Poison Rites - Idem

Año: 2017
Sello: Independiente
País de origen: USA

Encaré la tarea de escuchar este disco con un entusiasmo justificadísimo y bastante alto. No era para menos ya que aquí hay ex miembros de bandas como Speedwolf (una de las -efímeras- revelaciones del siglo 21), Hot White y Conjugal Visits. Encima, en la gacetilla de prensa nombraban a bandas como The Hellacopters, The Dead Boys, New Bomb Turks...esto se ponía cada vez mejor. Mas, mis reacciones fueron cambiando a medida que el disco avanzaba, y mis expectativas se volvían un poco más moderadas, aspectos que creo necesario explicar.
El debut de estos salvajes de Denver, Colorado, es una furibunda patada en los dientes, de esas patadas que te hacen escupir dientes y sangre, todo en uno. No dan respiro, suenan como una sucia y reventada banda de garage, y es casi imposible no imaginarlos sudando de lo lindo sobre el escenario. Poison Rites rockean, no hay vuelta que darle. Pero, olvídense de The Dead Boys pues estos Poison Rites carecen de la perversa sutileza que tan bien manejaban Stiv Bators y compañía. ¿New Bomb Turks? Muy poca conexión entre ambas bandas. The Hellacopters puede incluirse en la lista de influencias, pero sólo si tenemos en cuenta los primeros discos de los suecos. En todo caso, los rockers de Colorado suenan más cerca a unos The Damned pasados de speed (la droga), tal como en el primer disco de los pioneros ingleses. O bien, los primeros y explosivos discos de Turbonegro, The Rude Kids y bandas que supieron regalarnos obras inolvidables, tocadas a la velocidad del más borderline Punk Rock (algunos le llaman High Energy Rock ahora. Siempre hay una etiqueta nueva para algo viejo).
Dejando de lado lo dicho previamente, el debut de los animales de Denver agobia al oyente con canciones muy intensas, minimalistas hasta la médula, pero sin descuidar la buena melodía (escuchen "Darkest Darkness" y "City Abuse", cátedras de suciedad, velocidad y melodía a la vez). Obvio que la monotonía se hace presente, y al no ser una gran banda, tienden a apoyarse más en la energía que en las canciones. Eso sí ¡cuánta energía! Si este disco fue grabado en vivo, debo pensar, entonces, en la posibilidad de que los muchachos estos, al finalizar la grabación, hayan quedado tirados en el piso, con el sudor cubriendo al mismo y las botellas de alcohol desparramadas por todos lados.
¿Discazo? No te voy a decir algo que no pienso ni siento. ¿Un álbum muy recomendable para los fans del estilo? Dalo por hecho.

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The Workhorse III - Closer to Relevance

Año: 2016
Sello: Autoproducido
País de origen: USA

Leí por ahí que The Workhorse III son algo así como héroes rockers de la escena de Philadelphia. Yo, para ser muy sincero, debo decir que no los conocía ni de nombre. Eso fue así hasta que Scott de Clawhammer PR me hizo llegar la promo del tercer disco full del trío en cuestión y mi ignorancia al respecto desapareció subrepticiamente. Mas, no sólo eso: me encontré con una banda cuya intensidad me sacudió. De paso, con esa intensidad compensan cierta tendencia a repetir fórmulas harto conocidas, detalle que no hace mella en el resultado final gracias a la honestidad y vigorosidad d la música del trío.
Puede que suene raro hablar de vigorosidad habiendo una mujer al frente de la banda, pero éso es justamente lo que me transmite la música de The Workhorse III: vigor. Un vigor que condensa en su interior toda la potencia del Metal más crudo con la energía desbordante del Punk Rock más puro. Ellos gustan de autodefinirse como Hard Rock, y si bien hay bastante del mismo, lo cierto es que la banda se sitúa en un punto intermedio entre el Metal y el Punk. Podría decirse que se trata de una de esas bandas que son demasiado Metal para ser punks, y demasiado punkies para ser solamente Metal.
Hablando de Punk, el disco arranca a puro Punk Rock con la estruendosa "War Torn City", una composición simple y rabiosa que te hace levantar de la silla, y que abre la placa de la mejor manera posible: con toda la furia. A partir de ahí, la banda integrada por Lisa Lyne Flynn (voz y guitarra), Steve McCarthy (bajo y voz) y Eric Perfect (batería), comienzan a desandar el camino que los posiciona en medio de dos mundo íntimamente relacionados (el Metal y el Punk), encontrando en la propuesta del grupo similitudes con Nashville Pussy, Motörhead, las primeras grabaciones de Girlschool y ese tipo de bandas. En otras palabras, crudo, directo y sin complicaciones. ¿Quieren virtuosismo? A buscarlo en otro lado. Esto es Rock hecho desde las tripas, sin concesiones ni falsas pretensiones. "Closer to Relevance" es un disco para escucharlo a todo volumen, imaginando al grupo descargando las canciones en vivo, y a la mierda.
¿Si es un gran disco? No lo creo, sinceramente. Pero sí creo que es una trabajo muy honesto y entretenido, y posee una cuota de energía prácticamente inagotable, que es lo que hacer que la llama no se apague hasta el final. Por cierto, justamente sobre el final viene el único punto flojo del disco, una canción de corte más bien melódico llamada "I Can´t Forget", cuya armonía de guitarra me recuerda demasiado a "Your Time is Gonna Come" de Led Zeppelin. No es que sea una mala canción, pero desentona un poco esa melodía tan encantadora en medio de la crudeza imperante en el estilo del grupo. Mas, salvo ése detalle, "Closer to Relevance" es un disco bastante entretenido, lleno de energía e ideal para ser escuchado con la banda sobre el escenario. De hecho, me encantaría verlos en vivo.

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Clawhammer PR

Missiles of October - Better Days

Año: 2016
Sello: P.O.G.O Records / Ebus Music / Bonobo Stomp / Trummer Pogo Records
País de origen: Bélgica

Hay bandas que siempre reaparecen por aquí. Missiles of October es una de esas bandas que van a leer con asiduidad en éste blog por la simple y sencilla razón de que 1- tenemos una buena relación con la banda, y 2- me gusta lo que hacen. Para más datos, busquen en nuestro blog la reseña que hice de "Don't Panic" del 2014.
Ese disco antes mencionado, me gusta hasta el día de hoy porque contiene canciones rabiosas y pegadizas, pero, además, porque tiene un sonido poderoso, claro y sucio a la vez. O sea, es un disco muy completo. y me atrapó de entrada. No me pasó lo mismo con éste nuevo disco del grupo belga, aunque al día de hoy ya me ha llegado a gustar bastante. No, aun no me rompe la cabeza, pero ya le agarré cariño.
Quizás la traba más grande entre "Better Days" y yo, aquello que impidió que el disco en cuestión no me haya capturado de entrada (cosa que sí sucedió con "Don't Panic"), haya estado en que el sonido es más rústico, más descarnado, sin perder su electricidad inmanente, pero sin la muscularidad del primer disco que reseñé de ellos. Claro, yo esperaba algo que suene como "Don't Panic", pero Lionel y los suyos optaron por algo más crudo aun, y eso me dejó un poco perplejo de entrada. Mas, es cuestión de tiempo hasta que uno le capta la onda a la placa y comienza a disfrutarla. Al fin y al cabo, el gancho y la furia están ahí, intactas, imperecederas, como algo inherente al estilo del grupo. Y cuando esa cualidad intrínseca a la música de MOO penetra en la mente del oyente, el esqueleto comienza a sacudirse y al rato uno ya se encuentra saltando de un lado a otro.
Como siempre, hay riffs simples pero fáciles de recordar, con esa impronta tan Hardcore Punk a la Black Flag, pero con el groove de los 90s y con el gancho de los primeros Hüsker Dü o Minutemen, y coqueteos con el Noise Rock de, por ejemplo, Unsane, pero menos drogón y más activo en todo instante. Y bajo esos lineamientos, hay canciones como "Chainsaw", o como "Loser", lo mejor del disco por poco, pero que sirven para demostrar de qué madera están hecho estos muchachos: madera rústica, pero de la buena.
Repito, me costó disfrutarlo tal como suelo disfrutar los trabajos de esta banda, pero no por cuestiones musicales sino porque el sonido no me convención de entrada. Pero, ya ven, al final lo terminé queriendo al nuevo opus de combo belga; tal como me sucede con cada disco que sacan.

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New Gods - Weird War Tales

Año: 2016
Sello: Distro-y Records
País de origen: Irlanda

Aun recuerdo lo bien que la pasé escuchando el anterior EP de estos punkies irlandeses, una guarrada llamada "Gods of Punk", disco que reseñé apenas salió a la venta. Ahora le toca a otro EP, igual de guarro y caliente que su antecesor. O sea, esto es Punk Rock, amigos míos, Punk Rock. Y cuando yo hablo de Punk Rock lo hago refiriéndome a bandas como New Gods: sucio, directo y callejero. Nada de mierdas tipo Punk-Pop, ni bandas del tipo hipster con toques folk edulcorados; no, gente, no, el Punk Rock no es eso. Yo soy de los que viven bregando por la evolución de lo estilos en pos de empujar los límites cada vez más allá; pero también soy de los que defienden la esencia de un género, más allá de los cambios de forma. New Gods son Punk en espíritu, en esencia, en su forma más pura.
Claro, los edita un sello que de esto sabe mucho, pero mucho: Distro-y Records, sello irlandés que es el responsable de varios de los mejores lanzamientos de Punk y Hardcore de los últimos años. ¡Oh casualidad! Al anterior EP de New Gods también lo editó el mismo sello.
El EP en sí mismo es pura adrenalina y honestidad. Se puede sentir el sudor de los punks fluyendo, mientras los cuerpos (sudorosos) se agolpan y chocan entre sí, mientras la banda desgrana sus canciones de 3 putos tonos, tocando como si fuera lo último que van a hacer; no, no hay futuro, porque el futuro se parece demasiado al presente y el presente es demasiado parecido al pasado. Entonces, que se joda todo, que se jodan todos.
Abre el álbum con "Bottleg Baby", con un riff central que recuerda mucho al de "Holidays in the Sun" de Sex Pistols, banda que se encuentra entre las principales influencias del grupo, además de The Dead Boys, Poison Idea y The Wipers. "Looking for a Cure" es un viaje al '77, mientras que en "Thrilled by Death" pisan el acelerador y dejan surgir el costado más Hardcore del grupo. El EP finaliza con "Weird War Tales" y su estribillo emotivo, con un aura oscura a la Poison Idea que invita a cantarlo hasta desgarrarse las cuerdas vocales.
Y ahí lo tienen, un trabajo tan sencillo como entrañable. "Weird War Tales" es música de garage, de pubs de mala muerte, de callejones, de desahuciados. No aporta nada nuevo, es un disco más en la historia del Punk. Pero es real, sincero...es Punk Rock, y no hay nada más que decir.

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Compilado Punk Unión y Valentía

Año: 2015
Sello: Independiente
País de origen: Venezuela

Una vieja (y sana) costumbre en la escena Hardcore Punk es la de aglutinar a las bandas más representativas (o activas) de una región en un compilado, con el fin de darle difusión a dicha escena/movida. Un claro y clásico ejemplo de ello es el inolvidable compilado llamado "This is Boston Not L.A.", disco de escucha obligatoria para todo fan del género. Pues bien, acá tenemos este compilado de bandas venezolanas procedentes de Valencia; es decir, un disco que está íntegramente grabado por bandas de esa región del país venezolano.
Antes de sentarme a escucharlo, y antes de ponerme a escribir al respecto, indagué un poco en la Web acerca de dicha grabación, la cual tiene un claro propósito y tinte ideológico. Es un disco cuyo fin es mostrar la postura anti-discriminación asumida por las bandas que participan del mismo, reivindicar la lucha obrera y la exaltación de la unidad por la libertad, tal como reza la gacetilla. Leyendo otras reseñas para obtener mayor información, me di con que prácticamente todas hacen hincapié en lo ideológico, en la lucha y en el compromiso. ¿Extraño? Para nada, amigos, para nada. Estamos hablando de Punk Rock, de Hardcore, de música que siempre tuvo un fuerte sentido combativo y que gracias a eso, entre muchas otras cosas, ha logrado perdurar en el tiempo. Pero hay un problema con todo esto, y ese problema soy yo. Cuando escucho música, quiero escuchar Música. El mensaje, si bien me parece importante, y más aun tratándose de bandas metidas en el costado combativo del Hardcore Punk, no es lo esencial en mi universo personal; es secundario y ya lo he dicho aquí en otras ocasiones. Sí, soy quisquilloso cuando se trata de música, soy extremadamente jodido, si se quiere. Lo primordial cuando me pongo a escuchar un disco es que la música me llegue. Si eso no sucede, no importa cuán fuerte y convincente sea el mensaje, a la larga o a la corta terminaré aburriéndome. Eso me pasó con este compilado: gran parte del material incluido me aburre.
Demasiado previsible, demasiado común, "Compilado Punk Unión y Valentía" trae en su contenido esa clase de Punk y Hardcore que suelo evitar, aun teniendo en cuenta que provengo de dicha escena y que durante muchos años me auto-etiqueté como Punk. Pero, no hay nada que hacer, cuando la música está compuesta y tocada como una mera excusa, cuando no hay inventiva ni ganas de poner a trabajar el cerebro, yo me canso y me ceño empieza a fruncirse.
Así, con ese panorama, me encontré con 17 temas que van desde el Punk Rock barrial o Street Punk, al Oi!, el Hardcore de contornos metálicos, el Hardcore Punk tradicional y cosas onda The Ramones. Y entre esos 17 tracks apenas logro destacar a un puñado de bandas y canciones, siendo estas los 2 temas aportados por PPD ("Por Siempre Punks" y "Siempre Fieles a Nuestro Ruido"), "Rock & Gol!(Jamás Entenderás)" de La 24, y la honesta agresividad de Koleto Rock en "Siempre Igual" y su aire a Rock Radical Vasco. Del resto puedo decir que la mayoría de la banda suenan a más de lo mismo, salvo Gurupera con su canción "Un Día Verde", de lo peor que he escuchado últimamente en materia de Punk.
Lo más destacable es, a mi parecer, el sonido. Cada banda suena a su manera, detalle que no es menor en un compilado de bandas Punks. Gracias a eso, gracias a que uno puede distinguir en el disco a las bandas que han hecho grabaciones caseras de las que se han tomado la molestia de invertir dinero y tiempo en un estudio de grabación, se mantiene intacto el espíritu del DIY que resulta esencial en el Punk. De hecho, está tan bien pensado y respetado ese aspecto, que no importa quién grabó en la sala de ensayos y quién no: todos hicieron la suya con total honestidad.
En todo caso, el problema, o sea yo, pasa por otro lado: la calidad musical. Amo el Punk, voy a morir escuchando esta música. Pero eso no significa que me vaya a gustar todo lo que sea Punk. En fin, otra vez será.

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Abdomens - I am Not Programmed

Año: 2015
Sello: P.O.G.O. Records / NO Records
País de origen: Francia

Formados en 1992, Abdomens es toda una institución en el Punk francés y en países cercanos, mas Abdomens es una banda que se caracterizó (y caracteriza) por transgredir los límites del Punk y meterse en terrenos más amplios y menos convencionales que le han permitido al grupo abrir su espectro musical y llevarlo hasta límites insospechados por algunos. "I Am Not Programmed" no sólo es un homenaje más que merecido a este gran grupo (atentos, que no dije disco tributo. Ya hay un disco tributo, aunque este álbum que hoy me toca reseñar podría ser calificado de tal manera, pero de manera diferente), en el cual podemos encontrar remixes, variaciones realmente audaces, versiones pasadas por el filtro de la banda de turno y hasta una versión de "Welcome to the Machine" de Pink Floyd (aquí titulada "W2TM") a cargo de los mismísimos Abdomens.
Entre lo más destacable tenemos a N.F.H.C. y la canción "Elastic Mood", muy en la línea de Killing Joke, a NE555 y la Industrial "Lamber Jack Roots remix", el viaje psicodélico de Transmecanic Black Dawns en "Zepa" (una versión hipnótica de principio a fin), Daarklight y su cover a la Godflesh de "Open The Door" -un clásico de Abdomens- y el corte funky en "Atmospher" a cargo de Quimbokat. El resto del disco ,aun sin llegar al nivel de estas versiones, es altamente adictivo y, por supuesto, recomendable.
Acá brilla la variedad, la cantidad de recursos puestos al servicio de la música de una banda de culto que merece ser conocida y reconocida por los amantes de estilos como el Punk, Post Punk, Industrial, Ambient, Noise, Dark Ambient y la Música Electrónica. Así de ecléctico y movedizo es el espíritu de estos franceses, por eso sus canciones se amoldan sin ningún tipo de problemas a los formatos antes mencionados y utilizados aquí con una naturalidad asombrosa, como si las canciones hubieran nacido para ser ejecutadas en estos formatos. De hecho, el nombre del disco es una clara representación de la falta de ataduras en Abdomens, de esa cosa tan libre y para nada programada que los caracteriza. Pueden gustar o no, pero esta banda es una verdadera oda a la libertad de expresión musical, un culto a la experimentación y a la necesidad de derribar barreras. Es por eso que "I Am Not Programmed" es un muy buen disco.
Por cierto, este año salió "Open The Door (25th Anniversary EP)", el cual consta de 18 versiones diferentes de la misma canción. No se lo pierdan, ni dejen pasar este "I Am Not Programmed".

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Phyrexian - Katarsis

Año: 2015
Sello: Independiente
País de origen: Argentina

Otra banda argentina que pasa bastante seguido por aquí. Para quienes no los conocen, Phyrexian es una banda de Buenos Aires, un trío, para ser más preciso, que viene pateando la calle desde el año 2002. Lo suyo es Punk melódico, pero con ese gustito barrial tan propio de muchas bandas punkies argentinas, lo que les permite adosarle a su música un toque de desprolijidad y suciedad atípico en el Punk melódico.
"Katarsis" es, según tengo entendido, un compilado, una especie de resumen de la historia del grupo. Por ende, tiene las mismas virtudes y defectos que todos sus trabajos anteriores, o sea, no hay novedades aquí. Siendo un estilo que no suelo escuchar (en realidad, no soy afecto ni al Punk melódico, ni al Hardcore melódico, ni el Death melódico, ni nada que lleve el término Melodic). Pero Phyrexian, sin ser una banda que me llame la atención, tienen algo que los hace queribles. Ese algo se llama desprolijidad y reboza de esa cualidad esta banda. Ok, hay partes mal tocadas (especialmente, esto va para los guitarristas que han pasado por la banda; técnicamente, todos han sido malos, siendo Boomer el más destacable de todos), las voces llegan a desafinar feo de a ratos, y hay ritmos que parecen estar fuera de tiempo ocasionalmente. Pero le ponen tantas ganas, que resulta imposible no sentir cariño por una banda que le pone tanto a lo suyo. Además, estamos hablando de Punk y no de Progressive Metal en la vena de Dream Theater ¿se entiende?
En el debe queda la parte compositiva, pues las canciones carecen del gancho que debieran tener al ser practicantes de un estilo afincado en el costado melódico del Punk Rock. Resulta realmente difícil encontrar un tema memorable, una melodía que pueda quedar dando vueltas en el cerebro por un buen rato. Digamos que son melódicos y cuadrados a la vez, combinación un poco extraña, a decir verdad.
Sintetizando, si lo tuyo es el Punk con melodías naif pero con espíritu barrial, pues dale para adelante con la banda de los hermanos Lara. Yo nunca me enganché con Phyrexian y probablemente nunca lo haga, pero, repito, les tengo aprecio a los pibes.

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Lightsabres - Demons

Año: 2014
Sello: Medusa Crush Recordings
País de origen: Suecia

Grabado y lanzado originalmente durante el año 2013, de manera independiente, este disco de la banda sueca de Lightsabres encuentra la chance de ser relanzado y revisitado gracias a la edición limitada hecha por el sello canadiense Medusha Crush Recordings. Con una portada que nada tiene que ver con lo que hay dentro del disco en sí (o sea, la música), la cosa promete ser bien distinta con sólo ver la portada del disco. Es que la imagen, el logo, el estilo general de dicha portada, está mucho más cerca del Death Metal, del Black o de algún género asociado al costado más extremo del Metal que a esto que hace Lightsabres. ¿Qué hacen estos suecos? Rock & Roll de garage, Punk con tintes psicodélicos, algo de Stoner (sobre todo en los cuelgues instrumentales, en donde hay una atmósfera muy volada) y suciedad Grunge de los primeros años del género. El responsable se llama John Strömshed, hombre orquesta detrás de este muy entretenido álbum.
"Demons" es algo así como mezclar a QOTSA con Eagles of Death Metal, The Stooges y Mudhoney, con un sonido de fuzz envolviendo todo con su sonido mugriento, un aura sexy que predomina, actitud relajada pero ardiente a la vez (esa ambivalencia tan propia de este tipo de bandas) y un sonido no de estudio profesional, sino de estudio casero. "Demons" parece (y debe serlo) un trabajo hecho y grabado en un garage, con equipos viejos e instrumentos más viejos aun. Parte de su encanto reside allí, justamente; mas, lo mejor está en las melodías hilvanadas por este sueco a lo largo de 22 minutos en los cuales oscila entre el Rock caliente y desprolijo, y texturas intimistas que aportan esa sensación psicodélica que nos lleva a imaginar un feto flotando en líquido amniótico. El mejor ejemplo de esto último es "Demons" -la canción-, una pieza bellísima que se posiciona como lo mejor del disco junto a "Black Hash" (un Rock & Roll adictivo y sensual).
Hay un cover de Jimi Hendrix bastante bien logrado ("Bold as Love"), hay buenas composiciones en general y hay, por sobre todas las cosas, un artista muy comprometido con lo que hace. "Demons" no será una maravilla, pero, como dije al comienzo, entretiene y mucho.

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Dewar
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Them Teeth - The Knuckledragger

Año: 2015
Sello: Triple Eye Industries
País de origen: USA

No se imaginan cuánto placer me da tener que reseñar discos como este. En serio, encontrarme con discos tan calientes, ruidoso y descontracturados en mi cuenta de email, es un placer inconmensurable. Es que el Noise Rock es una debilidad para mí, un eterno enamorado del ruido. Y más aun cuando la cosa va por el lado de bandas como Unsane y ese tipo de locuras destructoras de tímpanos. Pues bien, Them Teeth van por esa línea, con un bajo omnipresente que empuja hacia adelante mientras la guitarra tira riffs como si fuera a derrumbar un dique, lanza acoples y armonías con la misma fiereza, la batería explota con un poder demencial, y la voz escupe bilis en cada jodida palabra pronunciada.
Groove, pesadez, energía, honestidad, ganas de destruir todo, caos sonoro y emocional emergiendo de las composiciones que integran este fabuloso 7". Un disco breve pero adictivo, y creo que la escasa duración del mismo, sumado a que los 3 tracks incluidos en el álbum son geniales, pues es imposible que "The Knuckledragger" no sea un disco que se convierta en adicción en apenas una sola escuchada. De hecho, estoy tan obnubilado y dominado por este 7", que por momentos no sé ni que escribir. Las disonancias son un viaje aturdidor que enceguece al oyente, impidiéndole salir del laberinto sonoro creado por los de Michigan. Los ritmos te apalean y te impiden levantarte. Los riffs son tan memorables como retorcidos. Cada canción es lo que debe ser, no hay nada que sobre, nada que falte. Los 3 temas son excelentes, pero hay uno que nació para ser un clásico: "Packin' a Rod", una de esas canciones punkies llenas de energía, llena de vigor rockero, destinada a convertirse en un himno del grupo, y en uno de mis himnos personales desde el mismo instante en que la escuché por primera vez.
Joder, me siento extasiado y aturdido, lleno de placer y locura. Y la culpa es de estos 3 asesinos de neuronas, toda la culpa es de ellos. Y, sí, también es mía, por no tener la capacidad para poner stop y dejar de escuchar este disco que me provoca tanto gozo como alienación. Pero ¿qué mierda me importa estar alienado mientras escucho esta joya? Enloquecer por culpa de esta genialidad no es un pecado.

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TT BC

Black Pestilence - Outsiders

Año: 2015
Sello: Independiente/Autoproducido
País de origen: Canadá

Tomamos Black Metal del más directo, ese que Venom nos dejó como legado. Le echamos una importante dosis de Punk Rock sucio y desprolijo, y en medio de todo eso metemos una pizca de Metal Industrial de finales de los 90s, un poco, sólo un poco. El resultado de dicha mezcla es Black Pestilence, la criatura de Valax, mente y cuerpo detrás de esta banda. Ayudado por músicos de sesión como Little V (batería, samples y coros) y Viktor Seremetkoski (guitarra), Valax se las ingenia para sacar a la calle un disco que le hace honor al nombre de la banda, e incluso, al nombre del disco también. Sin embargo, lo más destacable no está justamente en esa pestilencia diabólica emanada a través de la mayoría de las canciones, sino en el hecho de arriesgarse a salir del molde convencional, aunque sea por momentos. A ver, que la sinceridad debe ir siempre por delante. Por momentos, el tipo se aleja del Black Punk sucio y callejero que aborda en casi todo el disco para meterse en un terreno que, para los puristas, es zona de riesgo. Más precisamente en una canción ("Unseen Force") Valax y los suyos optan por tocar una canción que encajaría a la perfección en un disco de The Kovenant o de Pain antes que en un álbum de una banda que, mayoritariamente, transita por el sendero del Black/Punk. Desconcierta la canción en sí, pues no encaja dentro del contexto general del disco, pero aporta algo diferente, más allá de si el resultado final es de mi agrado o no. De hecho, en otra canción también juega de nuevo con ese formato, aunque, en este caso, las cosas suenan bastante mejor; el track en cuestión es "Voiceless Generation", mucho más oscuro y fresca que la canción antes mencionada, con arreglos muy bien puestos, sonidos que se transforman en una muralla sonora que brinda firmeza y una atmósfera fría y post-apocalíptica que les calza como un guante.
Claro, gran parte del disco va por otro camino, y se nota que esa faceta le queda más que bien a la banda, pues lo mejor del disco es justamente cuando pisan el acelerador y machacan sin freno. En esa línea está "Horns for the Devil", lo mejor del disco junto a la ya mencionada "Voiceless...".
Quizá le vendría bien tener un sonido más variado, pues tener el mismo sonido para encarar las 2 caras del grupo (2 caras de un mismo grupo, mejor dicho) no es lo mejor para la banda. El sonido del grupo (fuerte pero claro, moderno e intenso), se potencia cuando Black Pestilence sacan a relucir su costado más sombrío y arriesgado, pero pierde poder cuando se ponen el traje de ruidosos adoradores de Satán que aman pisar el acelerador a fondo. Si Valax logra darle mayor movilidad a esa cualidad (la de tener un sonido que sea acorde a todo lo que la banda hace, sin que una de las facetas quede desprotegida), entonces ahí será el momento de decir que BP es una gran banda. Mientras tanto, puedo decir que lo de este canadiense es muy, pero muy interesante.

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Fullblast

España Negra - Una, Grande y Negra

Año: 2015
Sello: Autoproducido/Independiente
País de origen: España

Hay quienes sostienen que el Punk ha muerto. Menuda ridiculez, pues, mientras haya quien practique el estilo, es imposible que dicho estilo esté muerto. En todo caso, pueden morir cientos de cosas accesorias al estilo, pero no el género en sí. O sea, desde que leí/escuché dicha frase por primera vez que el Punk se dedica a parir bandas a diestra y siniestra. De todas las subdivisiones que uno pueda imaginarse, de todos los colores, sexo, posición ideológica y lo que carajo sea. Bandas de Punk, sobran. No, no sobra la originalidad, ni hay rebeldía en contra del género, algo que ha provocado que haya mucha repetición y monotonía. Quizá a eso lo llaman "la muerte del Punk", pero eso es otro cantar.
Tras esta intro, queda claro que España Negra es una banda de Punk hecha y derecha. Crudos, simples, rabiosos y honestos, estos punkies traen su primer long play para demostrar que, si alguien considera que el Punk está muerto, a ellos les importa una mierda. Por eso es que "Una, Grande y Negra" no es otra cosa que Punk Rock hasta la médula. Ok, hay variaciones, no es que los tipos se apegan a los formatos más intransigentes del Punk Rock y de ahí no se mueven ni un centímetro. Por ejemplo, hay Punk Funk "Hall 9000", experimento fallido, lamentablemente. Pero se arriesgan, y eso es encomiable. También hay algunos riffs bien hard rockers, como en "El Caso", canción rockerísima, y de lo mejor del disco. Y hay muchos del Rock Radical vasco también, elemento que incrementa el nivel de rabia en la propuesta de España Negra.
Otro aspecto que permite que la agresividad sea aun mayor es el sonido. Muy crudo, parece ser fruto de una grabación hecha en vivo, sin retoques ni nada: directo del estudio al disco. Por cierto, les queda más que bien este sonido. Ayuda a que la guitarra suene áspera, a que la voz irradie bilis, y que la base aporte rudeza. Muchos no saben sacar provecho de la crudeza, mas eso no es problema para España Negra.
¿Lo mejor del disco? El cover de Eskorbuto "No Quiero Cambiar" les sale muy bien. Pero "Judas" y "El Caso" resumen el estilo del grupo con mucha claridad y buen tino. Claro, tratándose de un disco de Punk Rock, lo mejor es escuchar la obra completa y dejarse llevar por la intensidad natural que emerge de este disco de estos punkies españoles. Con altibajos, sin aportar cosas novedosas que impulsen cambios dentro de un género que necesita un cambio (y lo dice un punkie, eh. O sea, yo), pero con fuerza, honestidad y huevos. Con eso les alcanza para hacer un disco bastante entretenido.

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The Jukebox Romantics - Plot Points

Año: 2015
Sello: Jailhouse Records
País de origen: USA

Quienes me conocen, saben que soy Punk y que siento adoración por casi todas las vertientes que forman parte del género. Dije Casi Todas, y eso significa que hay subdivisiones dentro del Punk que no me simpatizan mucho. El costado más melódico y festivo del Punk no es algo con lo cual me sienta identificado. Ni siquiera cuando era un adolescente en busca de diversión sentí simpatía por el costado más brillante del Punk. Sin embargo, soy un tipo de mente abierta, y el hecho de que un estilo o subgénero no sea de mi agrado no implica que no pueda apreciar lo hecho por algunas bandas inscritas dentro de esos parámetros musicales a los cuales suelo huirles.
The Jukebox Romantics se apegan a fórmulas compositivas/sonoras que no suelen ser parte de mi menú musical diario. Digamos que están en la línea de bandas como NOFX o The Bouncing Souls (de hecho, Pete Steinkopf de Bouncing Souls les produjo su tercer disco), con esas melodías pegadizas, acordes llenos de brillo, alegría por doquier, velocidad y energía contagiosas y actitud de eternos adolescentes. Escuchándolos, me queda la sensación de que JBR no quieren crecer nunca jamás, que, si pudieran, serían eternamente adolescentes. Y creo que es lo correcto llevarme esa impresión, pues, luego de leer un poco acerca de ellos, entiendo que esa es la esencia de esta banda neoyorkina que suena como si fueran californianos. Es que la música remite a imaginar lugares soleados, calurosos, cerveza helada, fiestas y música estridente. Y ¿saben qué? Me cae bien la forma en que estos muchachos lo expresan, la manera que usan para transmitir lo que son, lo que sienten, lo que piensan y viven. Ok, son tan sólo 2 tracks ("Plot Points" es un 7"), pero esos 2 tracks divierten. Pero ¿acaso no es ese el propósito del grupo? ¿Hacer que su música nos entretenga y nos dibuje una sonrisa en nuestros rostros? Vamos, que no todo es brutalidad, oscuridad, locura y demás. Siempre hay lugar para un poco de alegría sincera, y siempre hay lugar para ver las cosas de manera positiva. Y JBR contagian energía positiva, irradian ganas de pasarla bien y de sentirse bien.
No, no es lo mío. De hecho, no es un disco que escuche seguido, y no sé si alguna vez compraré algún disco de ellos. Pero me caen bien, me resulta agradable lo que hacen, y eso, viniendo de alguien que no suele disfrutar de este tipo de bandas, es todo un logro.

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Rikk Agnew Band / Symbol Six - Split & Stitched

Año: 2015
Sello: Jailhouse Records
País de origen: USA

Voy a dar mi impresión de netrada: este es uno de los mejores 7" del 2015. Luego de 30 años escuchando música en cantidades industriales, me he vuelto muy selectivo. Creo que esto le pasa a todo aquel que no para de escuchar música ni un sólo día de su vida durante tantos años. Es por eso que no acostumbro, desde hace un tiempo ya, a hacer este tipo de apreciaciones tan apresuradamente. Pero este disco en particular me rompió la cabeza, y no sólo eso: no puedo parar de escucharlo. ¿Por qué? Paso a contarles.
Primero que nada, les presento a Rikk Agnew. No debería hacerlo, pues debería dar por sentado que todos conocen a Rikk Agnew. Pero seguramente esto no es así, por lo que mejor les cuento. Rikk Agnew es, ni más ni menos, el influyente guitarrista oriundo de Orange County (California) que hizo maravillas con su guitarra en bandas como Social Distortion, The Adolescents (escuchen el genial "Blue Album"), Christian Death (Agnew toca en el seminal "Only Theatre of Pain"), y también tocó en glorias de culto como 45 Grave y D.I (los de "Richard Hung Himself"). O sea, un prócer del underground, del Punk y del Deathrock/Gothic. Bien, resulta que Agnew está intacto, su talento está intacto, y su energía está intacta. Es por eso que los 2 tracks aportados para este 7" (2 covers, para más datos) suenan absolutamente demoledores. Los covers en cuestión son "Cosmetic Plague" de Rudimentary Peni (en una versión acelerada que hacer hervir la sangre) y "Screaming Fist" de Viletones, canción que, en la versión de Agnew, está muy cerca de superar a la original...si no es que la supera. En otras palabras, el Maestro Rikk Agnew da una breve pero explosiva cátedra de cómo tocar Punk Rock en su más pura y honesta expresión.
Symbol Six es un grupo que nació a principios de los 80s, y que combina la rudeza del Hardcore Punk de aquellos años, con la frescura del Sleazy/Glam de las bandas californianas que aparecieron en la segunda mitad de los 80s. De hecho, tras separarse en 1982. algunos miembros de Symbol Six (en particular su fundador Eric Leach, cantante/frontman de la banda) anduvieron compartiendo bandas y escenarios con músicos como Izzy Stradlin (sí, el de Guns & Roses) y Brent Muscat de Faster Pussycat. Ahora bien ¿qué clase de música hace hoy Symbol Six? Hardcore Punk y Rock & Roll rudo, callejero, pero con una dinámica y un gancho irresistibles. También aportan 2 tracks, uno en una vena más rocker, con aires californianos ("Faith Machine"), y otro que suena al más puro e incendiario Hardcore Punk de principios de los 80s, ese que inundaba las calles y callejones de mala muerte de California (la canción es "Viva", y es en vivo). Volvieron a la acción en el año 2010, y a juzgar por lo que se escucha en este split, lo han hecho en muy buena forma.
En resumen, si te gusta el Hardcore Punk más primigenio, ese que tiene su esencia en el Punk más acelerado (el Punk que terminó convirtiéndose en Hardcore Punk), si te gusta el Punk Rock en su estado más puro, y si estás deseoso por escuchar Rock & Roll de garage, sucio y fiestero, te suplico que no te pierdas este excelente split. Como dije al comienzo, es uno de mis discos favoritos del 2015, y como tal, quiero compartirlo con todos ustedes.

Symbol Six
Rikk Agnew
Bandcamp JHR
Label

Zex - Ragnarock Sessions

Año: 2014

Sello: Medusa Crush Recordings

País de origen: Canadá

Te invade la nostalgia? Estás con deseos de escuchar algo que te transporte –mentalmente- a finales de los 70s/principios de los 80s? Bien, si lo que buscas es escuchar algo que te haga rememorar a bandas como Girlschool, The Runnaways, los viejos discos de Joan Jett & The Blackhearts, y ese tipo de cosas, este disco tal vez sea lo que estás buscando. Ya desde la estética, Zex dejan en claro por dónde van ellos, por dónde se mueven y en cuál lugar de la historia prefieren posicionarse. Ya saben, a mitad de camino entre el Punk Rock y el Heavy Metal más simple y directo, no muy estridente, siempre agradable, pero con un dejo de rebeldía adolescente insuflando un poco de irreverencia a la música. Ok, ya lo hemos escuchado demasiadas veces a esto, e incluso me atrevo a preguntar ¿qué puede aportar un grupo como Zex al mundo de la música actual? Pues nostalgia, simplemente eso. Nostalgia y algunas buenas ideas, pues, al fin y al cabo, los de Ottawa tienen lo suyo. Son dinámicos, saben crear melodías pegadizas, han obtenido el sonido justo para enmarcar lo que es el estilo de la banda (este tipo de música debe tener el sonido que tiene este disco para lograr crear la atmósfera que este tipo de música exige), y suena ajustados, compactos. Lamentablemente, no puedo resaltar nada más, no encuentro más cualidades destacables, pues, para empezar, jamás fui seguidor de este tipo de bandas. Tanto si hablamos de Punk Rock, tanto como si hablamos de Heavy Metal, siempre tuve otras preferencias. Lo de Zex no está mal, pero se mueven por carriles en los que jamás me moví, ni siquiera cuando era un niño y comenzaba a descubrir el Universo de la Música Dura (llámese Punk, llámese Metal). Además, no me caracterizo por ser un nostálgico, y lo de Zex es pura nostalgia. Quizás entre ustedes haya algún lector ávido de escuchar algo así, algo que suene como Zex. En ese caso, es probable que “Ragnarock Session” sea de tu agrado.

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The Black Lantern - We Know The Future

Año: 2014
Sello: Wiener Records
País de origen: USA

De regreso a los 90s, amigos míos. Más precisamente, de regreso a determinados estilos que reinaban en determinados momentos de dicha década. The Black Lantern son un viaje hacia un momento y un lugar puntual: Estados Unidos a principios de los 90s. Pero, ojo, que no se quedan en la sola idea de revivir y/o rendir homenaje a cierta parte de la historia, sino que se limitan a tomar cosas de esa época en particular, para adaptarlas a su propio estilo, adosarle su propia personalidad a todo lo que hacen. Y lo hacen derrochando energía, empujando al oyente a escuchar el disco de pie (es imposible mantenerse sentado por mucho tiempo escuchando un disco tan enérgico como este), sumergido en la crudeza y el poder extasiante de las canciones. Sinceramente, escuchar este disco es un placer, más allá de que aquí no hay nada que hoy pueda resultar revolucionario (todo esto ya fue hecho en los 90s, o a finales de los 80s, en realidad), más allá de cualquier similitud que uno pueda encontrarles con otras bandas. Pero esos detalles carecen de sentido cuando la banda explota en tu cerebro y te arrastran a su propio caos, a su propia locura. Influencias? Desde Rage Against The Machine hasta Bikini Kill, pasando por Babes in Toyland, The Distillers o inclusive el costado más Punk de Nirvana, pero con reminiscencias del Hard Rock de los 70s, o del Garage Punk de The Stooges. Pero con ese sonido despojado de artificios de principios de los 90s, con esa impronta de banda callejera y contestataria, y esa falta de miedo para experimentar cuando se les dé la gana. El mejor ejemplo de esto es, a su vez, la mejor canción del disco, una genial composición llamada "Anthropomancy", en la que comienzan con un ritmo sincopado, acordes descarnados, alejados de la distorsión y más cerca del costado menos oscuro del Post Punk, con una voz sensual pero al borde de estallar, para luego sumergirse (y hundirnos) en un groove muy pesado, con un riff monolítico que se desgrana sobre un ritmo denso y acompasado, al mejor estilo R.A.T.M. Se mantienen en esa línea hasta el final de la canión, pero con la intensidad in crescendo, llevando al oyente al climax. Mas el disco entero está plagado de grandes momentos, sobran momentos para destacar. Tanto así, que mejor te recomiendo el disco entero, pues lo hecho por Wendy Faraone (voz), Andy Prickett (guitarra), Jesse Nason (batería) y Russel Crain (bajo) no tiene desperdicio alguno. Muy bueno.

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Obstacle - Idem

Año: 2012
Sello: Autoproducido/Independiente
País de origen: España

Me costó mucho sentarme a escribir esta review. La razón es un poco extraña tratándose de mi, un punk confeso (aunque eternamente enamorado del Metal Extremo): este tipo de Punk Rock suele generarme sensaciones encontradas, pues viene acompañado de arreglos, melodías tomadas del Hard Rock, con lo cual el estilo del grupo termina sonando más acotado y contenido de lo que suelo tolerar en un grupo de Punk Rock. Pero hay algo más: las 4 primeras canciones me parecen realmente malas; en particular "Crisis", con su estribillo infantil que me pone los pelos de punta. Recién a partir de "Seguir Luchando" encuentro cosas para destacar, sobre todo en la faz compositiva. No es que levanten la puntería hasta convertir a este disco autotitulado en un buen disco, pero, en comparación con lo que es el comienzo, la cosa mejora. Hay desajustes puntuales que se mantienen durante todo el disco (es particular la voz de Regy, que por momentos es bastante desafinada), pero al mejorar en cuanto al aspecto compositivo, esos defectos se tapan...aunque sea un poco. Lo mejor viene por el lado de las letras, contestatarias, sinceras y directas en cuanto a su poder de crítica. Canciones para destacar? Si bien reina la homogeneidad (o la monotonía, según cada uno es el adjetivo), por lo que hay que entender que las canciones se parecen entre sí, prácticamente todas, "Seguir Luchando" y "Mentalitat Subversiva" se destacan entre los 12 tracks que conforman el debut de la banda.
No sé si tendrán material nuevo, ni sé si ese material (en caso de existir) será mejor que este. Lo concreto, y desde mi perspectiva, es que a Obstacle se le han cruzado unos cuantos obstáculos en el camino, y no han sabido sortearlos. Está en ellos superarse y dejar de lado ciertos vicios que no los favorecen en nada. En cuanto a recomendarlos, si sos fan de Parabellum, El Último Ke Zierre, Reincidentes, La Polla Records y bandas por el estilo, quizás encuentres en esta banda algo atractivo. Yo, por mi parte, mejor espero hasta la próxima grabación para ver si eso sucede.

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Violación Auditiva - Materia Fecal

Año: 2014
Sello: Independiente
País de origen: Argentina

Divertido, sin más vueltas, este disco de Violación Auditiva. Recuerdo haber escuchado el disco del 2012 llamado "El Mundo Se Hace Caca", pero no recuerdo si me gustó o no, porque le di poca bola, a decir verdad. Pero con este me puse a escucharlo más atentamente, no sólo porque me enviaron material para reseñar (no este disco precisamente; al disco lo elegí yo), sino porque quería saber de que van estos rosarinos, de los cuales espero que, como yo, sean Canayas. En fin, dejemos el fútbol de lado, que acá hay cosas interesantes para destacar y para criticar. Violación Auditiva hacen un Punk Rock acelerado, simple y directo, que está todo el tiempo ahí nomas de ser Hardcore Punk, y de a ratos, lo es. Riffs sencillos, bases sencillas, pero todo bien tocado, sin complicaciones, y con un grado de prolijidad atípico en este tipo de bandas (me gustaría saber si en vivo son así de prolijos, pues eso sería interesante de ver/escuchar). Hasta meten un puñado de canciones interesantes y fáciles de recordar, como "Desgracia" (acá me recuerdan a Soziedad Alkoholika), "La Monja" (Hc de tintes melódicos), "Gracias a Dios" y la lograda versión de "En Las Calles de Liniers", con Richar Asspero (de Asspera) en la voz como invitado de lujo. Y acá hago un paréntesis, pues, en cierto modo, Violación Auditiva me recuerdan a Asspera en el aspecto lírico. Eso significa que hay sólo puteadas, frases escatológicas y bizarreadas al por mayor? No, porque Asspera no es sólo eso, sino que hay crítica social también; dicha a la manera de ellos, pero la hay. Violación Auditiva también entran en esos carriles, así que tenemos desde visiones personales de lo que es la sociedad hoy, hasta momentos en donde la mierda, las puteadas y las bizarreadas emergen como epicentro de la canción en cuestión. El tema es que las líricas llegan a aburrir, pues dicen cosas que ya han sido dichas miles de veces; y ese no es el problema, sino que han sido dichas miles de veces de la misma manera en que la dicen los chicos de Violación Auditiva. Sumado a que por momentos recurren a la puteada fácil, las letras no son el fuerte de la banda para quien esto escribe. Mas sí la música, que es dinámica, de canciones breves y contundentes, sincera y bien tocada. Algo poco habitual que yo destaque esto último en un grupo de Punk, pues la clase de Punk que más me gusta es el más virulento, salvaje y sucio. Pero resulta que esta banda tienen la virtud de encontrar su mejor forma dentro de una manera de ser y hacer, que se sienten favorecidos por lo arreglos bien ejecutados, instrumentos que suenan en conjunto, y un sonido claro pero fuerte.
En resumen, Violación Auditiva me han dejado con la sensación de que es una banda entretenida, pero que pueden ser una buena banda, con todas las letras. Y también me dejan la sensación de que en vivo deben ser una verdadera fiesta.

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New Gods - Gods of Punk

Año: 2014
Sello: Distro-y Records/Warren Street Records
País de origen: Irlanda

Las calles y su violencia, miserias, caos, belleza y fealdad. Todo lo que sucede allí fuera, lo que nadie puede ocultar, lo que está a la vista de todos y muchos no quieren ver. El Punk Rock es eso, y New Gods es Punk Rock. Es Punk Rock en su estado más primitivo, basado en ritmos llenos de energía, constantes, aporreadores. Es Punk Rock basado en riffs de guitarra que no exhiben mayor destreza técnica que la necesaria; al fin y al cabo, esto es Punk Rock, y el Punk es, básicamente, Rock & Roll. O sea, música de la calle, del barrio, de los tipos rudos que se juntan en una esquina a hacer nada, y que de repente, aburridos de tanta mierda, toman cada uno sus instrumentos y se meten en el garage de alguno de lo chicos a tocar lo que les sale. Do It Yourself que le dicen. Bien, como ya lo dije antes, pero lo repito, New Gods es eso, es Punk Rock. Influenciado por aquellas bandas que dieron la patada inicial, con ese inigualable tufo a garage sucio y con olor a nafta quemada por el motor de algún viejo auto que alguien guarda allí antes y después que los chicos hagan/hayan hecho su ruido. Porque, al fin y al cabo, tiene que ser ruidoso para ser Punk. New Gods lo saben, por eso, si bien no carecen de gancho y melodía, hacen lo que deben hacer: escupen su mierda a de manera agresiva, cruda y directa, sin ambages. En la gacetilla citan influencias de The Dead Boys, Poison Idea, Stiff Little Fingers y los viejos Misfits, y la verdad que es así, esas son las influencias. Por lo tanto, aquí encontrarán canciones que son fáciles de recordar, pero que no por eso suenan melosas. Son fáciles de recordar porque han sido compuestas usando los preceptos básicos del Punk, por lo que el ritmo sostenido, los riffs de 3 tonos y los estribillos memorables están en todo momento. "Killer Creep", "Sweet Mutation", "Apokolips" y "Meat Grease", 4 canciones que desnudan el amor de éstos tipos por los parámetros sonoros/compositivos antes mencionados, y que de paso, hacen que uno, enamorado eterno del Punk Rock, disfrute de una buena dosis de tan genial música por el lapso de 9 minutos, que es lo que dura este 7".
Me olvidaba de decirlo, y no iba a terminar la review sin hacer: Distro-y Records no defrauda.

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VidaGuerrilla - Marginal Rabolution Rock

Año: 2014
Sello: Independiente/ Sump Records/Major Destroyer
País de origen: España

Gaspar recuperó la frescura que le conocí en los tiempos de ProductO. Su anterior trabajo con VidaGuerrilla no me dijo mucho, sinceramente. De hecho, me parece lo menos logrado de éste músico hasta la fecha. Pero inmediatamente lanzó este álbum, y las cosas volvieron a su lugar. Gaspar no hace música que le vaya a gustar a too el mundo, no está en su ADN caerle bien a todos; pero tiene una capacidad innata para hacer canciones que te hacen pensar "este tipo las compuso hace minutos, y ya las está grabando". Espontaneidad que le dicen. "Marginal Rabolution Rock" posee esa espontaneidad, y el resultado es tan entretenido como crudo, condición esencial en la música de este muchacho. Crudo, rockero, de espíritu punkie, de Garage, sin rodeos ni amagues innecesarios: esto es simple, directo y auténtico. Te guste o no, él es así, y así suenan sus obras. Lo que sí cabe acotar, pues todo lo dicho anteriormente ya lo he dicho en alguna otra review acerca de sus obras, seguramente, es que aquí suena más a finales de los 60s/principios de los 70s que nunca antes. Todo suena con más Fuzz, y se me hace inevitable pensar en el último trabajo de mis adorados Satan's Satyrs. Las atmósferas me hacen pensar en las viejas películas de motoqueros pandilleros, tipo "She Devils on Wheels" o las viejas películas de Alan Adamson, en especial el sonido, que como ya dije, reboza Fuzz y olor a garage. Tampoco voy a exagerar diciendo que este disco es tremendo, pues no lo es. Pero hace que uno se relaje, se distienda y se sienta como en una carretera, huyendo de toda obligación, simplemente eso; y eso que transmite vale, claro que sí.
Por lo que me cuenta el mismo Gaspar, en breve tendrá listo un nuevo trabajo, en una vena más Stoner y hasta Psicodélica, con canciones más largas y todo. Mientras tanto, pasen y escuchen este disco, que es bien entretenido.

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Panzerbastard & Tenebrae - Sons of Belial

Año: 2014
Sello: Jailhouse Records
País de origen: USA

This is Boston, Not L.A! Disculpen, pero tenía eso en mente, y éste split me dejó la oportunidad de decirlo servida en bandeja. Es que ambas bandas son de Boston, y con un split como este, con un disco tan poderoso como este, el espíritu de la escena Hardcore de Boston no sólo que está presente con toda su furia, sino que está más viva que nunca. Hecha la presentación del caso, vamos al hueso, amigos míos.
Panzerbastard es un combo de Metal Punk rudo, oscuro y salvaje. Una banda que no sabe de sutilezas, que tira todo por la ventana, con esa actitud beligerante que nunca debe faltar en este tipo de bandas. Empiezan con una muy buena versión del "Drug Party in 526" de GBH, y allí ya dejan en claro por dónde van a ir los muchachos. Lo confirman con "Workhorse" y te lo recuerdan con la ultra-Punk versión de un himno: "Iron Fist" de Motörhead. 3 tracks a puro Metal Punk, Hardcore y a la mierda con todo y todos. Gracias a este split, me puse a indagar más profundamente en la vida de esta banda, y me encontré con otras grabaciones tan buenas como esta, e incluso mejores. Cómo sea, Panzerbastard se han ganado un lugar de privilegio en mi vida.
Luego viene un súpergrupo en el cual podemos encontrar a Mark Civitarese (voz, integrante de The Unseen), al baterista Rob Falzano (Blood For Blood, Ramallah) y a Craig Silverman en guitarra (a quien seguramente conocen por su trabajo en bandas como Agnostic Front, Slapshot, Blood for Blood y Ramallah). Ryan Packer en bajo, y Dominic Dibenedetto en guitarra y voces completan la banda. 5 músicos experimentados y talentosos haciendo Hardcore con huevos, con el alma, como debe ser hecho. En algunos pasajes me recuerdan a Agnostic Front, como por ejemplo en el tema que abre el ataque de dicha banda: "Wake Up". Riff machacante, coros gritados como si fueran hooligans, base acelerada que de golpe baja a un medio-tempo rompehuesos, voz poderosa y clara, breakdowns y buenas ideas. Luego viene "Ways of The Black", una canción más rockera y ganchera, con lo cual la variedad dice Presente, aunque mantienen los coros ultra-Hardcore. "Norse Tribe" es marchoso y machacante, a medio-tempo, pero sin perder su esencia Hardcore a pesar de ser la canción más Heavy Metal del grupo (en este split, claro).
En resumen, "Sons of Belial" puede ser adictivo si te gusta el Hardcore, sobre todo si sos un fan incondicional de la escena de Boston. A mi, en lo personal, me encanta este disco, me encantan ambas bandas, y me encanta que Jailhouse Records siga lanzando material como este. Un aplauso enorme para las bandas y el sello.

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