Soul Dissolution - Pale Distant Light

Año: 2016
Sello: Throats Productions
País de origen: Bélgica

Hay ramificaciones del Black Metal, o ligadas al mismo, a las cuales empecé a prestarles atención gracias a mi mujer. Estilos como el Depressive Suicidal Black Metal o el Post Black Metal, solían pasar por mi reproductor ocasionalmente, pero no eran estilos a los que tuviera muy en cuenta. No fue hasta que conocí a mi actual esposa que comencé a interiorizarme e interesarme por dichas movidas. Hoy puedo decir que conozco bastante al respecto, pero siguen sin ser estilos musicales a los cuales escuche con asiduidad. Todo esto viene a cuento porque Soul Dissolution se mueven entre ambas etiquetas.
"Pale Distant Light" es el disco debut del dúo belga, sucesor del Demo de 2014 "Cold Rays & Grey Waves". En el mismo nos encontramos una lista de 10 canciones, entre las cuales hay un cover de October Tide (influencia que, en cierto modo, resume lo que es la música del grupo), y un track dividido en tres partes y llamado "The Final Dissolution". Todo muy refinado y melancólico, con riffs llenos de armonía y con aires Post-Rock, bastante emoción y un gustito a The Cure que resulta casi imposible de no mencionar. Resulta bastante agradable casi todo el álbum en sí, pero carece de imaginación el dúo, tienden a moverse sobre ideas que se parecen bastante entre sí, y eso hace que la placa pierda encanto.
Es como si cada canción hubiera sido concebida como una continuación de la anterior, y así hasta el final del disco. O sea, lo que tienen de emotivos, lo tienen de poco creativos. Si bien el disco es ameno, y si bien hay un conjunto de ideas que surgen aquí y allá, y que hacen de "Pale Distant Light" un trabajo bastante agradable al oído, lo concreto es que esa tendencia a no salirse de su propio molde les impide hacer de éste disco algo más atractivo.
Salvo la trilogía "The Final Dissolution" y "Sweetness Dies" (el cover de October Tide), el resto del disco no logra transmitir todas las emociones y sensaciones que parecen estar ahí, contenidas, esperando a que el dúo explote y dé rienda suelta a toda la locura. Sin embargo, hay un detalle que no es nada menor: no soy afecto a escuchar éste tipo de bandas, habitualmente, no me llegan las bandas que hacen de la apatía un culto, y mucho menos aun si la inventiva faltó a la cita. Mi mujer sí lo es, pero ella no es quien escribe la reseña. De cualquier manera, Soul Dissolution es un grupo agradable, aun con sus limitaciones compositivas a cuestas.

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Crowhurst - II

Año: 2016
Sello: Broken Limbs Recordings
País de origen: USA

Crowhurst nació como un grupo de un solo hombre, el cual se inclinaba para el lado del Noise/Power Electronics. Esto pasó entre 2011 (año de creación de la banda) y 2014, año en que Crowhurst pasó a ser un quinteto (aunque éste disco fue grabado como trío). Pues bien, se nota que los orígenes del grupo estuvieron en el Noise y los sonidos experimentales más perturbadores, ya que el disco comienza con un experimento sonoro que fácilmente podemos incluir en dicho ámbito. De hecho, en cada jodida canción del disco, el Noise emerge triunfante y endiablado, como un elemento discordante que surge desde las profundidades para aportar caos a la locura, y locura al caos.
Pienso en The Body como referencia cercana a la hora de comprender por dónde van Jay Gambit y sus muchachos. Vale aclararlo, Gambit es el padre de la criatura y se encarga de la voz, sintetizadores y efectos. Repito, pienso en The Body como punto comparativo, pero lo cierto es que Crowhurst no posee ese sonido pesado y opulento de la banda de Chip King y Lee Buford. Lo de Crowhurst se apoya en guitarras que oscilan entre lo esquelético y los eléctrico, siempre fibroso y crujiente, pero muy pocas veces pesado; en todo caso, acá hay más tendencia al ruido que a la pesadez. Y les queda bárbaro ese detalle, pues Crowhurst, si bien tienden a tomar cosas del Sludge/Doom, lo concreto es que cambian de piel constantemente y modifican su manera de presentarse a través de la rotación de estilos, a veces, en una misma canción. Así podemos encontrar Post Black (prestar atención cuando pisan el acelerador), el Deathrock a la Christian Death (incluso, Gambit usa algunas inflexiones fantasmagóricas a la Rozz Williams. Escuchen "The End" como ejemplo), y como ya dije, el Noise y demás experimentos anormales que solamente generan placer en las mentes desquiciadas.
Las guitarras zumban, explotan, se difuminan en el aire y vuelven a tomar color y forma. Los ritmos son sinuosos, dando la sensación de temblor, como si hubiesen sido creados y ejecutados mientras la tierra se movía. La voz de Gambit trae rabia y locura, se ubica inquietantemente entre ambos estados y no se aleja jamás de ellos; y lo hace con soltura, como si entre esos estados estuviera su verdadero ser.
Las piezas que integran el todo derrumban la cordura del oyente en un santiamén, siendo "No Saviors" y su formato esquizode/tribal (nuevamente las influencias del Deathrock y el Post-Punk se hacen presentes) la canción que orada los sentidos del oyente hasta derrumbarlo. Para cuando llega "Fractured Lung" y su muralla de ruido retorcido, el oyente ya sucumbió y se encuentra de rodillas, por lo que la banda saca provecho de dicha situación para engendrar un experimento del tipo Drone llamado "Dried Blood and Old Earth", con el cual abren las puertas de la percepción humana hasta hacernos dudar acerca de la supuesta realidad que hemos vivido hasta éste preciso instante.
"II", por si aun no lo saben, no es el segundo disco de la banda; Crowhurst cuentan con una vasta lista de grabaciones(más de 40 ediciones en 5 años de carrera. Solamente éste año lanzaron siete discos). Da igual si es el disco número 40 o si es el segundo en la historia del grupo, "II" es uno de los trabajos más excitantes del año por su valentía, por su afán de desestabilizar los cimientos del mundo de la música pesada (tan confortable últimamente), y porque es la clase de locura artística fuera de serie que yo tanto amo. Discazo.

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The Black Birch

Somnium Nox - Apocrypha

Año: 2016
Sello: Independiente
País de origen: Australia

Aparición en sociedad de este dúo australiano de Black Metal, quienes practican un Black variado y sumamente atmosférico. Buen comienzo el de esta banda en materia de grabaciones, pues lo hacen con un trabajo que contiene tan sólo una canción, y la misma dura un poco más de 16 minutos; en otras palabras, se presentan en sociedad asumiendo todo un desafío.
Nocturnal (bajo, guitarra, didgeridoo y programación de batería) y Ashahalasin (voz) entendieron un detalle sumamente importante: ofrecer en la primera entrega una sola canción, implica hacerlo bien, realmente bien, de lo contrario se corre el riesgo de aburrir de entrada, y eso no es bueno para un grupo debutante. Por eso es que "Apocrypha" pasea al oyente por diferentes estados emocionales, sube y baja a través de distintas sensaciones, manipulan los sonidos y mueven las piezas de aquí para allá, haciendo que no sea fácil encasillarlos dentro de una vertiente puntual dentro del Black Metal. O sea, pueden ponerles todas las etiquetas que quieran (Atmospheric Black Metal, Post-Black Metal, DSBM o simplemente Black Metal), todas les van a calzar como un guante porque en todas estas rotulaciones encajan los australianos en cuestión. Pero no hay manera de ponerles un rótulo puntual, específico, en detrimento de los otros.
He leído comparaciones con Blut Aus Nord, Seedna, Thy Light o Wolves in the Throne Room, mas no he leído ni una sola crítica que haga referencia al caudal creativo de estos Somnium Nox. Ni tampoco he leído cuan sano es que una banda sepa moverse dentro del amplio espectro del Black Metal con tanta soltura, y sin cometer ni un puto error o paso en falso. Es decir que Somnium Nox han hecho su debut con más aciertos que errores, y eso es digno de mención. Tal vez les falte mostrar hasta dónde son capaces de llegar (dentro del género que practican), pero es demasiado pronto para exigirles algo. Por lo pronto, presten oídos a éste trabajo, que tiene encanto suficiente como para que valga la pena hacerlo.

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TOMetal

Tod Huetet Uebel - Malícia

Año: 2015
Sello: Caverna Abismal Records (CD. Edición en cassette hecha en 2016 por el mismo sello)
País de origen: Portugal

Nacidos como banda hace 4 años (2012) en Lisboa, capital de Portugal, éste dúo me ha cautivado con su manera de entender y tocar el Black Metal. No es que sean una banda superlativa en cuanto a calidad, pero hay cualidades que uno no puede menospreciar o ignorar, y las voy a detallar ahora.
"Malícia" es el primer disco de la banda integrada por Daniel C (guitarra, bajo y voces) y Marcos M. (voz), continuador del EP lanzado en 2013 y titulado "Morte e Caos". Este disco full cuenta con 7 tracks en un total de 44 minutos y fue grabado, mezclado y masterizado por el propio Carlos C. durante el transcurso del 2014. Hasta ahí, toda la información objetiva. Ahora bien, la razón de ser de éste blog es la subjetividad, la opinión meramente personal. Y mi opinión es ésta: "Malícia" es un disco bastante interesante, realmente agradable y honesto lo del dúo portugués.
Tocan Black Metal, pero sin apegarse obsesivamente a las fórmulas propias del más puro y diabólico Black Metal, sino que poseen una mirada más moderna del mismo, situándose en un lugar intermedio entre el Post Black Metal y el personal estilo del Shining sueco (el de los últimos años, desde el ingreso de Peter Huss en 2005). Claro que hay aspectos que los ligan inmediatamente con el Black Metal de los 90s, hay arreglos, ritmos, entonaciones, que provienen de esa época puntual y eso lo podemos notar con sólo prestar atención a algunos riffs, al repiqueteo explosivo de la batería y a los gritos inhumanos de Marcos M. Pero, hay detalles que los posicionan dentro del siglo actual y eso está más que claro en la producción, prístina y refinada, dejando de lado cualquier intención de sonar anticuado o trve, en pos de alcanzar una claridad y contundencia admirables. Marcos M. también aporta elementos más modernos en las vocalizaciones, con sus gritos que también incorporan desesperados alaridos de dolor y agonía, tan típicos en el Depressive Black Metal. Además, hay atmósferas que surgen de la creación de una muralla sonora, y que se alejan del caos infernal del viejo Black Metal escandinavo y que los ponen más cerca del sonido lleno, dimensional, del Post Black Metal.
Más, no nos confundamos, que Tod Huetet Uebel es una banda de Black Metal y no otra cosa. Lo que pasa es que el dúo, sin dejar de lado los blast beats, las guitarras filosas y los gritos rabiosos, también pretenden agregar elementos que aporten frescura a su estilo, buscan sonar actuales y no anticuados. Es por eso que "Malícia" termina siendo un disco que merece ser escuchado, y no una sino varias veces, pues el trabajo global (compositivo, instrumental, la producción) permite que el oyente vaya descubriendo detalles a medida que las audiciones se repiten. Eso sí, y tras haberlo escuchado varias veces, debo decir que me costó encontrar una canción que me rompa la cabeza. Es que "Malícia" es un disco homogéneo, funciona como un todo y cada parte tiene su razón de ser en la construcción de su totalidad. O sea que es conveniente escucharlo completo y sin interrupciones, así resulta más fácil captar el espíritu agónico y furioso que impregna a dicho álbum.

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Batushka - Litourgiya

Año: 2015
Sello: Witching Hour Productions
País de origen: Polonia

Un halo de misterio cubre a esta banda, de la cual se dice que está compuesta por miembros archi-conocidos de bandas blackers tan o más conocidas aun. Aquí no se pretende develar dicho misterio, así que dejaremos esas cuestiones para aquellos que viven más pendientes del chimento que de la música.
Batushka hacen su presentación en sociedad con este disco grabado, según he leído, por tres integrantes; mas, en vivo son 8 los integrantes del grupo. Usando el alfabeto cirílico (alfabeto inventado en el siglo X para, entre otras cosas, traducir La Biblia al contexto cultural de los pueblos eslavos), esta singular agrupación nos entrega una placa en la cual la palabra elegida para titular el álbum parece haber sido la opción correcta. Y es que realmente estamos ante una liturgia, es decir, ante un ritual religioso en el cual las voces entonan cantos monásticos que contrastan con la voz aguda y rasposa típica del Black Metal. Sí, Batushka es, en principio, una banda de Black Metal, de allí que se diga, también, que sus integrantes proceden de otras bandas muy conocidas y cultoras de dicho género musical. Esos cantos han hecho que muchos utilicen la definición Cantos Gregorianos para describir el trabajo vocal de esta banda, pero yo creo que es quedarse corto. Batushka toman las entonaciones vocales de distintas ramificaciones religiosas del Cristianismo y se apoderan de ellas para dar rienda suelta a un culto ceremonial solemne, dramático y muy creativo. Combinando el poder y el aire frío del Black Metal con el dolor y la entrega penitente de rito religioso monoteísta, estos talentosos músicos logran crear un disco audaz y potente, dejando de lado conceptos tales como hits, para centrarse en la creación de una obra en el que el Todo es más importante que las partes.
En "Litourgiya" no vas a encontrar canciones nacidas para ser clásicos ni para ser cantadas a grito pelado por los fanáticos en un concierto. Acá se privilegia el aire ceremonial, la idea de generar en el oyente la sensación de estar en medio de un ritual con principio y fin bien definidos. Si bien hay composiciones que me gustan más que otras (las partes número VII y VIII de "Yekteniya" -Letanía-, único título usado en el disco, al cual le agregan un subtítulo que permite diferenciar cada composición), lo concreto es que estamos ante un álbum que necesita ser escuchado atentamente, detalle por detalle, de principio a fin.
En lo personal, digo que se trata de una placa que no es para todo momento y que requiere de una ambientación idónea para poder encontrarse dentro de la misma como oyente/participe. Su originalidad ayuda a disfrutarla, aunque si no se encuentra uno en el estado mental correcto al momento de afrontar la escucha, "Litourgiya" puede llegar a ser un poco denso. Pero eso queda en cada uno y cada uno sabrá por dónde encarar a éste singular disco. Eso sí, que es un buen disco, lo es, no lo duden.

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Grand Sounds PR

Entropia - Ufonaut

Año: 2016
Sello: Arachnophobia Records
País de origen: Polonia

Madurez, esa es la palabra que describe en sí sola a este nuevo opus de Entropia. "Vesper" (el primer disco full del grupo, reseñado aquí) era -y es- un buen disco, pero le faltaba explotar, le faltaba carisma. En cambio "Ufonaut" gana en todos los aspectos respecto a su antecesor. Más firme, más variado, más contundente y con grandes aciertos en cuanto a las variaciones que incluyen en gran parte del álbum, éste nuevo disco de Entropia, sin ser una maravilla, marca un claro adelanto en la carrera del grupo.
El estilo es exactamente el mismo de siempre: Black Metal moderno, ese que podríamos incluir dentro de lo que conocemos como Post-Black Metal, momentos de Blackgaze, con toques Sludge (sofisticados, para nada sucios ni salvajes) y toques de Post Metal muy bien apuntados. Todo dentro de un marco refinado y vanguardista, eligiendo inteligentemente cada movimiento, arriesgando con sapiencia, nunca arriesgando sin pensar detenidamente en lo que le conviene al grupo. Quizás ahí esté la mayor falencia: hasta cuando arriesgan se nota que son muy cerebrales, y por ahí les vendría bien tirarse de cabeza al experimento sin pensarlo demasiado. Podría decir que estamos ante una banda de intelectuales que gustan de sumergirse en los sonidos más duros, pero siempre manteniendo la elegancia, jamás entrando en los terrenos más insanos y virulentos del Metal Extremo. O sea, son extremos, pero tampoco exageran. Todo suena medido milimétricamente, todo está puesto en donde ellos quieren que esté.
Un sonido prístino hace de conductor para que cada instrumento salga a la luz con prestancia, sin vacilaciones; todo se escucha clara y fielmente, detalle que no es menor ni casual, el estilo del grupo exige que así sea. Y gracias a ese sonido tan sutil pero contundente es que podemos apreciar los grandes arreglos incluidos en los mejores momentos del disco: "Ufonaut" (la canción) con su melodía cautivante, la intensidad emocional en "Mandala" y la psicodelia en "Paradox", tres puntos altos en un disco sin puntos bajos.
Repito, estos tipos han madurado y lo han hecho sin perder de vista su esencia, su estilo. Por supuesto, si lo tuyo es el Black Metal crudo y satánico a ultranza, con Entropia vas a perder el tiempo. Pero, si te gusta escuchar buena música y sin prejuicios de por medio, acá tenés una banda que sigue evolucionando y que lo hace con mucha elegancia.

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Dewar PR

Rorcal - Creon

Año: 2016
Sello: Lost Pilgrims Records, Halo of Flies, Bleak Recordings, Wolves and Vibrancy Records, Grains of Sand Records, GPS Productions, Dullest Records, Long Legs Long Arms, & Unquiet Records.
País de origen: Suiza

(…) En el fondo de la tumba vimos a Antígona colgada por el cuello: un nudo corredizo, que había hecho trenzando su cinturón. Hemón, desfallecido, abrazado a ella deploraba la pérdida de la que debía haber sido suya. En cuanto Creonte entró a la tumba el hijo desenvaina su espada de doble filo y se lanza contra él. Creonte esquiva el golpe. Entonces, el desgraciado, volviendo su rabia contra sí mismo, se la hundió en el costado. Dueño aún de sus sentidos, rodeo a Antígona con sus brazos desfallecidos, y vertiendo un chorro de sangre, enrojeció las pálidas mejillas de la doncella. ¡El desgraciado ha recibido la iniciación nupcial en la mansión de Hades, y demostró a los hombres que la imprudencia es el peor de los males!

(Fragmento de la tragedia “Antígona” de Sófocles)

Seguramente un virtuoso ditirambo de la época podría haber representado fielmente el desconsuelo de Hemón en aquella tragedia griega, pero en ésta época, creo que no habría mejor banda sonora que la de Rorcal para evocar tal escena. El nombre del mítico rey de Tebas es el elegido para bautizar a “Creon”, el cuarto Full de esta demoledora banda suiza, que asumía la difícil tarea de superar o al menos mantener el nivel del disco antecesor: “Világvége” del 2013. Uno de los mejores discos editados dicho año, o por lo menos uno de los más violentos, oscuros y mala leche a gusto de quien escribe. Si bien mantienen su característico estilo y sonido, a saber, sludge ultra agresivo con sus buenas dosis del black metal más virulento, en esta oportunidad se nota un cambio en la forma de componer. No sé si esto es algo que se han propuesto o algo que se dio naturalmente debido a la temática, pero les ha servido para desarrollar mejor las ideas a lo largo de los más de 10 minutos que dura cada tema, enfocándose en su lado más blacker que en su anterior trabajo. Sin embargo, para los puristas, es necesario aclarar que cuando hablamos de black, es en su corriente “post”, aprovechando el actual auge de la misma, pero manteniendo su impronta claro está (Altar Of Plagues puede ser una referencia inmediata). Se abre el telón con Πολυνείκης (Polinices), desplegando un opresivo manto de oscuridad para presentar el disparador del conflicto, la traición y la muerte de los hermanos. Riffs en tremoló van describiendo la angustiosa melodía de la muerte desgarrándose en la garganta de Yonni Chapatte. Encomiable labor, haciendo lo que dicta el género, gritar como un condenado durante todo el disco. Desarrollo del conflicto en el segundo acto, Ἀντιγόνη (Antígona), Hemón halla muerta a su prometida tras su condena. Misma fórmula y formato de riffs para parir el tema más hijo de puta del redondo. Las guitarras de Diogo Almeida y JP Schopfer entretejen trágicas y dolosas melodías, complementándose de manera impecable, dejándote sin aliento como a la finada Antígona. Impresionante, especialmente después del corte que promedia el track… sublime!! La obra va llegando a su desenlace con Αἵμων (Hemón), y como es de suponerse será sangriento: el suicida hijo de Creonte muere abrazado al cadáver de su prometida Antígona. Amenazantes arpegios dan comienzo a una inquietante calma que pronto será interrumpida por violentos arrebatos de blast beat a cargo de Ron Lahyani, bajando revoluciones cuando la atmósfera lo requiere, siempre con una notable precisión. Los tremoló no dejan de sonar sostenidos por la base rítmica de Bruno da Encarnação que no decae jamás. Lo propio con los gritos que se suceden cual lamentos. Al final de esta obra todavía le queda espacio para otra muerte, Εὐρυδίκη (Eurydice), madre de Hemón y esposa de Creonte se suicida al enterarse de la muerte de su hijo. Una marcha fúnebre siguiendo la tónica de los temas anteriores y redondeando una monumental obra, opresiva, mala onda, armónicamente violenta y agresiva, sin dejar nunca de lado la melodía, pero de la manera más dramática... La tragedia è finita. Como se había mencionado anteriormente, hay otro tratamiento de los temas, aparecen estructuras más marcadas dejando de lado los pasajes drone y las disonancias, al igual que los viscerales y arrastrados medios tiempos característicos que lamentablemente pierden terreno aquí. Los riffs dejan su relativa monotonía para adquirir mayor riqueza armónica desdoblando el trabajo de las guitarras. Queda a criterio de cada uno la valoración de estos cambios, personalmente creo que es parte de una natural evolución, aunque extraño aquellos elementos que hacían de su sonido algo más personal (y que espero no se los lleven las nuevas corrientes). Quizás Creon no supere a su impresionante antecesor, pero deja en claro que aquello no fue una mera casualidad, o un acierto circunstancial. Rorcal es una realidad que seguramente va a seguir llenando de mala onda las almas de quienes estén dispuestos a sangrar sus oídos en su honor...

Review hecha por Juanlón (guitarrista de Disnomia)

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The Black Birch

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Lost Pilgrims

Halo of Flies

Grieving Mirth - Calamitosvs Omine

Año: 2015
Sello: Loud Rage Music
País de origen: México/USA/Inglaterra

Primer trabajo de este trío integrado por músicos de distintas partes del mundo. Abomination (Alan Cuellar, mexicano, guitarrista e integrante de Luciferian Rites, entre otros), Adversor (Waldo Rocha, norteamericano. Tecladista e integrante de bandas como Wraith of Extinction y Nethermost) y D.H. (italiano, cantante e integrante de Exaltatio Mortis, entre otros) son los responsables de un disco dramático y atmosférico por donde se lo escuche.
Canciones llenas de arreglos melodramáticos, armonías melancólicas y etéreas a la vez, evocando paisajes naturales imponentes. Ritmos sostenidos, firmes, que van del blast beat a los medio-tempos cadenciosos y majestuosos. Una voz que entona furiosamente en italiano, y que coquetea con la locura y la desesperación durante todo el disco, e incluso, sumergiéndose de lleno en ambos estados por momentos. Buenas ideas, aunque un poco repetitivas, la banda se mueve con holgura dentro de su universo sonoro. Repito, les falta variedad, tienden a repetir fórmulas y eso le resta algo de poder al conjunto del álbum, a la totalidad del mismo. Pero lo compensan con una entrega tremenda, dejando la piel en cada composición. En ese aspecto, la labor de D.H. se destaca más por encontrarse en el ámbito ideal para dar rienda suelta sus entonaciones teatrales, de tinte trágico y emocional. Mas toda la banda cumple con su labor de forma ajustada, correcta de principio a fin. Incluso los músicos invitados (Serpentor y Marco Santini) hacen lo suyo amoldándose sin problemas a la propuesta del grupo.
Algunos lo llaman Cascadian Black Metal, otros prefieren la etiqueta Post Black, y algunos eligen clasificarlos como Atmospheric Black metal. Cualquiera de estas etiquetas les queda más que bien a esta banda tan oscura como luminosa, pues al negro poder que se desprende de sus interpretaciones ( y a la postura asumida por la banda) se le contrapone un sonido claro, prístino, aunque no por eso menos agresivo. Cómo sea, "Calamitosvs Omine" es un trabajo agradable, y como carta de presentación está bastante bien.

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Dystopia Nå! - Dweller on the Threshold

Año: 2015
Sello: Avantgarde Music
País de origen: Noruega

Elegancia cuando deciden sacar a relucir su costado más depresivo. Elegancia cuando eligen ser agresivos. Elegancia cunado son sombríos y cuando son luminosos. Elegancia todo el tiempo. Obvio, si esto sucede, es porque estamos ante una banda que hace un culto de la sofisticación, de la elegancia. Su primer disco, una atractivo trabajo llamado "Syklus" (2011) ya había dejado en claro cual era/es la postura del grupo, su sonido y estilo. "Dweller on the threshold" redobla la apuesta, y en mi caso particular, considero que supera lo hecho anteriormente.
Más brillante en todos los aspectos (el brillo en el sonido, pero también en la calidad de las composiciones hay un grado de brillantez encomiable). el segundo opus del combo noruego abruma por su calidad, mas esto no les impide jugar con los matices más variados y usarlos de manera tal, que nunca dejan de parecer simples elementos anexados al estilo del grupo para ser absorvidos y transformados, a punto tal de que todo suena a ellos, siempre predomina la personalidad del grupo. Influencias hay, eso es obvio. Uno comienza a hacer música porque escucha música, música hecha por otros. No creo que los Dystopia Nå! estén exentos de esto. En algunos pasajes, encontramos influencias de Enslaved, de Austere o similitudes con Black Autumn. Pero nunca llegan a parecerse formalmente a ninguna banda, siempre son ellos mismos. Y ahí radica el principal encanto de este disco que deja en mí la sensación de ser una especie de soundtrack no reconocido como tal. Cada canción está conectada con la siguiente, y los arreglos dentro de las mismas funcionan como secuencias dentro de una escena, siendo cada canción una escena. Hay un desarrollo, pero hay un comienzo, un nudo y un final también. Y el dramatismo crece a medida que avanza el disco. Es por eso que lo mejor llega a partir del track número 6, ese gran tema llamado "Winding Stares into Nothing". A partir de ahí, lo que en un comienzo era bueno, pasa a ser muy bueno. Y ese es el resultado final: muy bueno. O sea, un muy buen disco de Post Black Metal, de Rock Depresivo, y de todo eso que hace que esta banda sea una banda muy personal. Y lo edita Avantgarde Music, un sello que es garantía de calidad, amigos míos.

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Charming Timur - For The Duration of Psychiatric Treatment

Año: 2015
Sello: Autoproducido/Independiente
País de origen: Finlandia

Esto sí que es raro. Raro, pero interesante, pues hay muchas bandas y proyectos que pretenden hacernos creer que están locos, y disfrazan sus pésimas actuaciones bajo un manto de rareza que, al fin y al cabo, sólo sirve para desnudar sus mediocridades. Este no es el caso, pues Lauri Santeri Lohi (el único responsable de todo lo que se escucha aquí) hace música extraña, pero no transmite esa necesidad de parecer raro tan sólo para llamar la atención. En todo caso, la combinación de estilos y sonidos es lo que le confiere extrañeza a este singular disco.
Charming Timur es como tomar Metal Alternativo, cosas del Shoegaze (no, no me refiero al Shoegaze Black Metal, sino al Shoegaze en sí mismo), algo de Post Black Metal aquí y allá, y hasta algún ritmo y sonido que parece tomado de algún demo de alguna banda de Nü Metal de mediados de los 90s (hay algunos pasajes introspectivos que recuerdan vagamente a Deftones, pero como si estos hubieran sido pasados por una procesadora de sonidos vieja y en mal estado). A partir de ahí, de esa mezcla, Lauri comienza a jugar con sonidos, texturas, silencios, ritmos. La gacetilla dice que este disco es algo así como un filme blockbuster de verano (sí, de esos que podemos encontrar en cualquier sala, y que invitan a comprar popcorn en cantidades para ver la película en cuestión) y no está muy lejos de la realidad. No muy lejos, dije. El motivo por el cual no digo que es exactamente eso, es porque "For The Duration of..." suena a soundtrack de un filme de bajo presupuesto en el que la historia va por carriles un poco anormales, o cambiantes, en todo caso. Es decir, todo parece salir de una misma idea, de un punto fijo de partida (la salud mental parece ser ese eje), pero, a partir de esa idea, Lauri comienza a trazar líneas, colores, formas, etc, que van mutando según el momento, según el estado de ánimo.
Lo más destacable, a mi parecer, es la capacidad de este muchacho finés para manipular los sonidos ("Flangers Effects & Velafaxine" es un claro ejemplo). El punto más débil está en el casillero de las composiciones, porque no hay tracks que uno pueda citar como los mejores. Todo suena muy parejo, y no hay grandes momentos. Sin embargo, esta homogeneidad excesiva no conspira en contra del resultado global de un disco absolutamente distinto a todo lo que escuchamos diariamente. Y es justamente ese espíritu libre y atormentado a la vez, esa necesidad de expresarse jugando con las formas y los sonidos, eso es lo que resalta en este disco, y eso es lo que le permite diferenciarse del resto.

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Vahevahian - The Wrath of Baalshamin

Año: 2015
Sello: ᛉdnirgal Productions
País de origen: Argentina

Lo primero en lo que pensé tras ver el nombre del grupo, fue si el mismo tiene algo que ver Vahe Vahian, el poeta armenio. No encontré información al respecto, así que dejé de lado dicho interrogante y me enfoqué en la música. Buena música, mejor dicho. Vahevahian es la criatura de Tantalvs, quien también toca en Seelenmord, una de las interesantes bandas de Black Metal, de las pocas, que hay en Argentina, y que ya reseñamos años atrás. Repito, buena música, cálida, elegante, profunda, melancólica y muy bien tocada. ¿Es Black Metal? Sí, se puede decir que sí. Pero completamente alejado de formatos y términos como Raw, Grim, Trve, Kvult y demás. Vahevahian es una propuesta instrumental que encuentra su vía expresiva a través de melodías evocativas, hermosas de a instantes, fundiéndose estas con ritmos que oscilan entre la calma y la tormenta, creando así pasajes, y recreando paisajes, cargados de contrastes entre luminosidad y oscuridad. Emotividad a flor de piel en las ejecuciones, un aura de sabiduría que emerge de los punteos (cuidados, sencillos pero bien trabajados), sofisticación y cadencias que fluctúan para no caer en la monotonía. Tan pronto como puede usar un blast beat para llevar la emotividad hacia el nivel más alto, tan pronto se relaja y usa ritmos que simulan una calma marea que, en cualquier instante, estalla violentamente. Mas esa violencia nunca es excesiva, ni cae en la cacofonía, ni emula a la violencia de los grupos más virulentos del Black Metal. Esto, en todo caso, proviene de otro lado, es una violencia más bien latente que, ocasionalmente, tiende a ser algo tangible. Pero la característica dominante en este EP surge de otros aspectos, de la utilización de texturas más cercanas al Post Black, al Shoegaze y estilos similares (alguien me dijo que hay elementos del Cascadian, pero ese es un término que detesto, y que me parece inútil). O sea, sin alguien busca un disco de Black Metal con gritos de adoración a Satán, voces chillonas, guitarras cuyas cuerdas son rasgadas hasta hacerlas trizas, ritmos estruendosos y atmósferas paganas/demoníacas, pasen de largo. Ahora bien, si buscan algo intenso y relajado a la vez, carente de voces, y encausado hacia el costado más elegante y afable del género, sin que por ello falte ese poder intrínseco al Black Metal, acá hay una interesante opción.

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Au-Dessus - Idem

Año: 2015
Sello: Witching Hour Productions/Godz ov War Productions
País de origen: Lituania

Qué buen disco debut el de estos lituanos. Black Metal y Post Black Metal de alto nivel, compuesto, tocado y grabado con una calidad suprema. Si así van a presentarse en sociedad estos muchachos, no quiero ni imaginarme lo que se traerán entre manos para el futuro! 4 músicos audaces, que se muestran muy seguros de sí mismos, y que demuestran saber a la perfección hacia dónde quieren ir. Casi 31 les son útiles para desandar ese camino, y lo hacen sin titubear ni un instante. Atmosféricos, sofisticados, oscuros, agresivos e inquietos, los lituanos hilvanan las canciones una tras otra, manteniendo un hilo conductor que no se rompe nunca, y que le da al disco una solides indestructible. Las canciones no tienen títulos, o mejor dicho, llevan títulos como I, II, III, y así hasta el número 5. O sea, usan números romanos para titular los tracks, algo que permite que el oyente comience de entrada a enfocarse en la música sin detenerse en lo que los nombres de las canciones insinúan. Pero hay algo más interesante aun: el orden de las canciones. Están puestas de tal modo estas composiciones, que parecen creadas con la idea de que cada track sea la continuación exacta de su antecesor, conformando de esa manera un bloque sonoro/climático coherente y firme, en donde la música actúa como un relato cinematográfico. Es así como logran cautivar al oyente, manteniéndolo en vilo hasta el final de un disco que no tiene fisuras. Usan los ritmos para subir o bajar los decibeles a su antojo. Utilizan las armonías para ir o venir hacia donde se les ocurra. La voz se amolda a cada situación propiciada por la música, y los sonidos fluyen con una naturalidad fascinante, de tintes místicos y sobrehumanos. En otras palabras, el debut discográfico de Au-Dessus es una maravilla.
Por cierto, desconozco lo que sucede en Lituana, si nos detenemos a hablar de música de Metal. Pero, y tras escuchar este muy buen disco, me veo obligado a indagar, pues si en ese país hay más bandas como esta, entonces me estoy perdiendo de algo realmente interesante.

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Vyrju - Black

Año: 2014

Sello: Black Forest Records

País de origen: Noruega

Vyrju es Iudex, y viceversa. Si bien cuenta con el apoyo de Tim Yatras en batería y voces (miembro de Germ, Autumn's Dawn y Blackened Angel), lo concreto es que Iudex es el alma y cerebro de esta novel banda. Nacido este proyecto en el año 2006, recién lanza su primera grabación en 2014, siendo justamente este EP dicha grabación. Ahora bien ¿con qué se encontrará el oyente que nunca escuchó a Vyru? Con u Black Metal lento que se fusiona con el Doom más melancólico, que tiene mucho del Post Black Metal de bandas australianas como Woods of Desolation y Austere, y que hasta flirtea muy ocasionalmente con lo más refinado del Depressive Black Metal. 4 tracks en los que se puede encontrar desde medios-tempos a lo Bathory de la etapa de “Hammerheart” (aunque mucho menos épico lo de este noruego. La canción es “The Constant Void”), melodías melancólicas y sofisticadas (“The Residue of Life”), un instrumental que tiene un aire a Drudkh (“Gone”), y otro track que oscila entre lo depresivo y lo atmosférico (“There Is No Grave Big Enough to Take All My Sorrows”). El disco en su totalidad es muy agradable, aun en los momentos de estridencia, por lo que, seguramente, los fans del Black Metal crudo y endemoniado no van a encontrar nada que les guste aquí. Pero, vamos, que para eso escucho a Beherit o Marduk. Esto no tiene nada que ver con ese tipo de Black Metal, por el contrario, está bastante alejado.

Elegante y oscuro a la vez, Vyrju busca ganarse un lugar en la escena, y exhibe buenos argumentos para que le prestemos atención. Aun le falta madurar para llegar a ser un grupo muy recomendable, pero tiene lo suyo.

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Entropia - Vesper

Año: 2013
Sello: Independiente/Autoproducido (Edición en vinilo hecha por Hellthrasher Productions, 2014)
País de origen: Polonia

Hellthrasher, o mejor dicho, Pawel, del sello Hellthrasher, fue quien me hizo llegar este álbum, el primer full lenght de esta banda polaca llamada Entropia. Si bien la gacetilla decía que Entropia hacen Black Metal, al ver la foto de portada imaginé otra cosa. Buscando información, encontré algunas fotos de la banda, y lejos está la imagen del grupo de ser la típica imagen de un grupo de Black Metal. Me dije a mi mismo "esto debe ser una mezcla entre los menos crudo y violento del Black Metal, con Sludge y Post Metal". Mi olfato no falló, pues eso es lo que hacen estos Entropia. Van desde el Black (en sus formatos más modernos: Post Black y Shoegaze, o Blackgaze) hasta el Post Metal, pasando por el Sludge tan en boga hoy. Todo dentro de un marco de sofisticación marcado, todo desde una perspectiva moderna que, muy seguramente, no será del agrado de los puristas. Pero resulta que, si bien no soy fan de los estilos antes nombrados, soy un tipo de disfruta de escuchar cosas nuevas y bien hechas, todo el tiempo lo soy, todo el tiempo busco bandas que, como mínimo, me gusten, sin importar el género. Y Entropia son una buena banda, "Vesper" es un buen disco. Quizá demasiado refinado para mi gusto, y excesivamente pensado, como que todo está calculado detallada y obsesivamente, dejando la sensación de que "Vesper" es fruto de la razón antes que de la pasión irracional (algo que ha marcado a fuego al Black Metal en particular). Pero eso no impide que uno pueda apreciar y valorar el trabajo hecho por estos talentosos polacos, dueños de un exquisito paladar al momento de elegir qué tocar, cuándo y dónde. Ese paladar tan refinado queda expuesto en dos composiciones puntuales: "Pascal" y "Vesper", en donde abordan todos los matices que componen la música del grupo, poniendo cada cosa en su lugar con una precisión encomiable, además de demostrar que, cuando se inspiran, son capaces de crear melodías preciosas. Y, oh casualidad, en esas canciones es donde la pasión le gana a la razón, por ende, la excitación provocada por esas 2 canciones supera ampliamente a la sensación de estar ante mente brillantes, pero excesivamente calculadoras.
En otras palabras, "Vesper" es un muy buen disco, pero podría ser mejor aun si no fuera por el hecho de que le falta fuego y le sobra inteligencia. De cualquier manera, el disco posee momentos excelentes, y por eso solo, "Vesper" merece ser escuchado atentamente, y si te gusta el estilo del grupo, merece ser disfrutado sin prejuicios.

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Inexistence - Idem

Año: 2013

Sello: Infernal Hymns Records

Inexistence necesitaba tener un disco full como éste. Ya desde su primer trabajo autoproducido, la criatura de Gabriel Loco pedía el disco full así a gritos. ¿Por qué? Porque siempre apostó a hacer algo que aquí, en Argentina, nunca fue hecho de la manera en que el Loco entiende que se deben hacer las cosas. Si bien podemos encontrar bandas con estilo similar, es necesario decir que no hay bandas que encaren este tipo de música desde la perspectiva que Gabriel posee, y que aplica a su música de manera cuasi obsesiva. Su capacidad innata para crear canciones en donde las atmósferas juegan un rol esencial, hace que Inexistente no encuentre su par en esta escena nacional que, de tan pequeña que es, tal vez no merezca llamarse escena. Es que escasean las bandas que hagan lo que hace Inexistente. Puede haber parecidos, alguna que otra similitud (más que nada en su primer Ep, el muy recomendable “Pessimistic Thoughts”, el cual se puede comparar con otras bandas y proyectos argentinos, como Morkt Hedensk, por ejemplo), pero no iguales. Inexistente encuentra sus pares en bandas como Alcest, Austere, Sun Devoured Earth, Lustre y cosas por el estilo. Es decir, no hay deseos de tocar todo a mil, ni de emitir gritos desgarradores todo el tiempo. Ni ganas de ser el más malo, ni el más satánico ni nada que se le parezca. Existen deseos de expresarse, de usar la música como un lenguaje y decir coas profundas, intensas, y hasta dramáticas. De hecho, la música de Inexistente siempre me pareció dramática. Pero para bien, sin caer en lo melodramático ni resultar sobrecargada de sentimientos inexistentes. No, lo de Inexistente es algo serio desde todos los ángulos que uno lo mire. Por eso este full lenght (segundo si contamos a “Land Of Grays” del 2011 y editado por Rigorism Records), el cual contiene varios temas ya grabados anteriormente, resulta cautivante y refrescante. Cautivante desde el tratamiento compositivo y sonoro, sonando todo tan bien elaborado, puesto en el lugar y momento justos, al punto de atrapar al oyente con cada detalle. Y refrescante porque, como ya dije antes, resulta difícil encontrar algo así en nuestro país. Además de provocar un cúmulo de sensaciones y pensamientos teñidos de gris oscuro (y a veces, tirando hacia el negro) que hablan a las claras de por dónde viene la mano, y de lo bien que usa Gabriel su capacidad como compositor e intérprete.

No voy a destacar a ninguna canción por sobre otra. No es necesario hacerlo, porque esta obra es algo que funciona como un todo o en partes; a eso lo elije el oyente. Al fin y al cabo, que un disco pueda escucharse en su totalidad o por partes, deja en claro cuantas opciones brinda la música al oyente. No creo que deba agregar nada más. La música es la que debe hablar. Y Gabriel sabe muy bien como expresarse a través de la misma.      

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Heksabort - Black Mambo

Año: 2012
Sello: Autoproducido/Independiente
País de origen: Argentina

Jamás hubiera pensado que una de las sorpresas del año iba a llegar desde Bahía Blanca, lugar que está ubicado al sur de la provincia de Buenos Aires. La razón por la cual no me esperaba que esta sorpresa llegue desde cualquier punto de la Argentina tiene su motivo: el Metalero argentino, salvo honrosas excepciones, es bastante clasicista, tradicionalista, poco y nada afecto a salirse de los moldes preestablecidos. Mucho menos en el ámbito del Black, siendo que Argentina está llena de pseudo clones de Vikernes. Pero, afortunadamente, siempre existe la posibilidad de que aparezca alguna excepción a la regla, y, de esa manera, que las cosas sean distintas, al menos en parte, y por un rato. Heksabort es esa excepción a la regla. Si bien lo que hacen no llega en ningún momento a romperme la cabeza, sí puedo decir que me dejaron una muy buena impresión, especialmente porque los tipos arriesgan, y no temen hacerlo. Eso, ya de por sí, me parece altamente elogiable. Y si a eso le sumamos que en la banda hay buenos intérpretes, dispuestos a poner al servicio de la música cada una de sus virtudes como instrumentistas y compositores, pues entonces la cosa se pone realmente interesante. Interesante porque las influencias de los tipos no vienen por los lugares comunes del Black Metal, porque tienen sentido del humor, porque, como dije antes, arriesgan, porque son desprejuiciados, y porque aportan aire fresco a una escena que, hasta la fecha, ha dado sobradas muestras de pobreza: la del Black hecho en Argentina. Y si bien lo de Heksabort no es 100% Black Metal, el elemento está ahí presente a lo largo y ancho del disco, siendo lo primero que salta a la vista (o al oído) a la hora de comprender qué cosas conforman el mundo de Heksabort. Digamos que tienen cosas tanto de Arcturus, Trollfest y Mr. Bungle, en iguales dosis, aunque salvando las diferencias, claro. Pero, y más allá de ESAS diferencias, hay que valorar y destacar la audacia de los muchachos, que poseen el Heks en común, y que actúan de manera compacta, homogénea, dejando en claro que Heksabort es una entidad con un propósito, y no un conglomerado de individualidades tirando cada uno para su lado. Las composiciones, eclécticas y delirantes, además de tener momentos de extremismo sonoro que contrastan inteligentemente con las partes más voladas, sirven para que cada músico demuestre de qué es capaz, y cuanto y qué puede aportarle al grupo. En el debe quedan algunas líneas vocales, algo desprolijas por demás. Si bien es comprensible que la voz suene podrida y aguerrida, el eclecticismo de la música de Heksabort, me parece, exige mayores variantes en la faz vocal, para que el resultado sea más compacto de lo que ya de por sí es. Pero eso es tan sólo un punto flojo entre muchos aciertos. Aciertos que hacen de este Black Mambo un disco tan versátil como refrescante, sobre todo si tenemos en cuenta que qué contexto fue creado.

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Entrevista a Svartnad

Svartnad es un dúo sueco que comenzó haciendo Depressive Black en la vena de Silencer, y que, posteriormente, con la llegada de nuevos integrantes, más la partida del miembro fundador Karl Hoverman, cambió su estilo. Manteniéndose melancólicos, pero bucenado en nuevas aguas, el dúo integrado por Tobias Lindberg y Alexander Larsson ha derivado su estilo hacia caminos menos oscuros y más vanguardistas. Comparados con Alcest, los suecos han empezado a dar que hablar con su primer Ep llamado "En Studie I Ensamhet", un trabajo muy interesante. Movida por la reacción que provocó en ella la obra de Svartnad, mi novia, Laura Serviän, entrevistó a Larsson, quien muy amablemente respondió a todas sus preguntas.

PR: Hola ¿cómo estás?
AL: Hola. Estoy bien. Me acabo de mudar, así que estoy con un buen lío, pero  no es nada fuera de lo normal. Acabo de despertar, así que estoy haciendo café

PR: En la biografía del grupo, cuentan que al principio la banda estaba muy influenciada por Silencer ¿qué los llevó a cambiar?
AL: Antes de unirme a Svartnad, Karl Hoverman ( de la banda Nahvas , hermano de Oscar de Hypokondri) fue el único miembro, además de Tobías, y él escribió y grabó "Save Me" todo por su cuenta. A continuación, dejó la banda y Tobías me pidió que me uniera. Cuando nos sentamos a escribir  música  era muy evidente que hemos preferido escribir el tipo de música que terminó en "En Studie i Ensamhet". Todavía era deprimente y melancólica, pero más variado y dinámico. De todos modos, si eres un fan de "Save Me", deberías  tratar de ponerte en contacto con Karl, ya que ni yo ni Tobias éramos una parte de eso

PR: Comenzaron haciendo Depressive Black, pero con el tiempo la propuesta del grupo ha ampliado sus horizontes enormemente. ¿Esta búsqueda, esta necesidad de empujar los límites, será una constante en la carrera de Svartnad?
AL: Originalmente Svartnad estaba destinado a ser un proyecto paralelo. Grabamos En Studie me Ensamhet y no pensamos mucho más allá de él. Pero la retroalimentación que nos dieron era enorme en comparación con nuestras expectativas. Muchos sellos  nos querían firmar y un par de canciones terminaron en un disco recopilatorio.
En cuanto a empujar los límites ... No se. Nosotros solo  escribimos  la música que nos viene a la mente y conservamos lo que nos gusta. No tratamos de escribir un determinado tipo de música o de tratar de emular a una determinada banda o género, sino más bien tomar todas nuestras influencias y experimentar. Una nueva canción a menudo comienza con una idea, una melodía o simplemente un acorde, y se sigue construyendo sobre eso, modificar y cambiar hasta que estamos satisfechos.

PR: He leído por ahí que los etiquetan como Post Black Metal, Depressive Post Rock, Shoegaze Black Metal. ¿Se sienten cómodos con estas etiquetas? ¿O prefieren hacer lo que les gusta sin ataduras que los liguen a algún género en especial?
      AL: No puedo hablar de Tobías, pero yo personalmente no creo demasiado  en las etiquetas. Las palabras nunca pueden realmente describir la música en mi opinión. Hoy en día parece que hay un subgénero para cada banda y eso es una tontería. Creo que es un rasgo humano que tenemos que clasificar todo, en una forma de encontrar el orden entre el caos. Cuando escucho música no me importa demasiado acerca de cómo la banda se etiqueta, sino que se centran en la música y las emociones que la banda trata de transmitir. He escuchado a muchas  diferentes  etiquetas para Svartnad (algunos de ellos muy tontas) y ninguna de ellos realmente ayuda a explicar la música.

PR: Escuchando En Studie I Ensamhet encontramos cosas que nos recuerdan a Alcest con cosas de Lifelover, pero con una personalidad bien definida ¿les gustan estas bandas?
AL: Yo soy un gran fan de Alcest (y otros proyectos de Neige), pero no me preocupa Lifelover en absoluto. Alcest es sin duda una de las razones de que la música ha cambiado de "Save Me" hasta hoy, ya que ambos estaban muy influenciados por la banda. Puedo ver cómo la gente compara En Studie i Ensamhet con, digamos, "Le Secret", pero no los álbumes Alcest posteriores, ya que son muy diferentes en mi opinión. El ambiente melancólico está todavía muy presente, pero los paisajes sonoros y la profundidad de las emociones son mucho más abstractos.

PR: En su Ep hay un tratamiento muy cuidado de las atmósferas ¿Qué cosas inspiran esas atmósferas?
AL: Recuerdo que una noche estando en casa de Tobías -Él vive justo al lado del mar, así que nos metimos en el medio de la noche a la playa. Era bastante brillante la luna y las estrellas, y cuando nos pusimos manos a la orilla del mar, era como si algo mágico sucedió. No había viento, y no se escuchaba nada en absoluto, a excepción de los ecos lejanos de las olas. Nos quedamos en silencio durante no sé cuánto tiempo. Las palabras no importaban.
Después de eso fuimos a su casa. No sé si escribió toda la música de esa noche, pero momentos como estos que me inspiran a escribir música atmosférica en lugar del metal standard, lo que obviamente tiene un montón de potencia y energía, pero no puede conectarse con uno en un nivel más profundamente emocional

PR: El demo Days Of Desolation es puro Depressive Black, en la línea de Silencer o Apati ¿qué cosas sucedían en el interior de cada uno de los integrantes de Svartnad por aquel entonces? El tema que grabaron para ese demo es realmente oscuro e inquietante
AL: Como he mencionado antes, Karl es el hombre detrás de "Save Me". Nos escribió y grabó todo por sí mismo yunas semanas más tarde dejó la banda.

PR: Permíteme decirte que eres un excelente músico. Tocas guitarra, bajo, violín, te encargas de la programación, cantas. ¿Eres un músico con formación académica?
AL: No tengo ninguna educación formal, pero Tobías ha tomado clases de violín y ha ido a una escuela con fuerte enfoque en la música. Allí aprendió a grabar y mezclar discos también.

PR: ¿Qué es lo próximo en la vida de Svartnad?
AL: En estos momentos estamos a punto de grabar el primer álbum de larga duración. Tenemos un montón de material que debe ser registrado, pero no es, como siempre, un problema con el tiempo y dinero. También estamos buscando miembros para ayudarnos a grabar algunas de las cosas, así como presentaciones en vivo.
Lo único que puedo decir es que quizá, tal vez vamos a hacerlo a final del año. Pero eso depende de muchas cosas. Los dos somos personas muy ocupadas con otras bandas y vidas personales, y grabar un disco es muy caro a menos que reciba ayuda del label (que no lo hacen)

PR: Bueno, esto es todo. Muchas gracias por tu tiempo
AL:Gracias a ti


Como extra, les dejamos en Ep del grupo, un trabajo muy variado en emociones y arreglos. Si tuviste la oportunidad de escuchar el demo "Days Of Desolation" (el cual consta de un solo tema), sabrás que la cosa empezó por la senda del Depressive. Pues bien, este primer Ep nos muestra a un grupo que cambió en muchos aspectos. No sólo que el miembro fundador del grupo no está más, sino que los 2 integrantes que se hicieron cargo de Svartnad, decidieron que la música del grupo debía ampliar sus horizontes. Más finos, etéreos, variados, los suecos siguen los pasos de Alcest. Si llegar, por ahora, al nivel del gran grupo francés, pero utilizando recursos similares, y demostrando que, como instrumentistas y compositores, les sobra chapa como para llegar a trascender. Por momentos, la crudeza en la producción les quita algo de la magia que en sí posee el disco. Pero es tan solo un pequeño detalle dentro de un panorama más que alentador.

Svartnad

    

Drudkh - The Swan Road

Año: 2005

Sello: Supernal Music

País de origen: Ucrania

Que la música de Drudkh sea de lo más poético que uno pueda encontrar dentro del Black, no es casualidad. Varios de sus discos contienen líricas que, en su totalidad, están inspiradas en creaciones de poetas ucranianos. Sin ir más lejos, el cd que hoy les traemos, “The Swan Road”, está inspirado en su casi totalidad en poemas del Poeta ucraniano Taras Schevchenko; de hecho, los tracks 2, 3, 4 y 6, directamente son los poemas de Taras, o sea, no son letras inspiradas en sus poemas. Pero, y como dije hace poco, en la review del disco “Estrangement” de Drudkh, lo más sobresaliente en la obra de los ucranianos es esa capacidad innata para poetizar la música. Cada canción es un poema, cada canción derrocha sensibilidad y profundidad poética, aun en las partes más agresivas. Sus composiciones no caen en la violencia desaforada apoyada en el odio ni en el extremismo a cualquier precio. Sus canciones no recogen el legado de la misantropía blacker nórdica, ni hacen un culto de lo feo y malvado. Sus creaciones no redundan en lo rutinario, no caen en lo fácil, no pretenden seguir la huella de otros. Drudkh, simplemente, hacen la suya dentro de un género en cual suele estar mal visto ser innovador. Solamente conciben sus obras desde la belleza de la naturaleza que los rodea, engendran sus creaciones desde la poesía, desde el pensamiento profundo y sin ningún apego a los moldes preestablecidos. Ok, hay influencias de otros grupos blackers, siendo Burzum y algo de Satyricon lo más cercano al tradicional Black de los 90s que encontramos acá. Pero, a decir verdad, Drudkh exploran distintas facetas del Black desde otro ángulo. Más cercanos a los geniales Primordial que a las huestes nórdicas, los ucranianos pergeñan sus preciosas canciones sin dejarse llevar por parámetros establecidos por otros. Ellos, como todos los pioneros, toman lo que les sirve, y en base a eso, hacen su camino. Camino que encuentra momentos de verdadera gloria, como en “Glare Of 1768”, “The Price Of Freedom” o “Song Of Sich Destruction”, adptación de una vieja canción folklórica ucraniana.

¿Un consejo? Siéntense, relájense, y déjense llevar por la poética música de uno de los más originales grupos que el Black ha dado en los últimos 10 años.  

Drudkh - Estrangement

Año: 2007

Sello: Supernal Music

País de origen: Ucrania

Cada vez que escucho este gran disco, me pregunto si en los 90s éstos ucranianos hubieran sido incluidos dentro el Black Metal. Hoy, con la cantidad de ramificaciones que hay dentro del Black, resulta mucho más fácil decir que sí, que tanto ayer como hoy, Drudkh hubieran sido metidos dentro del Metal Negro. Pero la verdad es que en los 90s, en mi humilde opinión, Drudkh hubiera sido metidos dentro de otro género y no en el Black. Afortunadamente, los márgenes se estiraron, y hoy encontramos que dicha etiqueta abarca un territorio mucho más amplio que en antaño. Aunque, a decir verdad, cuando uno se topa con grupos de la jerarquía de estos ucranianos, poco y nada importan los rótulos. Poco y nada importan estas cuestiones cuando un puñado de artistas se unen con el fin de crear música, muy buena música. ¿Qué el tratamiento vocal es netamente blacker? Sí, es así. ¿Qué hay atmósferas que traen a la mente al Burzum más atmosférico? Sí, es así. Pero no nos confundamos, lo de Drudkh es algo que trasciende lo meramente blacker, incorporando elementos del Post Rock, jugando con texturas folklóricas de su región, manejando las atmósferas de manera tal que encontramos mucho más que oscuridad, e hilvanando pasajes de furia con otros de calma melancólica de manera magistral. Pienso en bandas como Primordial, y más acá en el tiempo, en algunas composiciones de Woods Of Desolation y Stielas Storhett, como para darle al lector una pista, una guía sobre lo que hacen estos tipos, en caso de que no los conozcas.

“Estrangement” es un disco profundo, melancólico, con ciertos momentos cuasi suicidas, duro cuando es necesario, siempre fino y muy poético. De hecho, las letras están basadas en una serie de poemas de Oleg Ol´zych, un poeta fallecido en 1944. Pero es además, un disco con poesía en la música misma. En sobrados momentos, los Drudkh utilizan el lenguaje musical de manera tal, que las palabras huelgan. Escuchen si no el tema que cierra el disco, el bellísimo “Only The Winds Remembers my Name” –hasta el nombre es genial- y comprueben ustedes mismos hasta dónde son capaces de llegar con su poesía musical. Y ya que hablamos de poesía ¿cómo le caerá al Blacker promedio que un grupo que admite ser blacker (o Post Black), utitlice lo poético no sólo como inspiración lírica, sino también, musical? A mi me encanta.

Smohalla - Résilience

Año: 2011

Sello: Arx Productions

País de origen: Francia

¿Cómo puede ser que 2 tipos hagan algo tan complejo y suenen como si fueran una orquesta? ¿Cómo puede ser que tan sólo 2 tipos graben un disco sobrecargado de arreglos, partes, cortes, virtuosismo, y todo lo que se te ocurra? Es de no creer lo que tocan éstos galos, sinceramente. Imaginen una cruza entre Arcturus, el Ulver post “Nattens Madrigal”, el Emperor más sinfónico y partes que recuerdan a Peccatum. Complejo ¿no? Bueno, a eso adhiéranle samples, pasajes de Rock Progresivo setentoso, Avantgarde en cantidades industriales, pasajes que parecieran coquetear con el costado más depresivo (tanto del Black como del Rock en general) y virtuosismo a raudales. Todo concebido, tocado y grabado por 2 músicos de la hostia. Camile gastando las cuerdas del bajo, y el increíble Slo en guitarra, voz, teclados y batería. A estas 2 bestias se les suma A.L. metiendo samples y arreglos de teclados en el track 3, el tremendo “Le repos du Lézard”.

Escuchar “”Résilience” es como subirse a una montaña rusa de sensaciones, con sorpresas que se suceden sin cesar, derroche de técnica y creatividad al punto de llegar a saturar por momentos, y una necesidad imperiosa por meter la mayor cantidad de partes posibles por canción. Dije que llegan a saturar y eso es porque no se privan de nada estos franceses. ¿Economía de ideas? Andá a otro lado con ese verso: el dúo padece/goza de una irrefrenable necesidad de aprovechar el torrente de ideas que inunda sus mentes, y no tienen en sus planes inmediatos guardar ideas para el próximo disco. Todas las imágenes musicales que surgieron en el momento de dar vida a los temas que componen esta placa, fueron aprovechadas a full, sin dejar nada afuera; todo fue a parar al disco, y si hay un segundo disco, pues de seguro pondrán a trabajar sus febriles mentes para la ocasión. Por lo pronto, nos ofrecen este pandemonium de composiciones híper elaboradas, exquisitas en gran parte del disco, violentamente sofisticadas, sofisticadamente violentas, y elaboradas hasta decir basta. Otra hermosa sorpresa proveniente de la gran escena Blacker francesa, y van…