puede parecer extensa a piori, que nos hace cambiar de opinión a medida que la misma avanza. No cansa, entretiene en todo momento, y hasta deja con ganas de más. Un trabajo bien hecho.

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Mirror - Idem

Año: 2015
Sello: Metal Blade Records
País de origen: Internacional

Suele decirse que los supergrupos son más humo que otra cosa. Nombres rutilantes, grandes campañas publicitarias y discos que son anunciados como La Nueva Gran Cosa que nadie debe perderse. Pero resulta que en muchos casos, esos supergrupos suelen ser más de lo mismo, en muchos casos llegando a ser un fiasco, mientras que en la menor cantidad de casos los resultados son buenos. Ni hablemos de los supergrupos que han lanzado grandes discos: pueden contarse con los dedos de una mano...con suerte. Sin embargo, hay otra clase de supergrupos en donde los nombres no son tan rutilantes, con campañas publicitarias más discretas, que no causan tanto revuelo, pero que a la hora de ir al grano no lo dudan; van y hacen lo que deben hacer, y lo hacen bien. Aquí tenemos un supergrupo que muchos tal vez no conozcan, pero que todo fan del buen Heavy Metal y Hard Rock debería conocer. Pero ¿quiénes integran el tan mentado supergrupo llamado Mirror? Vamos con los nombres.
Taz, el bajista (chipriota él), toca en Satan´s Wrath y tocó en el disco "Black Masses" de Electric Wizard. El colombiano Jaime Gómez Arellano toca en Blutvial, una interesante banda inglesa de Black Metal, de quienes ya hemos escrito algo aquí mismo. El griego Stamos Koliousis toca la guitarra, y es miembro de Satan's Wrath también. El fabuloso cantante Jimmy Mavrommatis (otro integrante oriundo de Chipre, dueño de una voz de terciopelo, aguda y afinada, además de encantadora) canta en Armageddon Rev 16:16. Y falta uno, el otro guitarrista. ¿Saben quién es? Matt Olivo. Sí, el mismo Matt Olivo de Repulsion. No me digan que Mirror no es un supergrupo, por favor.
Ya tenemos los nombres de todos los implicados en el asunto, o al menos los nombres de los que grabaron el disco, pues alguno de ellos ya no están en la banda. Falta lo siguiente, lo más importante: la música. Como bien dije, es Hard Rock y Heavy Metal, pero no dije que lo de esta banda es la clase de Heavy/Hard que abrió el camino para todos los grupos que vinieron con posterioridad a la década del '70. Y dentro de ése estilo, dentro de ésa forma de tocar y de sonar, Mirror eligieron el camino de Rainbow en primer lugar, Deep Purple por otros instantes, y cosas que recuerdan a Uriah Heep o Sir Lord Baltimore. Mas, es claro que Rainbow es el espejo en el cual se miran estos muchachos.
Por cierto, he leído reseñas en las que los comparan con Thin lizzy y hasta con King Crimson, lo que me hace pensar que algunos críticos están más preocupados por mostrarle al mundo su -supuesta- erudición que interesados en escribir acerca del disco que están comentando. En fin, volvamos a la música, que hay mucha y buena música en este caso.
El disco arranca con el tema que lleva el nombre del grupo, en donde el gancho, la melodía y las atmósferas épicas dicen presente de inmediato. Un comienzo que no podría haber sido mejor, y que es seguido por la intensa "Curse of the Gypsy", en donde la influencia de Blackmore y compañía emerge ya desde el nombre mismo. Nombré a Blackmore y debo decir algo más al respecto. Uno de los guitarristas no sólo tiene un estilo muy similar al del Brujo, sino que, además, tiene el mismo sonido de guitarra. ¿Cuál de los guitarristas es? No lo sé pues dicha información no está en la gacetilla de prensa.
Volviendo al disco en sí, a estos cinco veteranos y talentosos músicos les sobra algo que a muchas bandas de corte retro les falta: creatividad. Será porque son tipos grandes y conocen al dedillo lo que hacen, será porque llevan éste tipo de música en la sangre, no lo sé. Lo concreto es que mientras muchas bandas retro hacen agua, fijándose en lo estético antes que en lo esencial, estos tipos van al espíritu del estilo que practican, lo capturan y lo hacen suyo. De hecho, "Mirror" tranquilamente podría haber sido lanzado en 1976.
¿Es un gran disco? No, pero está cerca de serlo. Y no me extrañaría que su próximo opus sí lo sea. Mientras tanto, escuchen el debut del quinteto al cual realmente le cabe ser llamado Supergrupo, y deléitense escuchando canciones como "Cloak of a Thousand Secrets"...o el disco completo, mejor.

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The Obsessed - Sacred

Año: 2017
Sello: Relapse Records
País de origen: USA

Siempre es bueno tener alguien en quien confiar. El bueno de Wino, el viejo Wino, es alguien en quien uno puede confiar. Y digo esto en el sentido de que uno sabe con qué se va a encontrar cuando Wino saca un nuevo disco a la calle. Uno sabe que él nos va a dar una buena dosis de Doom/Heavy/Rock honesto, puro, sin complicaciones. Siempre lo hizo así, y tras 40 años de carrera manteniéndose fiel a sí mismo, es más que obvio que no va a cambiar. Pero ¿acaso alguien quiere que Wino cambie? Así como vivo pendiente de encontrar algo novedoso, algo que me impacte y me haga sentir al borde del abismo, también busco, como cualquiera de ustedes, algo de seguridad. Y Wino te da la seguridad de que vas a encontrarte con buenas canciones en cada nuevo paso que da en el mundo de la música.
"Sacred" tiene una historia particular detrás, pues la banda se reunió con los miembros de Spirit Caravan, y todo parecía indicar que el regreso de The Obsessed y Spirit Caravan eran casi una misma cosa. Al final, y tras una situación algo confusa para alguien que la mira desde afuera, The Obsessed oficializó su regreso con éste disco, en el cual Wino está acompañado por Brian Constantino (ex Spirit Caravan) en batería y voces, y el ex bajista de Spirit Caravan Dave Sherman, quien también aporta su voz. O sea, Spirit Caravan al completo, pero bajo el nombre de The Obsessed.
Si bien el disco tiene la impronta inconfundible de Weinrich, y si bien hay cosas que suenan claramente a The Obsessed, debo decir que también hay detalles, ritmos, arreglos, que me traen a la memoria a Lost Breed, aquella intensa banda rocker en la cual Wino hiciera de las suyas, uno de los proyectos menos conocidos del ex Saint Vitus. Canciones de carácter rudo y ritmos calientes como "Be the Night" o "Punk Crusher" son esos momentos en los cuales el nombre de aquella banda aparece en mi mente. Igual, el sello distintivo de Wino está en todas sus bandas, y The Obsessed es una banda con identidad propia dentro del universo del legendario guitarrista.
El disco comienza con uno de los temas más Doom del disco, siendo "Sodden Jackal" el nombre de dicha pieza, en donde la lentitud y la cadencia netamente sabbathica ganan lugar desde un inicio. Mas, no es un disco netamente de Doom, pues es ésa canción, junto a "On So Long" (con su toque bluesy) y el interludio previo, la parte más Doom del disco. El resto del álbum, a decir verdad, tiene más de Deep Purple o Thin Lizzy que de Black Sabbath. Sin ir más lejos, hay un cover de Thin Lizzy ("It's Only Money").
Dentro de la línea Purple/Lizzy están mis canciones favoritas: "Perseverance of Futility" y la cadenciosa "Stranger Things". Dichas canciones sobresalen porque tienen un gancho que las eleva por sobre el resto de la placa. Así y todo, "Sacred" no es un disco de grandes canciones y sí es un disco de composiciones atractivas y reconocibles en todos sus aspectos. Los riffs, los tempos, las estructuras, las atmósferas. Aquí todo es familiar. Familiar y confiable. Nada en The Obsessed suena peligroso, entiendo lo peligroso como algo que es provocado por los riesgos asumidos. A esta altura de la vida, de su vida, Wino no va a andar asumiendo riesgos. Él sabe lo que quiere y sabe cómo hacerlo. Y lo hace a su manera, así de corto y simple es esto. Como siempre, lo hace bien. El tipo entiende a la perfección lo que significa rockear, no descubro nada nuevo.
Ya saben, The Obsessed volvió para darnos lo que ya sabemos, lo que queremos escuchar cuando leemos el nombre de esta legendaria banda.

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Glitter Wizard - Hollow Earth Tour

Año: 2016
Sello: Heavy Psych Sounds
País de origen: USA

San Francisco, California. Epicentro mundial de la explosión hippie en los 60's. Sin embargo, y esto debería ser harto conocido, muchos de los primeros músicos que incursionaron en el mundo de los sonidos más pesados, no sólo estuvieron dentro de esa movida (la hippie), sino que también anduvieron haciendo de las suyas, o bien nacieron en, San Francisco. Blue Cheer es el ejemplo más claro de ello. Pues bien, el sello Heavy Psych Sounds se dedica a rescatar y difundir a una buena cantidad de grupos actuales que viven obsesionados por el sonido pesado de fines de los 60's/principios de los 70's, habiendo en su catálogo algunas gemas muy valiosas. Ok, la mayoría de los grupos que edita el sello carecen de todo atisbo de originalidad. Mas, eso es absolutamente comprensible pues hablamos de música que tiene más de 40 años de existencia, por más que los grupos que forman parte de dicho catálogo sean actuales. Glitter Wizard forman parte de dicho catálogo, son de San Francisco y suenan como una banda de aquellos años dorados.
Hard Rock, esto es Hard Rock, así de simple. Sí, hay bastante Psicodelia, algunos arreglos de corte Progresivo, mucho glamour en la estética y bastante fiesta en medio de la historia musical del grupo. Pero, elementos más, elementos menos, lo de Glitter Wizard es Hard Rock vintage, y del bueno. De entrada queda en evidencia todo lo que acabo de decir, y con el correr de la placa quedan claras las influencias, también. Deep Purple, Captain Beyond, los primeros Uriah Heep, Lucifer's Friend, por ahí va la cosa. La utilización constante del Hammond y teclados con un sonido netamente 60's, las entonaciones prístinas pero poderosas. Las guitarras con un sonido aguerrido y sucio, saturado más por el volumen que por usar una distorsión brutal (muy lejos de esto último, por supuesto). Ritmos incisivos, con cambios en los puntos justos, complejos a la vieja manera, pero sin complicarse al vicio. Características inherentes al total de la placa, a lo que hay que sumarle un sonido muy anticuado, pero bien utilizado en beneficio de lo que es el estilo del grupo.
¿Mejores momentos? "Mylece", "The Hunter", exhibiendo un buen gusto inapelable y dejando en evidencia que lo de ellos es el Hard Rock. "Stoned Odissey"/"Fungal Visions" son los tracks más psicodélicos, y son mis favoritos, a su vez, con sus arreglos y sonidos de neto corte sci-fi de los 60's contrastando con los arrebatos rockers furiosos y directos. Sin embargo, no son canciones deslumbrantes; simplemente son las pistas en donde los californianos alcanzan su mejor forma. Pero, a decir verdad, no aflojan en ningún momento, y se las ingenian para hacer de "Hollow Earth Tour" un disco sumamente agradable, aun cuando yo, que crecí escuchando los discos de Hard Rock de la colección de mi tío, estoy alejado de este tipo de música pues la escuché cuando yo era un niño. Así y todo, hay que reconocer que los Glitter Wizard suenan como una banda de la época a la cual rinden culto, y no como un grupito de imitadores baratos. Eso es valioso ¿no?

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Purple Sage

The Workhorse III - Closer to Relevance

Año: 2016
Sello: Autoproducido
País de origen: USA

Leí por ahí que The Workhorse III son algo así como héroes rockers de la escena de Philadelphia. Yo, para ser muy sincero, debo decir que no los conocía ni de nombre. Eso fue así hasta que Scott de Clawhammer PR me hizo llegar la promo del tercer disco full del trío en cuestión y mi ignorancia al respecto desapareció subrepticiamente. Mas, no sólo eso: me encontré con una banda cuya intensidad me sacudió. De paso, con esa intensidad compensan cierta tendencia a repetir fórmulas harto conocidas, detalle que no hace mella en el resultado final gracias a la honestidad y vigorosidad d la música del trío.
Puede que suene raro hablar de vigorosidad habiendo una mujer al frente de la banda, pero éso es justamente lo que me transmite la música de The Workhorse III: vigor. Un vigor que condensa en su interior toda la potencia del Metal más crudo con la energía desbordante del Punk Rock más puro. Ellos gustan de autodefinirse como Hard Rock, y si bien hay bastante del mismo, lo cierto es que la banda se sitúa en un punto intermedio entre el Metal y el Punk. Podría decirse que se trata de una de esas bandas que son demasiado Metal para ser punks, y demasiado punkies para ser solamente Metal.
Hablando de Punk, el disco arranca a puro Punk Rock con la estruendosa "War Torn City", una composición simple y rabiosa que te hace levantar de la silla, y que abre la placa de la mejor manera posible: con toda la furia. A partir de ahí, la banda integrada por Lisa Lyne Flynn (voz y guitarra), Steve McCarthy (bajo y voz) y Eric Perfect (batería), comienzan a desandar el camino que los posiciona en medio de dos mundo íntimamente relacionados (el Metal y el Punk), encontrando en la propuesta del grupo similitudes con Nashville Pussy, Motörhead, las primeras grabaciones de Girlschool y ese tipo de bandas. En otras palabras, crudo, directo y sin complicaciones. ¿Quieren virtuosismo? A buscarlo en otro lado. Esto es Rock hecho desde las tripas, sin concesiones ni falsas pretensiones. "Closer to Relevance" es un disco para escucharlo a todo volumen, imaginando al grupo descargando las canciones en vivo, y a la mierda.
¿Si es un gran disco? No lo creo, sinceramente. Pero sí creo que es una trabajo muy honesto y entretenido, y posee una cuota de energía prácticamente inagotable, que es lo que hacer que la llama no se apague hasta el final. Por cierto, justamente sobre el final viene el único punto flojo del disco, una canción de corte más bien melódico llamada "I Can´t Forget", cuya armonía de guitarra me recuerda demasiado a "Your Time is Gonna Come" de Led Zeppelin. No es que sea una mala canción, pero desentona un poco esa melodía tan encantadora en medio de la crudeza imperante en el estilo del grupo. Mas, salvo ése detalle, "Closer to Relevance" es un disco bastante entretenido, lleno de energía e ideal para ser escuchado con la banda sobre el escenario. De hecho, me encantaría verlos en vivo.

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Clawhammer PR

Mindkult - Witch's Oath

Año: 2016
Sello: Caligari Records
País de origen: USA

Insisto en decir que Caligari Records se está convirtiendo en uno de mis sellos de cabecera. No es que todo lo que sale a través de ése sello sea una maravilla ni mucho menos. Pero han sacado discos realmente fabulosos, y otros que no lo son tanto, pero que permiten comprobar que el sello tiene una identidad bien definida, que no sacan a la calle cualquier porquería. Es evidente, al menos para mí, que estamos ante un sello que selecciona muy bien qué tipo de material editar.
Mindkult no es lo que más me ha gustado del catálogo de dicho sello, pero posee un encanto particular. Singular y oscuro, además de anticuado, pero de una manera atractiva. Es que muchas, pero muchas, de las bandas que llevan la etiqueta vintage sobre sí, no transmiten absolutamente nada pues se dedican a perder el tiempo en lo accesorio, descuidando lo esencial: la música. Es por eso que suelo huirle al revival de bandas que eligen el sonido pesado de fines de los 60's, los ritmos del tipo bluesy y la estética y la actitud del tipo Altamont. Así y todo, hay excepciones como Mindkult, proyecto que lejos está de ser una maravilla, pero suena más que bien.
Se le pone la etiqueta Doom Metal, y algo de eso hay, a decir verdad. Pero ¿es una banda de Doom Metal al 100%? Bueno, Mindkult es, básicamente, Blues pesado, tal como lo que hacían Blue Cheer, Black Sabbath o Cream, incluso. A ésas bandas yo no las considero Doom Metal, más allá de tener una fuerte y clara relación con dicho estilo (sobre todo Black Sabbath). Prefiero usar etiquetas acordes a las de aquellos años en donde el Metal estaba naciendo, y hasta prefiero hablar de Rock antes que de Doom. Pero, no hay que desechar esa etiqueta por completo. Como ya dije, algo de eso hay.
Por cierto, Mindkult es una banda de un solo hombre, al cual podemos identificar como Fowst, responsable absoluto de lo que aquí se escucha en las 4 pistas que conforman el EP. Un EP que, irremediablemente, me remite al fatídico festival de Altamont, que me hace pensar en Hell's Angels, Charles Manson y su clan, y todo el lado oscuro de la segunda mitad de los 60's, el costado tenebroso del Flower Power, el que casi derrumbó el sueño de amor y paz. El sonido crujiente y sucio (además de anticuado) de la guitarra da la pauta acerca lo que Mindkult es: Rock sucio, pesado (a la manera de los 60's, claro) y malvado.
La tímida voz de Fowst aporta un toque diferente, aunque le reste fuerza a la música en sí; una voz más agresiva hubiera potenciado el costado más visceral de Mindkult, pero bueno, su voz es así (un poco débil, pero afinada y con mucho de colgado) y listo.
Como compositor no es un virtuoso, pero demuestra haber aprendido al dedillo la lección. Esto se puede comprobar en la mejor pieza del disco: "Chief of Devils", la canción que sintetiza lo mejor de su creatividad en poco más de 7 minutos. Eso sí, a "Witch's Oath" hay que escucharlo entero (son tan solo 4 temas), de un tirón, y con la mente enfocada en lo que Fowst quiere decirnos. Yo hice eso y pude encontrarle el lado bueno al disco. De hecho, es un disco bastante agradable. Aunque, sinceramente, creo que éste norteamericano puede dar más. De cualquier manera, se defiende con sus propias armas, solo, y lo hace bien.

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Heavy Temple - Chassit

Año: 2016
Sello: Tridroid Records
País de origen: USA

Quienes me conocen saben de memoria lo que pienso de la mayoría de las bandas del tipo vintage, cuya obsesión por el sonido y estética de los 60's y 70's es motivo de mi poca (escasísima) pasión por éste tipo de bandas. Ya lo dije, lo repito: gracias a mi tío Mario, crecí escuchando a Blue Cheer, Black Sabbath, Grand Funk Railroad, Deep Purple, etc. Por ende, esta movida revivalista me resulta aburrida a esta altura de la historia. Así que no voy a explayarme más en dicho menester.
Por lo contrario, me voy a enfocar en las pocas excepciones valiosas que encuentro dentro del rubro, siendo Heavy Temple una de esas excepciones. No porque sean la octava maravilla del ahora llamado Heavy Psych/Doom (etiqueta fútil si las hay, pues lo que hacen estas bandas es tocar Hard Rock/Heavy Metal de fines de los 60's y principios de los 70's, en la vena de bandas como Captain Beyond), sino porque le dan prioridad a un aspecto que muchas bandas del estilo olvidan: la canción. Mientras la gran mayoría viven obsesionados por tener el equipamiento idóneo, lucir como músicos de hace 40/45 años atrás, y conseguir un fotógrafo y diseñador gráfico que le den al grupo al marco justo, estos muchachos de Filadelfia hacen lo que debe ser siempre primordial en una banda de música: poner a la música por delante de todo.
Así, con esto como premisa, Heavy Temple salen al ruedo con 4 canciones bien trabajadas, honestas y agradables al oído. Incluso para alguien como yo, tan poco propenso a escuchar bandas que se sitúan en ésta senda del camino, harto transitada a lo largo de 45 años de historia. Pero los muchachos que alguna vez grabaron "Love You To Death" de Type O Negative, bajo el nombre de Temple of Negative, ponen de manifiesto sus deseos de hacer buena música, y con eso se las ingenian para salir del pozo de mediocridad dentro del cual están la gran mayoría de bandas de similar estilo.
Además, han logrado el sonido justo, a punto tal que si no los conocés, y alguien te dice que es una vieja y olvidada bandas de 1970, probablemente lo creas. O sea, son creíbles, y eso no es poca cosa, mis amigos.
Entre lo mejor del EP está "Ursa Machina", por su gancho, y agrego "In The Court of the Bastard King" por su variedad de arreglos. Mas, el EP en su totalidad me resulta bastante ameno. Nada del otro mundo, eso está clarísimo, pero se deja escuchar sin ponerle trabas a un oyente complicado como yo, detalle que no puedo dejar pasar.
A los fans del estilo les va a encantar. A los que no lo son, pues denle una chance, que acá hay cosas interesantes.

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Dewar PR

Gorilla Pulp - Peyote Queen

Año: 2016
Sello: Retro Vox Records
País de origen: Italia

Viejos conocidos nuestros estos italianos, quienes llegaron a nosotros tiempo atrás tras haber lanzado su primer disco "Hell in a Can". Claramente influenciados por bandas como Orange Goblin, Black Sabbath, Red Fang, Kyuss, etc, estos 4 adoradores del sonido retro pesado y valvular, vuelven al ruedo con un disco que no comienza nada bien, pero que luego remonta bastante.
El comienzo con "Die of Thirst" no puede ser más predecible y chato, con un riff archi-escuchado, una base con mucho groove pero poca creatividad, y voz aguardentosa que dice poco y nada. Mis expectativas empezaron a descender ostensiblemente tras escuchar el comienzo, sinceramente. Para colmo, los 2 tracks que siguen ("Caveman" y "Magic Mushroom"), si bien levantan un poco la puntería, hacen poco y nada por la mejoría del disco. Por suerte, la cosa comienza a cambiar de golpe y la puntería mejora claramente.
"Witch Boogie" suena a Ted Nugent y Rose Tattoo de los primeros discos, pero pasado por el filtro Stoner, siendo el primer momento caliente de verdad del disco. De ahí en más, todo es apuntalado gracias a la buena predisposición de los italianos por rockear antes que ponerse en plan "me fumo todo y luego toco". O sea, ganan en poder, hay más ganas y menos cuelgue, demostrando de esa manera que la piel rockera es la que mejor les queda. Así y todo, meten algunos pasajes volados, pero al cambiar el contexto, al mejorar y levantar la intensidad, esos momentos del tipo trip cobran otra forma, más color.
Los 5 temas que comprenden desde "Witch Boogie" hasta "Electric Woman" (el cierre de la placa), si bien no aportan nada nuevo, muestran la mejor cara del grupo, con guitarras que juegan con las armonías al mejor estilo Foghat, una voz reventada que no tiene muchas matices, pero que compensa con las ganas, y una base contundente en todo instante. Y eso me lleva a preguntar si este crescendo tan marcado fue intencional, o si tan sólo sucedió que estas 9 canciones eran las únicas que tenían, optando la banda por poner lo mejor de dicho material desde la mitad del disco en adelante.
Cómo sea, para los amantes de los sonidos retro, "Peyote Queen" puede llegar a ser un gran álbum. Para los que estamos un poco hartos de los revivals y la onda retro a cualquier precio, pues estamos ante un disco un tanto desparejo, pero en el cual hay algunas buenas canciones que redimen al grupo y lo salvan del fiasco. De hecho, el disco termina bastante bien.

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Los Disidentes del Sucio Motel - Human Collapse

Año: 2016
Sello: Ripple Music
País de origen: Francia

Vaya, vaya, vaya, cuánta calidad hay aquí. No voy a mentir diciendo que estamos ante un disco fabuloso, pero tampoco voy a negar que el nuevo opus de éste grupo francés no me ha dejado un buen cúmulo de buenas sensaciones tras escucharlo varias veces. "Human Collapse" es cosa seria, gente, la banda lo es.
De entrada, mi expresión al ver el nombre del grupo no fue la mejor. Sinceramente, tienen nombre de banda rockera española o argentina de baja calidad, de esas con letras sexistas y canciones con formato tradicionalista y arcaico. Mas, lo de estos muchachos está muy lejos de eso; es más, LDDSM son una banda con un sonido y estilo realmente modernos, muy lejos de lo que yo pensé al principio. Se los mete dentro de la bolsa de estilos como el Post Metal, Post Sludge, Heavy Rock, etc; yo agregaría algo de Groove Metal, buen Hard Rock y hasta algún toquesito de Grunge refinado. Todo muy bien fusionado, tocado y grabado. Por cierto, la mezcla corrió por cuenta de Kurt Ballou, el genio detrás de Converge. Ya comenzamos bien.
Mejor se pone la cosa cuando comienza el disco y las texturas y matices comienzan a fluir naturalmente, combinando un sonido fuerte y claro, armonías gancheras pero no melosas, ritmos cadenciosos y contundentes, y una capacidad innata para controlar los climas de las canciones, sabiendo qué y cómo hacerlo en cada momento. Las 10 canciones se compactan entre sí, forman un núcleo indivisible, no hay fisuras entre las partes. El disco termina siendo muy homogéneo, y hasta dejan lugar para superarse a sí mismos en canciones exquisitas como "Trip", "Border" y "5PM Arrival", composiciones con estribillos inolvidables.
El trabajo vocal está en el podio gracias a la exquisita manera de entonar, seleccionar las melodías y unirlas con los estribillos a tres voces, todo hecho con una finura envidiable. Las guitarras oscilan entre la pesadez constante y la elegancia, siendo ésta el contraste perfecto para hacer que el costado pesado del grupo no resulte grotesco. Y la base suena fluida, agresiva, en constante movimiento, como si fuera un río sobre el cual navegan las melodías.
Esto es Francia, o al menos, es el concepto que yo asimilé acerca del arte francés desde niño. Finos, puntillosos, artísticos pero sin perder nunca la agresividad, LDDSM han hecho un disco muy, pero muy recomendable.

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Dätcha Mandala - Anâhata

Año: 2016
Sello: MRS RED Sound
País de origen: Francia

La onda vintage suele resultarme bastante molesta en muchos casos. Esa obsesión por revivir el pasado, centrándose únicamente en los externo, en lo estético y en el sonido, me parece una completa pérdida de tiempo. Sin embargo, hay músicos que hacen los deberes y aprenden las lecciones al pie de la letra. No logran aportar nada fresco por una cuestión bien obvia: hacen música que fue creada cuando la mayoría de ellos ni siquiera eran un proyecto de vida. Pero, al menos se las ingenian para crear música decente, y en algunos casos, bastante atractiva. El trío francés Dätcha Mandala no van a ser recordados ni por su originalidad, ni por su audacia, ni por su afán por innovar; pero logran sonar como una banda de Hard Rock de fines de los 60's / principios de los 70's sin sobrarle nada, cumpliendo con el principal cometido: hacer buenas canciones.
"Anâhata" es un EP de dos canciones, y el mismo ha sido lanzado en una edición limitada de 500 copias. Fue grabado por una eminencia como Clive Martin (el mismo que supiera trabajar junto a Queen, Skunk Anansie y Stereophonics, entre otros), quien logró darle al grupo un sonido anticuado y valvular, ultra-vintage, pero buscando siempre fortalecer la parte compositiva antes que la estética.
El EP comienza con una pieza dramática llamada "Misery", una especie de carta abierta en formato de balada cuasi trágica, en donde la banda exhibe un buen gusto encomiable. Hace años atrás, The Mars Volta hicieron canciones en ésta misma senda, y muchos se desvivieron en elogios. Por supuesto, Led Zeppelin lo hizo hace 40 años, algo que ya todos sabemos. Dätcha Mandala continúan la senda intimista y cargada de un dramatismo teatral muy bien manipulado, y con eso en mente logran crear una muy buena canción.
"Mojoy" es puro Southern Rock con mucho de Hard Rock, nuevamente con Zeppelin como influencia central, aunque hay otros elementos que confluyen dentro de la pieza y permiten traer a la memoria a otros nombres (Blackfoot, los primeros Grand Funk Railroad, Free, etc). Gusto a Blues y a Rock sureño en una canción atractiva, aunque un poco más de sensualidad hubiera venido al pelo.
"Anâhata" es la cadena que unirá al segundo disco del grupo, un álbum llamado como la banda, y el tercer disco full, del cual aun no tengo mayores datos. Como nexo, y como muestra de lo que es la banda, está más que bien. Y como homenaje al Rock Duro de determinada época, también.

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XII Boar - Beyond the Valley of the Triclops

Año: 2016
Sello: Independiente
País de origen: UK

El primer disco de este caliente trío británico, una obra titulada "Pitworthy" (2015. Previamente habían lanzado 2 EP's y dos singles), me sigue pareciendo un disco muy entretenido e intenso. Por esa misma razón, por lo bien que la pasé escuchando ese disco, mis expectativas respecto a éste nuevo álbum de XII Boar (pronúnciese Twelve Boar) eran altas. Hoy debo decir que las expectativas han sido ampliamente satisfechas con un puñado de canciones que me han pateado el culo sin contemplaciones.
¡Qué manera de rockear estos tipos! Como si Orange Goblin y Clutch se hubieran unido en una sola banda, tomando lo más boogie de cada banda para dotarlo de una suciedad y dureza fascinantes. Tommy Hardrocks nos espeta frase tras frase con su voz reventada por el whisky y el tabaco, mientras lanza riffs tan seductores como rudos con una facilidad asombrosa. David Wilbraham le pega a su batería como le debe pegar un baterista de verdadero Rock & Roll: con toda la fuerza de su cuerpo puesta en sus brazos y piernas (y con mucha precisión, claro). Adam "Bad-Dog" Williams (bajo) aporta un sonido grave, gordo, realmente heavy, que es como debe sonar el bajo en una banda que se jacta de ser pesada. Y rockean, los 3 juntos rockean hasta dejarte exhausto, hasta dejarte felizmente exhausto.
Canciones como "The Hustle", "Strange Kinda Lonesome" y "Penetrator" son capaces de convertir en un infierno cualquier recinto, son ideales para hacer que cualquier audiencia (de cualquier parte del mundo) se prenda fuego hasta quemarse enteros. ¡Joder! Así es como se debe tocar este tipo de música: con bolas, enojados, como si no hubiera un mañana; sucios, feos y malos, y al que no le guste, que se vaya al carajo.
Alguien puede objetar que éste tipo de música se ha hecho miles de veces, y es cierto. Pero ¿saben qué? La música, cuando es honesta y está bien hecha, es atemporal. Justamente eso es lo que han logrado estos ingleses: han creado un disco atemporal. Y sí, es uno de mis grandes favoritos del año.

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Holy Grove - Idem

Año: 2016
Sello: Heavy Psych Sounds
País de origen: USA

Canciones, un disco de canciones. Eso es lo que es el primer disco de esta banda de Oregon, USA, a la cual se le puso el mote de "Secreto mejor guardado de la ciudad". Desconozco los motivos por los cuales les pusieron esa etiqueta encima, pero por algo debe ser...creo. En fin, lo concreto es que el cuarteto conocido bajo el nombre de Holy Grove han hecho un disco en el cual es fácil reconocer las estructuras, el formato de cada canción está bien definido y todo está delineado para que cada pasaje, cada arreglo, vaya dentro de márgenes harto conocidos, pero no por eso menos efectivos. Esto, a mi humilde entender, tiene dos polos bien diferenciados que me llevan a tener una visión dual del álbum en cuestión. Por un lado, el debut de Holy Grove permite evocar a bandas como Grand Fuk Railroad (sus primeros discos), Blue Cheer y Deep Purple en varios aspectos, sobresaliendo esa cualidad para componer canciones con estrofas bien trabajadas y estribillos inteligentemente unidos a dichas estrofas. El formato tradicional del viejo Hard Rock/Heavy Metal de fines de los 60s/principios de los 70s está respetado a rajatabla aquí, sobre todo en esa cosa de mantener el ritmo de Blues (o Blues Rock, en todo caso) reinando en todo momento, permitiendo así que el groove y la pesadez se basen en ese formato rítmico y no tanto en el sonido, si bien el sonido del cuarteto es realmente heavy. Pero, por otro lado, está el detalle -nada menor- de tener que salir al ruedo con una propuesta musical que data de al menos 40 años atrás, por lo que pretender encontrar alguna novedad aquí es una fantasía.
Es decir, estamos ante un disco muy agradable, con algunos momentos muy logrados (el track que lleva el nombre del grupo y del disco a la cabeza), muy bien producido (Billy Anderson prestó su fabuloso oído para la misma) y con performances que no pueden ser reprochadas bajo ningún aspecto. Pero también está la cuestión del confort, de la comodidad de encontrarse ante algo extremadamente conocido y, por ello, debo decir que el disco se me hace un poco largo. Claro, es una cuestión meramente personal y que tiene que ver con mi pubertad e incluso, con mi niñez, cuando iba de visitas a la casa de mi tío, allá por 1984, y escuchaba sus vinilos de las bandas mencionadas al principio de la reseña. Esto hace, guste o no, que mi oído se encuentre a gusto recibiendo los sonidos que emanan del disco, dado su buen tratamiento y lo fácil que resulta para mi cerebro asimilar la música de Holy Grove; pero está el hecho de que mi personalidad me hace buscar constantemente cosas nuevas, no estancarme en el pasado, y ahí es donde llego al punto de sentir que estoy escuchando algo que ya escuché demasiadas veces.
Cuestiones personales de lado, "Holy Grove" es un disco entretenido, en donde la voz emerge con esa cosa tan soul que tenían las primeras bandas pesadas, en donde hay buenos riffs y en donde el sonido pesado como un dinosaurio se une con la fluidez de los ritmos, tan pesados como ágiles. O sea, que a mi no me rompa la cabeza no quiere decir que a nadie le vaya a suceder. Tal vez a vos, que te la pasas buscando este tipo de bandas todo el tiempo, este primer trabajo de Holy Grove te parezca la gloria. Yo digo lo que pienso y punto, simplemente eso. Y lo que pienso es que el debut de estos muchachos de Portland, Oregon, es agradable, realmente agradable.

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Van Halst - World of Make Believe

Año: 2016
Sello: Independiente/Autoproducido
País de origen: Canadá

Apenas leí la gacetilla empecé a temer lo peor. Etiquetas como "Goth Rock/Metal", "influenciados por Evanescence", perfilaba muy mal esto. Por suerte, no soy un tipo que se deje llevar por este tipo de información, soy de los que prefieren ir al grano y escuchar la música, que es lo que realmente importante para hacerse de una opinión propia, a fin de cuentas. Pues bien, acá no hay nada de Goth Metal, pero nada. Es decir, el Goth metal es un género que, en líneas generales, me aburre porque tiene poco y nada de Gothic. Y cuando hablo de Gothic, hablo de Bauhaus, The Sisters of Mercy, Lycia o Siouxsie & The Banshees, y las bandas metaleras que deciden utilizar dicha etiqueta casi nunca tienen cosas de las bandas antes mencionadas (además de que me resultan aburridas y edulcoradas en su gran mayoría). Por fortuna, Van Halst, la banda comandada por Kami Van Halst, es una banda de Heavy Metal y Hard Rock con tintes tradicionales, pero con una viraje moderno tanto en el sonido como en la forma de presentar su producto. Las comparaciones con Evanescence pueden venir por el lado de baladas como "Ryan's Song", cuya melodía central me recuerda mucho, pero mucho, a la inolvidable intro del "Black Diamond" de KISS, pero dentro de un marco más FM, más actual y con resabios de Evanescence. El resto del material es simplemente Heavy/Hard bien tocado y bien grabado.
La voz de Kami es esencial en todo este juego, cantando de manera melódica, pero utilizando voces más aguerridas en varios momentos, dándole a la música variedad desde su tarea. Y hablando de música, pues acá hay dinámica, energía, melodía y algunas buenas canciones: "The End" tiene todo el gancho, la exquisita performance de Kami en "Questions" (otra balada) y"Plastic Smile" (la más introspectiva y hermosa de todas las baladas que conforman la placa), todos puntos altos en un disco al cual no le sobran los grandes momentos, pero que resulta ser muy agradable. Es decir, Van Halst son más una banda con cualidades para ser un grupo exitoso que con dotes como para ser una gran banda (no hay que confundir las cosas). Pero, dentro de esas cualidades que me llevan a verlos como una banda que puede alcanzar el éxito, hay virtudes que no se pueden negar: Kami canta muy bien (escúchenla cantar ese semi-blues llamado "Put Him Down"), la banda que la acompaña es muy correcta, no hacen nada de más ni nada de menos, y cuentan con un sonido acorde a su propuesta, detalle que no puede ser pasado por alto. Además, "World of Make Believe" es un disco que no empalaga cuando eligen tocar baladas, no aburre cuando deciden tocar más duro, ni espanta cuando toman cosas más cercanas al Nü Metal ("Save Me", lo más flojo del disco). Es simplemente un disco entretenido, destinado a ser difundido por todos los medios especializados y con condiciones como para cosechar una buena cantidad de fans.

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R.I.P. - In The Wind

Año: 2016
Sello. Totem Cat Records
País de origen: USA

R.I.P. vendría a ser algo así como la contraparte yankee de los Ingleses de Uncle Acid And The Deadbeats, siendo Black Sabbath la principal fuente de inspiración de ambos, (sin dejar de lado también la influencia de Pentagram, claro está). “In The Wind” es el disco debut de los de Oregon, que desde el excelente arte de tapa y la intro “The Scyte” ya van dando una idea de sus intenciones, y con el riff de “In The Wind Part 1” despejan todas las dudas (en el caso de que las hubiese): ganchero y presto para el headbanging. De manual. El riff de “Tremble” sigue la misma tónica, heavy/doom rutero abrasador con ese sonido setentoso alucinógeno que tanto nos gusta a los amantes de estos estilos. “Black Leather” toma la senda del doom bien entendido y ejecutado, eso sí, no busquen originalidad aquí, los muchachos hicieron sus deberes y saben qué hacer para sonar como quieren… y lo logran. Los medios tiempos continúan en la intro de “Smoke & Lightning”, para luego subir un par de cambios y que la energía del hard rock ácido domine la mayor parte del tema. 

La segunda parte de “In The Wind” se presenta con una esencia más clásica, con reminiscencias de las N.W.O.B.H.M., que si bien se aprecian durante todo el álbum, aquí se hacen más evidentes. Arpegios semi acústicos componen la desoladora “Tombstone”, enteramente instrumental, a modo de un interludio que llega un poco tarde. “Bereaved” parece dar un nuevo aire a lo que se venía escuchando, pero sólo durante la intro, pues luego de ésta regresan a la clásica estructura de riffs que los condujo sin altibajos hasta aquí. “Brave In The Grave” arranca cansinamente, pero el cambio de marcha a esta altura es fácil de predecir. Llegando al final la tercera parte de “In The Wind” empieza con un aire sureño, arpegios acústicos mediante denotando una tensa calma que luego será interrumpida a fuerza de distorsión. Cierre bastante emotivo para un disco que tiene todos los elementos para conformar a cualquier entusiasta del doom sabático, los buenos riffs y el sonido vintage, aparte de todo lo que ello evoca, a saber, mujeres voluptuosas con poca ropa, motores de alta cilindrada, rutas desérticas, humo, alcohol y sangre. Quizás no sea un disco que marque época, tampoco creo que esa sea la intención de R.I.P., quienes sí se anotan varios porotos para lo que viene de aquí en más.

Reseña escrita por Juanlón (guitarrista de Disnomia)

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Black Rainbows - Stellar Prophecy

Año: 2016
Sello: Heavy Psych Sounds
País de origen: Italia

Hacer una reseña amparándose en la primera impresión puede llevar al crítico a cometer un error garrafal. Por ejemplo yo, en este caso puntual con el disco de esta banda de Roma llamada Black Rainbows. Si me hubiera dejado por la primera impresión y hubiese escrito la reseña en base a esa impresión, pues los hubiera criticado duramente. Pero hacer eso no es algo que me caracterice, suelo escuchar un disco al menos 6 o 7 veces antes de emitir un juicio. Y resulta que a medida que iba repitiendo la audición de esta placa, "Stellar Prophecy" iba ganando en calidad y respeto en cantidades casi iguales.
Ok, el disco no empieza de la mejor manera, y con esto quiero decir que "Electrify", la canción que abre el disco, suena demasiado común. No es un mal tema, pero sí es excesivamente remanido, ese tipo de Stoner Rock cuadrado y poco imaginativo en la vena de Firebird que jamás fue de mi agrado. Lo escuché varias veces y nunca me convención, no creo que alguna vez vaya a cambiar de opinión. Pero la cosa comienza a cambiar con "Woman", el segundo track, un Blues sexy que se sostiene sobre un riff repetitivo y una cadencia sensual que ayuda a cambiar el panorama. Para cuando llega "Golden Widow" la banda ya está mucho más firme, el disco creció ostensiblemente y el trago amargo del inicio ya se disipó por completo.  
Stoner, sí, duro pero sensual a la vez, aunque más tendiente a sonar cósmico antes que agresivo. Hay cosas que me recuerdan bastante a Fu Manchu, otras que tienen un aire inequívoco a Hawkwind, o sea, por ahí va la cosa. La gacetilla los describe como "Hawkwind, MC5 y Nebula chocan sus autos en medio del Desierto de Mojave", y creo que no es nada desacertada la escena que se usa para describir la música de Black Rainbows. "Stellar Prophecy" suena tan rockero como psicodélico, en ese orden de cosas, y con eso, con ese sonido viejo y un estilo bastante anticuado, se las ingenian para dar vida a un disco sumamente entretenido. De hecho, y si bien el disco casi por completo es más que agradable, hay algún que otro acierto de primer nivel; "Keep The Secret" es Hard Rock para escuchar en un bar, bebiendo cerveza, mirando cómo una prostituta menea sus curvas y con el volumen a un nivel ensordecedor. El sólo y el riff del final recuerdan a un himno: "Black Diamond" de Kiss. Le sigue la última canción del disco, un viaje lisérgico llamado "The Travel", en donde la influencia de Hawkwind sale a relucir sin ataduras en uno de los puntos más altos del disco.
"Stellar Prophecy" suena a miles de cosas, y creo que así debe ser pues esa es la idea: Estos italianos no intentan sonar modernos, eso está claro; de lo contrario, buscarían hacer otro tipo de música. Por lo que es aconsejable escuchar este disco sin prejuicios, entregándose a la placentera, aunque de manera medida, experiencia que es enfrentar esta profecía estelar.

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Banquet - Jupiter Rose

Año: 2016
Sello: Heavy Psych Sounds
País de origen: USA

Tiene su lógica que este grupo sea oriundo de San Francisco, la capital mundial del hippiesmo, sí, pero también cuna de Blue Cheer, una de las primeras bandas pesadas en la historia. Bueno, podemos nombrar a Captain Beyond, otra de las primeras bandas pesadas, aunque ellos, si bien eran californianos, eran de Los Angeles y no de San Francisco. Pero la cuestión aquí es que Banquet son de San Francisco y tocan esa clase de Hard Rock de finales de los 60s/principios de los 70s que hacían aquellas gloriosas y vanguardistas bandas. Claro, no es lo mismo haber sido precursores que venir al mundo 40 años después, intentando sonar y lucir como aquellas bandas. Hay un desfasaje importante y eso es insalvable. No hay manera de capturar la esencia de una era que no se vivió, eso es una realidad ineludible, guste o no. Se pueden tener los equipos adecuados, los instrumentos idóneos. Uno puede aprender todos los yeites que usaban aquellas bandas, obtener el sonido exacto, componer canciones idénticas a las que componían las bandas de aquel tiempo, pero nunca capturar la esencia. Eso es lo que le pasa a Banquet, quienes demuestran ser un grupo más que correcto dentro de ese estilo que nombré más arriba.
Tienen todo: el sonido, las canciones tienen el formato que deben tener, y hasta la imagen del grupo es acorde a lo que hacen. Pero les resulta imposible revivir el pasado porque, por cuestiones de edad, no lo vivieron y, por ende, no hay manera de que capturen la atmósfera que se vivía en ese tiempo, en ese lugar en donde sucedían algunas de las cosas que los inspiraron. ¿Entonces? Entonces Banquet entran en la categoría de buenas bandas que homenajean a las grandes bandas de un tiempo ya lejano, nada más que eso.
Cabe decirlo, lo hacen bien porque son buenos músicos. Escuchen "Touching The Grave" para sacarse las dudas, canción que muestra a un grupo inspirado y encendido, además de recordar a tantas (buenas) cosas de los primeros años del Hard Rock. Hay una virtud que hay que destacar: la base rítmica tiene todo el groove, fluyen con una naturalidad asombrosa y manejan los climas a su antojo. Gracias a eso, las guitarras pueden ser libres para trazar texturas igual de variadas y atractivas. La voz es tan limpia e intensa como las voces de bandas como Captain Beyond o Radio Moscow, ya saben a qué me refiero. O sea, los tipos son buenos en lo suyo, eso no se discute. Lástima que aparecieron en la escena unos 40 años más tarde...
En resumen, si te gustan este tipo de bandas, Banquet van a ser de tu agrado. Si no te gustan o si piensas que estas bandas no tienen sentido alguno, seguí de largo nomas.

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Wishing Well - Chasing Rainbows

Año: 2016
Sello: Inverse Records
País de origen: Finlandia

Un gran disco debut, eso es lo primero que se me viene a la mente al momento de escribir algo. Hard Rock y Heavy Metal de primer nivel, digno de los mejores tiempos de estos estilos (los 70s y los 80s), con claras influencias de glorias como UFO, Rainbow, Waysted, Dio y todas esas maravillosas bandas. Los responsables son 3 fineses que viven enamorados de los grandes grupos (y discos) de aquellos años dorados del Heavy/Hard, pero que, además, han aprendido la lección tan bien, que ni se nota que sean una banda cuyo primer disco salió al a calle ahora, en 2016.
El disco en sí contiene 9 tracks llenos de melodía, buen gusto y variedad, algo que muchas bandas que pretenden revivir aquel pasado de oro no entienden: las grandes bandas de Hard/Heavy no se encasillaban, estaban siempre buscando, experimentando, moviéndose para darle a su música nuevos matices y así mantenerla siempre fresca. Wishing Well entendieron eso y lo pusieron a la práctica. Es por eso que el disco comienza con un fabuloso Hard Rock ("Chasing Rainbows", para ser más exacto) en la vena de UFO/Nazareth, con una melodía pegadiza y un estribillo inolvidable, agregando una emocionante guitarra con slide, con la cual dan el toque distintivo a semejante canción. Inmediatamente le pegan "Science Fiction", Power Metal de pura cepa, con aires a la Manowar y toques a la Rainbow (cuando Blackmore empujaba a su grupo a tocar rápido). Hablando de Rainbow, el tercer track cuenta con la participación de una leyenda viviente del Hard Rock: Graham Bonnet, el inolvidable ex cantante de Rainbow y Alcatrazz. El track se llama "Hippie Heart Gypsy Soul" y es una canción de Hard Rock típicamente británico, con medio-tempo cadencioso y contundente, un riff sencillo pero memorable y un estribillo que se adhiere a la mente del oyente al instante.
"Sacrifice" es lento, oscuro y pesado, de lo más Heavy del disco. "Lucky is Blind" retoma el estilo del track inicial y, al igual que la canción que da nombre al disco, es uno de los mejores temas del disco. El resto del disco mantiene tanto la calidad cono la riqueza en los matices, haciendo de este "Chasing Rainbows" uno de los discos destinados a convertirse en Revelación del 2016. De hecho, no sé si alguna banda de Hard Rock podrá superar lo hecho por los fineses de Wishing Well en su primer disco full.
Les sobra categoría, han obtenido el sonido perfecto (un balance entre el sonido de los grandes discos de Hard Rock de principios de los 80s y la fidelidad sonora propia de estos tiempos digitales), cada integrante hace lo suyo sin fisuras y las canciones son todas, pero absolutamente buenas. Por lo menos para mí, este disco es candidato firme a ser el Mejor Disco de Hard Rock del 2016.

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Fierce Justice - Idem

Año: 2015
Sello: Independiente/Autoproducido
País de origen: Noruega

A veces, en el afán por cubrir la mayor cantidad de estilos posible, uno se termina olvidando o alejando del género que parió a casi todos los estilos que cubrimos aquí: el Heavy Metal. No es falta de voluntad de mi parte, es simplemente que no me llega demasiado material dentro de dicho género. Crecí escuchando Heavy Metal en los 80s, la década dorada, por lo que, si por mí fuera, cubriría más ediciones dentro de tan importante estilo (importante para mí, en mi vida).
De todo esto se desprende que Fierce Justice es una banda de Heavy Metal y así es. Con un sonido netamente 80s, los noruegos toman cosas tanto de la NWOBHM como de su par norteamericano (movida que se conoció como NEW WAVE OF AMERICAN HEAVY METAL en respuesta a la estupenda explosión británica), más esa deliciosa manera de usar la melodía que tienen las bandas metaleras escandinavas y germanas. O sea, beben de aquí, de allá y de más allá para terminar dándole forma y vida a un estilo que no tienen novedad alguna en su interior, pero que está bien hecho. Melódicos, pesados, con un groove bien marcado y un grado de agresividad acorde a la propuesta, estos noruegos nos dan un pequeña pero interesante muestra de su arte a través de 4 canciones que entretienen al oyente con un par de argumentos valiosos: buen gusto y variedad. Lo de variedad surge no porque Fierce Justice sea una banda ecléctica, sino porque no hay repetición de fórmulas en ninguna de las canciones. Así, en el comienzo, "Behind The Thoughts" derrocha energía al mejor estilo NWOBHM combinada con un machaque al mejor estilo Riot de los primeros discos. "Leap of Faith" es Hard Rock melódico, poderoso pero melódico, con aires épicos y todo. "Spineless" es Heavy Metal agresivo con reminiscencias del Speed Metal más oscuro y un coro que encajaría a la perfección en cualquier banda thrasher. "Bad Lucy" es puro groove y me recuerda a Waysted en su formato más sexual y con un gusto más 70s que 80s.
Ahí lo tienen, un EP de aires nostálgicos, pero bien hecho. Fresco, corto y contundente, lo de estos noruegos en su primer EP es alentador. Dejan expectativas altas (para los fans del estilo) de cara al inminente primer disco full y, de paso, nos regalan un poco de buen viejo Heavy Metal hecho de manera honesta.

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