Jupiter Hollow - Odissey

Año: 2017
Sello: Independiente/Autoproducido
País de origen: Canadá

Sin ser un experto en el Rock Progresivo (y en el Metal Progresivo), debo decir que me llama poderosamente la atención cuanta importancia se le ha dado en estos últimos veinte años al lucimiento personal por sobre la composición. Crecí escuchando vinilos de Yes, Emerson Lake & Palmer, King Crimson y Genesis gracias a mi tío, quien me inculcó la necesidad de escuchar y analizar dicho estilo musical (el Rock Progresivo) con el propósito de enriquecerme en todos los aspectos que hacen a un melómano, de los cuales no voy a decir nada al respecto aquí. Mas, a lo que voy es a lo siguiente: en los 70's la composición jugaba un rol preponderante, y si bien las canciones mostraban a intérpretes de un altísimo nivel, lo cierto es que las capacidades (fabulosas) de los instrumentistas no se ponían al servicio del ego (aunque, seguramente, todos tenían, y tienen, un ego bastante grande), sino al servicio de la música.
Con el advenimiento del siglo 21 el lucimiento personal, el derroche de técnica por sobre la creatividad en función de la canción, ganaron espacio y mucho de lo que escuchamos en materia de música compleja y ejecutada por virtuosos, no es más que un compendio de escalas, cortes, arreglos intrincados y dale que va, sin el menor sentido. ¿Cuántos grupos progresivos son realmente progresivos? Pocos. Pongan a Jupiter Hollow en la lista de bandas que son realmente progresivas. Cuando digo Progresivas, lo hago en el sentido de trabajar puntillosamente en la progresión de las canciones, en la sumatoria de partes que al unirse, terminan conformando un bloque complejo, sinuoso, pero atractivo para las mentes exigentes.
"Odissey" es un EP en donde los integrantes se lucen en lo individual sin recurrir al egocentrismo exacerbado ni a la exhibición -innecesaria- del virtuosismo de sus miembros. No, acá lo importante son las composiciones y eso hace que el EP en cuestión sea muy, pero muy recomendable. Todos los miembros de Jupiter Hollow (Grant MacKenzie y Kenny Parry) tocan realmente bien y no lo ocultan. Sin embargo, al momento de demostrar cuan bien tocan lo hacen elucubrando a través de las melodías, jugando con las texturas y moviéndose a través de los tempos, modificándolos, volviéndolos más o menos complejos, según la canción lo requiera.
Rush, A Perfect Circle, The Contortionists, y otros nombres a los cuales también les cabe el término Prog, son los que uno relaciona con la banda creadora de éste EP de cinco pista experimentales, atmosféricas en todo momento (escuchen "Ascending" y la pista que da nombre al disco), poderosa por instantes ("Over 50 Years"), intimista en sus mejores pasajes ("Hades Heart"), y fresca en un comienzo ("Deep in Space").
Rock y Metal Progresivo, pero hecho por un dúo (sí, son dos miembros nomas) que entiende que las capas de arreglos, que las melodías y las buenas ideas, complejas, exquisitamente elaboradas, son más importantes, y por sobre todas las cosas son más progresivas, que el derroche de técnica estéril.

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Goddess - The Withering

Año: 2016
Sello: Voidcaller Records
País de origen: Noruega

Una sola canción y un montón de matices que hacen de la misma una experiencia muy agradable. Enrolados en el lado más progresivo y rockero del Doom/Stoner (o Stoner Doom, como prefieran. El orden de los factores no altera el producto), estos noruegos salen al ruedo con su primer EP, primera grabación oficial de la banda, segunda si tenemos en cuenta el Demo del 2014, el cual se llama "Demo 2011". Y acá me detengo un segundo.
Por lo visto, este quinteto de Oslo tiene problemas con editar sus grabaciones en tiempo y forma. Veamos, el Demo del 2011 salió a la calle recién en 2014, y éste EP, grabado en 2014, recién vio la luz en el 2016. Contratiempos de los cuales desconozco las causas, pero que indudablemente existen. En el caso de "The Withering", el disco fue grabado en 2014, remixado en 2016, y fue lanzado a través del sello del guitarrista/cantante Alexander Mora, Voidcaller Records.
Como dije un poco más arriba, el EP consta de una sola canción, la cual dura 18 minutos y 46 segundos. En la misma podemos encontrar desde vocalizaciones limpias y con gusto a Hard Rock de los 70's, hasta guturales (ocasionales), pasando por armonías vocales tan claras como modernas. Además, el sonido de las guitarras de Mora y Ole Magnus Rustbakken mantiene el mismo espíritu: combinar cosas de los 70's con elementos sonoros más actuales, con lo cual logran levantar un muro sonoro de granito que resulta indestructible; no le dedican mucho tiempo al lucimiento personal, prefieren concentrarse en atmósferas, arreglos, melodías y riffs antes que en solos. Por decirlo de una manera, es la forma en que demuestran que son buenos músicos: haciendo lo que la canción exige.
No quiero olvidarme de Berit Rokstad, el tecladista, quien también aporta acompañamiento vocal, y que suma interesantes arreglos con los teclados, dándole al grupo un toque 70's que les calza muy bien. La base rítmica soporta todos los cambios de tempo y de clima a los cuales la banda recurre para darle variedad a la canción (y al disco también. No olviden que el mismo tiene un solo tema), manteniéndose siempre sobrios, contundentes y precisos. En resumen, cinco músicos de calidad, algo que no debería extrañarnos ya que sabemos que los noruegos suelen ser buenos músicos.
La canción en sí, y como ya adelanté, no se encasilla, pero tiene un molde bien definido. Los tipos se mueven dentro del Stoner/Doom, pasando de ritmos más cadenciosos, y hasta alguna cabalgata, a partes lentas de neto corte Doom, pero sin resignar la chance de introducir arreglos Progresivos que resaltan el gusto 70's que impregna a toda la pieza.
En resumen, una buena canción, cuya duración puede parecer extensa a piori, que nos hace cambiar de opinión a medida que la misma avanza. No cansa, entretiene en todo momento, y hasta deja con ganas de más. Un trabajo bien hecho.

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VLY - I / (Time)

Año: 2015
Sello: Laser's Edge
País de origen; Internacional

Apenas vi los nombres de los implicados en este grupo, tuve la certeza de que éste disco iba a gustarme. Suelo equivocarme cuando hago este tipo de apreciaciones supuestamente ligadas a una futurología pedorrísima; mas, en éste caso, le dí justo en la cabeza del clavo. O sea, sí, el disco de VLY me gusta, no hay que dar tantas vueltas.
El tema es ¿por qué yo suponía que dicho álbum iba a ser de mi agrado? Porque los músicos que participan aquí suelen ser una garantía en esto de hacer buena música, así de simple. Veamos: Keith Gladyz, un cantante con un timbre de voz muy personal (fino, algo suave y nasal, pero sumamente armonioso), proviene de Diet Kong. A Karl Demata lo deben conocer todos los fans de esa fabulosa banda llamada Crippled Black Phoenix, ya que Demata tocó allí; acá se encarga de la guitarra, teclados y la programación. El bajista Chris Heilmann también tocó en Crippled Black Phoenix. Elisa Montaldo se hace cargo del teclado y la programación de sintetizadores, y también hace lo suyo en un grupo llamado Il Tempio Delle Clessidre. Por último, pero no por eso menos importante, está el baterista/tecladista Mattias Olsson (a quien pueden escuchar en White Willow, entre otras bandas). Todos músicos talentosos, refinados y llenos de ideas. Ya han sobradas muestras de ello, por lo que era de esperar que aquí hicieran lo mismo.
¿Lo hicieron? Sí, aunque sin llegar a crear un disco excelente, acá no hay esa exuberante cantidad de emociones a flor de piel, esas sensaciones tan profundas convertidas en canciones inolvidables, algo que sí podemos encontrar en Crippled Black Phoenix, por ejemplo. Sin embargo, hay buena música, interpretaciones entre delicadas e intensas (no exageradamente intensas, pero sí hay una cuota de energía importante que fluye en los momentos exactos), y pasajes de una expresividad elocuente, demostrando cuán bien dominan el lenguaje musical.
Pink Floyd es la influencia más clara, pero no se encierran en eso y sacan a relucir un bagaje compositivo nada despreciable, paseando al oyente por partes y canciones en las que hay pinceladas de Post-Rock, muchos elementos Progresivos, algo de Rock (escaso, pero lo hay) y mucho Pop intimista, además de algún retazo electrónico insertado por allí, y un espíritu Indie que vive plácidamente dentro del estilo del grupo.
El sonido apunta a resaltar delicadamente cada nota, pulso, ritmo y entonación, con una fidelidad digna de las bandas progresivas que gustan de poner al oyente en un estado de cercanía íntima con la obra del grupo. Y lo consiguen en todo momento, forjando un aire de calidez intimista que les queda perfecto.
No todo el disco alcanza los picos creativos que sí alcanzan en piezas como "Hypnotic", "Message in the Water" o "Perfect Place", pero sí logran que todo el disco sea coherente y atractivo, no dejando espacio alguno para los altibajos. Es decir, "I / (Time)" es un disco ameno, creíble, placentero. ¿Acaso alguien puede negarse a disfrutar de un disco lleno de sensibilidad y buen gusto? Vamos, que he visto a muchos duros aflojar mientras suenan canciones como las que aquí nos regalan estos excelsos músicos. En resumen, estamos ante un disco muy agradable, hecho para ser disfrutado en calma y sin prejuicios.

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Earsplit PR

Inner Odissey - Ascencion

Año: 2015
Sello: Looking For
País de origen: Canadá

Esto es lo que yo llamo un disco verdaderamente agradable. Fundados hace 9 años por el guitarrista Vincent Leboeuf Gadreau, Inner Odissey es una respetable banda de Rock Progresivo que, ocasionalmente, toma cosas del Metal más refinado e intrincado, pero que nunca se mete de lleno en dicho mundo (el del Metal). Junto a sus jóvenes colegas (Vincent tenía 17 años cuando formó la banda en Quebec, Canadá), Vincent se da el gusto de conjugar complejidad con calidez, sin dejar de lado un interesante y necesario grado de intensidad; aunque, cabe decirlo, la música de Inner Odissey es más introspectiva que intensa.
El ya mencionado Vincent, junto al tecladista/pianista Mathieu Chamberland (un verdadero virtuoso), se erigen como las columnas del sonido del grupo, mas no por eso podemos considerarlos las estrellas del disco. Si tengo que elogiar y tildar de figuras del álbum a algunos miembros del grupo, esos son Simon Gordeau, un bajista dueño de una técnica exquisita y un buen gusto descomunal (escuchen lo que toca en "A World of My Own" y en "Lifelong Misery"), acompañado por un baterista eximio como Étienne Doyon, otro talento de aquellos. Quizás sea Pier-Luc Garand Dion (cantante) lo menos destacable del grupo, aunque su performance es ajustada y acorde al estilo/sonido del grupo.
Siempre elegantes, éstos canadienses exhiben una creatividad a prueba de balas, incursionando por terrenos varios y dejando que la libertad y la inspiración hagan lo suyo. Así es que nos encontramos con un disco que es siempre ameno, que puede acariciar al oyente como así también sacudirlo (aunque con mesura, como todo en éste disco), y que siempre tiene alguna variante para impedir que la rutina o el hastío se apoderen del panorama y del oyente.
En líneas generales, "Ascencion" es un buen disco, aunque canciones como las ya mencionadas "Lifelong Misery", "A Wolrd in My Own" (los arreglos de Flamenco incluidos son una maravilla) y el derroche de ideas que es "Retrospection" superan la barrera de lo bueno y alcanzan el siguiente nivel de calidad.
Modernos pero claramente influenciados por las bandas Prog de los 70's. Virtuosos, pero sin caer en el exceso de técnica al cual son propensas muchas bandas del estilo. "Ascencion" es un disco para sentarse a escucharlo atentamente, para degustarlo detalle por detalle. No será EL DISCO de Rock/Metal Progresivo que el mundo esperaba, pero bien vale la pena aislarse un rato del mundo para disfrutarlo.

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Grand Sounds PR

A Devil's Din - Skylight

Año: 2016
Sello: Independiente
País de origen: Canadá

Hay ocasiones en las que no sé qué pensar acerca de algunos "periodistas". Aclaro que las comillas son una ironía, pues no puedo creer que por el sólo hecho de haber estudiado dicha carrera alguien pueda jactarse de ser periodista. ¿Por qué digo esto? Porque en lo musical todo gira en torno a un órgano puntual (el oído, o los oídos) y su conexión con el cerebro. O sea, para escribir u opinar acerca de música hay que escuchar, oír, para luego decodificar a través del cerebro. No basta con leer mucho, ni mucho menos sirve escribir textualmente lo que has leído por ahí (la manía de copiar y pegar): hay que agudizar los oídos y comprender qué es lo que se está escuchando. Esto viene a cuento porque he leído reseñas en las que se compara a este trío canadiense con Tool y el Stoner Rock. ¿Es una broma? Miren, voy a pasar directamente  la crítica y ustedes se darán cuenta del por qué de mis palabras cargadas de enojo e ironía.
A Devil's Din son una banda psicodélica, 100% psicodélica. Y cuando digo la palabra Psicodelia me refiero a Syd Barret, me refiero a los pionerísimos de 13th Floor Elevators, a la etapa de ácidos de The Beatles, a los primeros King Crimson o a las armonías voladas de The Byrds. Pues bien, todas esas bandas han influenciado claramente a este muy buen grupo de Vancouver, no sólo en la música, también en la estética y las líricas. Tras leer esto ¿alguien me puede decir en dónde encaja Tool en todo esto? incluso un estilo como el Stoner poco y nada tiene que ver en esta conversación, más allá de alguna conexión sonora/temporal. En fin, vayamos al disco, que es muy bueno.
"Skylight" es un viaje -lisérgico- a la segunda mitad de los 60's, es un homenaje a Timthy Leary hoy, ahora, tomando las texturas, los sonidos, la libertad experimental y la obsesión cósmica como foco absoluto de su propuesta, No hace falta decir que el Pink Floyd de la era Barret surge inmediatamente en la mente del oyente, pero sería injusto compararlos solamente con esa etapa de la gigantesca banda inglesa, cuando ADD tienen influencias de todas las bandas Psicodélicas/Progresivas que cité unos párrafos anteriores.
Armonías vocales exquisitas a cargo de los 3 integrantes (Dominique Salameh en batería y voz, David Lines en teclados, guitarra y voces, y Thomas Chollet en bajo, guitarra y voces), arreglos rítmicos que fluctúan, que navegan como si estuvieran siendo tocados en medio de un río extraterrenal; guitarras que distorsionan, se limpian, vuelan, bajan al Planeta Tierra y vuelven a volar, más teclados que nos transportan, con su sonido y arreglos, a la segunda mitad de una de las décadas doradas de la música: los 60's.
El disco puede dividirse en 2 partes bien claras: la primera es en donde se concentran en su faceta más psicodélica y comprende los 5 primeros tracks, entre los cuales sobresale "Bow to Thee Absurde", mientras que la segunda parte, la cual va del track 6 al 9, nos muestra la cara más progresiva del grupo, con similitudes innegables con los primeros King Crimson e incluso con YES. Si me dan a elegir una de las facetas por sobre la otra, pues no sabría con cuál quedarme, ambas me gustan mucho, sinceramente. Más allá de que ésto es revisionismo puro, A Devil's Din han logrado capturar el espíritu de la época y lo han transformado en algo actual y vigente, sin perder nada en el camino. Ya sabemos que muchas bandas, con una fijación preocupante en los detalles extramusicales y no tanto en la esencia de la música de los 60's y 70's, no logran capturar lo mágico del sonido, de la música en sí, y quedan enganchados en cuestiones tales como los equipos, los instrumentos, la ropa y los peinados, olvidándose (o quizás no sepan cómo) del espíritu que distingue a la música de aquellas épocas. No es el problema del trío canadiense que hoy nos ocupa, se los aseguro.
Lejos de hacer algo novedoso (hablamos de música que nació hace más de 40 años) A Devil's Din se las ingeniaron para dar vida a un disco en donde lo extramusical queda en un segundo y hasta un tercer plano, privilegiando la buena música psicodélica/progresiva de los 60's por sobre cualquier otro factor. Bien por ellos.

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Asher Media

Nieumegon - So Far So Good

Año: 2015
Sello: Independiente
País de origen: Francia

Últimamente estoy muy enganchado con el costado más Progresivo de la música. Parte de la evolución del individuo, parte del crecimiento, tal vez. Antes prefería escuchar solamente ruido y, ocasionalmente, sumergirme en aguas más complejas. Hoy prefiero ambas cosas en dosis iguales y eso se nota en lo que es el blog hoy. Hoy hay muchas bandas Progresivas llenando este blog, no hace falta que me ponga ahondar en este hecho. Todo esto viene a cuento porque Nieumegon es una banda de Metal/Rock Progresivo, claro; de lo contrario, estaría hablando de otros géneros.
Dentro de los grupos Prog que he escuchado últimamente, esta banda francesa se posiciona entre lo más raro. Fluctúan demasiado entre lo bueno y lo desconcertante, y hasta hay cosas completamente aburridas, haciendo que el disco resulte difícil de agarrar, de disfrutar en su totalidad. Así como pueden sacar a relucir su talento con pasajes inspirados, inmediatamente meten algo bizarro y luego pueden caer en un bache compositivo. Creo que la razón es esta: exceso de arreglos, muchas ganas de componer y tocar la mayor cantidad posible de ideas en una misma canción. Y eso, amigos míos, no siempre trae aparejado un buen resultado. Claro, si digo esto es porque hay cosas realmente interesantes para destacar y una de ellas es por el lado de la versatilidad, instrumental y compositiva, de estos franceses procedentes de Paris. Y como buenos franceses que son, hay un aura artística que sobrevuela constantemente el disco, siendo éste uno de los aspectos destacables. Además, tienen en Charlie CHINE una cantante que brinda muchos matices al sonido del grupo. No todo lo que hace puede ser considerado como Bueno, pero siempre se las ingenia para aportar variedad y algunas entonaciones realmente interesantes. El resto del grupo hace lo suyo con mucha pericia, demostrando sus dotes como instrumentistas a cada instante, sonando siempre sofisticados y audaces. Pero, siempre hay un Pero, abusan del eclecticismo y eso deriva en una falta de definición que llega a agobiar.
Otro detalle negativo está en el sonido, flaco y seco, poco profundo, que quita intensidad al estilo del grupo. Pero también hay cosas que sobresalen, como el instrumental "Spectral", en donde muestran lo mejor de su repertorio, y momentos puntuales en los que uno se entusiasma ante el caudal de buenas ideas. Sin embargo, así como es evidente que tienen talento, también es evidente que les hace falta ajustar los engranajes para que la maquinaria funcione al 100%. Por lo pronto, esto es lo que hay y lo que hay tiene algunos instantes que merecen ser escuchados.

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Flummox - Selcouth

Año: 2016
Sello: Tridoid Records
País de origen: USA

Esto sí que es raro. Raro, pero sumamente atractivo para mi cerebro. El mismo colorido, la misma escenografía psicodélica y confusa que nos muestra la portada, ese mismo escenario encontramos en la música de este grupo de Murfreesboro, Tennessee. Un trío que tiene tanto de Stoner como de Frank Zappa, como así también hay cosas que recuerdan a Led Zeppelin y otras que me llevan a pensar en bandas como los olvidados Last Crack. Así de variada, extraña y desestabilizadora es la música de estos audaces y talentosos músicos.
"Selcouth" es el segundo disco full de la banda, y en él podemos encontrar una gama de arreglos e ideas que, te lo aseguro, te van a dejar con la mandíbula por el piso. Para bien o para mal, estos tipos sorprenden a cada instante, experimentan todo el tiempo, juegan con las estructuras constantemente, incluso con aquellas que suenan muy familiares para el oído de aquel que está acostumbrado a escuchar Stoner, Doom o Hard Rock. Es por eso que nombré a Frank Zappa apenas comencé la reseña. Tienen ese desparpajo, esa locura intrínseca que les permite manejar las tendencias a virar hacia un lado u otro con total libertad, sin apegarse nunca a nada. Flotan todo el tiempo y te hacen volar con ellos, pero sin un rumbo predefinido.
Escuchen el track que abre el disco, una extensa pieza llamada "Selcouth", en la que desandan los senderos del Stoner y el Doom indistintamente, pero aplicando arreglos a la Zeppelin en momentos puntuales. ¿Y luego? Luego tiran por la borda cualquier intento de encasillamiento, luego enloquecen y hacen lo que les viene en gana. Ruido, Psicodelia, Noisecore, Jazz, Country, música de dibujos animados, oscuridad, humor, demencia, caos...no te dejan espacio para inmiscuir un pensamiento o frase que sirva para ponerle una etiqueta fija a lo que hacen.
"A National Selection", "The Ghost of Ronnie Dio", "Hummingbird Anthem", ahí tienen ejemplos contundentes de lo que digo. Pero, si lo que buscan es algo más "convencional", pues "Flight Through the Cosmos/Unibirth" te da algo de lo que mostraron al comienzo, y eso permite usar etiquetas conocidas por todos: Stoner, Doom, etc. Sin embargo, acá las etiquetas son un mero adorno, pues acá reina la libertad y eso hace que uno deba escuchar el disco sin prejuicios, despojado de preconceptos. ¿Será por eso que "Selcouth" me gusta tanto? Quizás sea eso, mas es lo de menos. Lo realmente importante aquí es que estamos ante una banda diferente, realmente diferente.

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Tylor Dory Trio - Carried Away

Año: 2015
Sello: Autoproducido/Independiente
País de origen: Canadá

Este EP del trío canadiense que ahora voy a reseñar me agarra en el instante justo. Desde hace un año, aproximadamente, vengo muy enganchado con todo lo que sea Progresivo: Metal (en todas sus vertientes), Rock, Stoner, lo que sea. Luego de muchos años alejado de todo lo que fuera Prog, últimamente estoy disfrutando, nuevamente, de las estructuras complejas y las grandes instrumentaciones; como cuando descubrí a bandas como King Crimson, Emerson Lake & Palmer y los viejos discos de Yes, hace varios años ya.
De todo lo dicho anteriormente se desprende que este Tylor Dory Trio tocan Metal y Rock Progresivo ¿cierto? Pues así es, y cabe acotar algo: hacen buen Metal/Rock Progresivo. Ahora bien ¿por qué la distinción entre Rock y Metal? Porque el trío juega moviéndose de un lado al otro de la línea divisoria entre el Rock y el Metal constantemente, sin quedarse mucho tiempo de un lado u otro. He allí el mayor acierto del grupo canadiense liderado por el guitarrista de los death metaleros Death Toll Rising: estar en constante búsqueda, en un movimiento sin fin que les prodiga esa capacidad para mantener al oyente pegado a lo que sucede en todo el disco.
Influencias de Opeth, Porcupine Tree, King's X (atentos a las armonías vocales, en donde también podrán encontrar algún toque a la Alice in Chains) y ese tipo de bandas, lo del Tylor Dory Trio es complejo pero sin caer en la exageración de Dream Theater, con quienes tienen su conexión en determinados pasajes, pero sin entrar en la pomposidad sofocante de la banda de John Petrucci.
Hay más canciones que exhibicionismo, hay más melodías que ejercicios masturbatorios. En otras palabras, las 4 canciones que integran el EP tienen cosas para resaltar, ya sea riffs, ya sea armonías vocales, cambios de ritmo y melodías instrumentales que, según el caso y el momento, logran hacer que el oyente se pegue al álbum y preste atención.
En el debe queda el hecho de que no toda la placa logra mantener la tensión a full. No todos los arreglos, no todos los instantes del disco logran ser cautivantes, aunque en ningún momento hacen agua. Digamos que e un disco equilibrado en el cual resaltan partes puntuales en las que el trío demuestra para qué están. Pero, en líneas generales, "Carried Away" es un disco muy, pero muy agradable, el cual requiere de mucha atención por parte del oyente y al cual hay que escucharlo muchas veces para poder encontrarle el punto justo. Tiene un equilibrio muy bien logrado, pero no surge en la primera oída sino en las sucesivas escuchas. Vale la pena tomarse el tiempo para encontrarle la vuelta a este breve pero interesante obra.

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Codas - Currents

Año: 2015
Sello: Crowquill Records
País de origen: USA

Crowquill Records va en camino a convertirse en uno de mis sellos de cabecera. Es que, últimamente, casi todo lo que me llega de ese sello me gusta y mucho. Moviéndose dentro del espectro del Post Metal, Doom, Stoner y Sludge, este sello está sacando a la luz a grupos que abordan esos estilos desde perspectivas realmente interesantes, además de ser bastante particulares. Y Codas es uno de esos casos puntuales en los que uno no puede menos que aceptar que quienes manejan este sello han acertado.
Codas no es otra cosa que un proyecto individual llevado a cabo por Mario Quintero, guitarrista del grupo Sleep lady, y lo que hace este muchacho es incursionar en estilos tales como el Post Metal, el Industrial, y hasta en ciertos aspectos del Rock Progresivo, sobre todo cuando decide jugar con los tempos. Y lo hace con una claridad de conceptos abrumadora, pues no cae en la trampa de mezclar por mezclar para así obtener un híbrido que, al final del día, no es ni una cosa ni otra. Nada más lejos de eso, pues Mario toma cosas de todos los estilos mencionados, busca los puntos de conexión, y tras encontrarlos, los une, haciéndolos encajar magistralmente. Ya de entrada, el track incicial (una gema titulada "The Sun Martyr") nos abre las puertas al universo de Codas con sonido industriales que evocan a los primeros discos de Scorn, para luego ir derivando en una canción (instrumental, como todo lo que escuchamos aquí) digna de una buena banda de Post Metal, con toda la densidad y manipulación atmosférica propia de una banda que transite por dicho sendero. Los tracks se concatenan, cada pieza está perfectamente ensamblada con la otra, mas hay un detalle que hace que este soberbio trabajo de unión de las partes del todo cobre aun mayor poder: la calidad compositiva exhibida en este muy buen disco de 4 temas. Si bien hay momentos en los que la calidad aumenta hasta alcanzar niveles asombrosos (escuchen "White Black", mi track favorito, sin lugar a dudas), lo concreto es que "Currents" es un disco parejo, pero con una homogeneidad lograda en las alturas y no a vuelo rasante. Quintero apuntó a lograr un disco de nivel cuasi superlativo, y si bien no creo que haya alcanzado a crear una obra maestra, el tipo se las ingenió para crear, grabar y lanzar un disco encantador. Además, y esto es lo más subjetivo que voy a decir en toda la reseña, andaba necesitando escuchar algo que se alejase de los estilos que habitualmente abundan en este blog (ya saben cuáles). Pues bien, "Currents" me cayó como anillo al dedo. Más que agradecido estoy.

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The Sitting Bull & The Bullshitter - Still Undead

Año: 2015
Sello: Inverse Records
País de origen: Finlandia

Luego de varios días escribiendo acerca de blast beats, growls, gurglings, ruido y más ruido, llegó el momento de relajarse y escuchar música bien organizada y melódica. The Sitting Bull & The Bullshitter, además de tener un nombre un tanto raro, hacen buena música, suenan muy organizados, y tienen un gusto realmente encomiable por la melodía. O sea, es la clase de música que viene bien escuchar luego de que las neuronas han sido atormentadas con brutalidad insana durante días. Pero ¿a qué me refiero exactamente cuando hablo de melodía, orden y buen gusto? Paso a explicar.
"Still Undead" es un disco a mitad de camino entre lo eléctrico y lo acústico, sin definirse por un lado u otro, siempre al medio. Ya con esa cualidad sonora, la banda logra una sensibilidad especial, agradable al oído. A eso hay que sumarle el espíritu, la esencia que se hace carne en la música, y que tiene sus orígenes en el Rock y el Hard Rock de los 60s y 70s, con toques progresivos puestos en lugares precisos. Líneas vocales claras y amenas, coros que siguen por el mismo modo, canciones con gancho, todo en su lugar. Pero todo está bien puesto, con inteligencia. No estamos ante un grupo que se limita a hacer lo que los manuales indican que se debe hacer, sin preocuparse por lo más importante: crear buenas canciones. Al fin de cuentas, por más aplicado que uno sea al momento de aprender las lecciones, y por más talento interpretativo que se tenga, si no hay buenas canciones, no hay nada. Pero resulta que estos fineses saben componer y tocar, entonces el resultado es óptimo.
Digamos que suenan a una banda de los 70s tocando de manera semi-acústica, desnudando sus canciones, quitándole las estridencias, mas dejando la cuota de intensidad necesaria como para se mantenga esa cosa rockera que tan bien les queda a estos muchachos.
Elijo canciones como "Supernatural", "Rusty Leaf" y en especial "K-Town River Banks" como lo más logrado dentro de un panorama muy positivo y parejo. Las elijo porque son las que mejor transmiten esa sensibilidad de la cual hablé antes, pero no las elijo por ser canciones muy superiores al resto. "Still Undead" no tiene altibajos, y por eso merece ser escuchado de principio a fin.

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Minutian - Inwards

Año: 2015
Sello: Secret Entertainment
País de origen: Finlandia

En Escandinavia parece haber un germen que provoca que surjan bandas Progresivas bastante seguido, y todas ellas exhibiendo una calidad enorme en todos los aspectos. Minutian, finlandeses ellos, oscilan entre el Rock Progresivo y momentos de Metal/Hard Rock del mismo tipo, y lo hacen con una clase a prueba de todo. "Inwards" no me permite mentir ni exagerar: estos tipos saben, y mucho.
Tras la muerte de Jaakko en el año 2012 (guitarrista del grupo), la banda se propuso crear un nuevo álbum, pero sin apresurarse, trabajando cuidadosa y racionalmente en el sucesor de "Repercussions". Bien, he aquí el sucesor, y tras varias oídas puedo decir que estamos ante un muy buen disco de música progresiva de la mejor. Esto ya empieza a vislumbrarse con el track inicial, uno de los temas más pesados del disco: "Hollow Heroics", canción que podría ser un mensaje para Dream Theater con el siguiente contenido: Petrucci y compañía, vuelvan a componer buenas canciones en lugar de dedicarse al lucimiento personal. Luego viene otro de los puntos altos del disco, la preciosa "On Derelict Sidings", con una cadencia que induce a un mundo de ensueño, con una voz a la Geoff Tate que atrapa con su elegancia. Ya en ese instante, queda claro que estos fineses conocen a la perfección lo que hacen, lo que buscan, lo que son y lo que pueden hacer. Y lo hacen sin perder de vista ni un detalle. Tanto compositiva como en la faz sonora, esta banda es una alud de ideas bien pensadas, trabajadas con cuidado, y puestas en práctica con esa misma calidad y eficiencia.
Prácticamente todo el disco es un manjar, pero "Aphelion" (una balada en la vena del grupo) con toda su carga dramática a cuestas, y "Manifest" (otra muestra del talento de estos tipos) se erigen un par de peldaños por encima del resto del (muy) buen material que completa este álbum.
¿Quieren escuchar un disco de Rock/Metal progresivo hecho con mucha clase, por tipos talentosos y con un futuro inmenso? No busquen más, pues aquí tienen a uno de los mejores discos del 2015. Para que los oídos y la mente se regocijen.

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Violent Vatican - Vice City

Año: 2014
Sello: Autoproducido/Independiente
País de origen: Canadá

Bien, vamos a salirnos del molde habitual de este blog. Vamos con algo diferente, desafiante y vanguardista. Ni Death Metal, ni Grindcore, ni Crust, ni ninguno de los géneros que solemos difundir aquí. Violent Vatican están más cerca de Mr. Bungle o Naked City que de cualquier otra cosa. Ya desde el nombre del grupo uno tiene la sensación de que se va a encontrar con algo irreverente, algo que no sigue parámetros convencionales. Y así, pues Violent Vatican se sienten a gusto fusionando Jazz, Hardcore, Funk, Rock Progresivo y Avantgarde sin prejuicios, cagándose en los rótulos, dejando en ridículo a cualquier tipo de limitación impuesta por las etiquetas. Hacen lo que quieren, y lo hacen de la manera en que quieren hacerlo.
Arrancan con 3 tracks instrumentales que sirven para que los canadienses pongan de manifiesto su amor por el Jazz y lo Porgresivo. Recién a partir del cuarto track, llamado "Brink", aparece la voz (aguerrida, Hardcore al estilo de Black Flag), aparece la distorsión y los ritmos más frenéticos. Pero en esa misma canción hay Funk y Jazz fundidos con el costado más agresivo del grupo. "Rose City Relapse" es similar a "Brink", pero con mayor influencia del Jazz, con mucha presencia del Saxo. Y el final, con "City Limits" es, justamente, una especie de declaración de principios a través del título del disco. No sólo porque aquí continúan abordando su lado más violento y demente, sino porque vuelven a mezclar todos y cada uno de los elementos que encontramos en la música de la banda, sino también porque confirman que a ellos les interesa estar al margen de los límites, traspasar fronteras y sentirse libres haciendo lo que hacen.
"Vice City" es un disco vicioso, pero elegante y difícil de asimilar a primera oída. Si estás acostumbrado a escuchar este tipo de bandas, tan arriesgadas y originales, seguro que vas a disfrutar como un loco escuchándolos. Y si no te gusta la mezcla de todos los estilos antes mencionados, probablemente termines odiando a Violent Vatican. A mi me encanta, sinceramente, y deseo fervientemente que haya más bandas como esta. Siempre es bueno encontrarse con audaces como estos canadienses.

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Eco del Baratro - Caro Estinto

País de origen: Italia

Bien, no dispongo de mucha info, a decir verdad. Y lo cierto es que poco importa, sobre todo si tenemos en cuenta que en Eco del Baratro lo realmente importante es la música. Una música compleja, que puede bailarse, pero que también incita a ser escuchada de manera tranquila, analítica- es tan caótica como prolijamente extraña, sin dejar de lado que hay parámetros propios del Rock Progresivo de los 70s (los italianos tienen una vasta historia en dicha materia). Por momentos parecen a Fugazi, por otros al Black Flag más experimental, de a ratos se pierden en la nebulosa de la Psicodelia, y así va transcurriendo un disco que se empieza a disfrutar a medida que se repiten las audiciones. Los tiempos no son de lo más convencional que uno pueda encontrar, no porque innoven constantemente, sino porque no son de apegarse a fórmulas preestablecidas. Pero a la vez, y a esto ya lo dije, no es raro que en algún momento del disco te encuentres bailando como un demente. en realidad, como un demente te vas a sentir a lo largo de todo el disco, pues acá de normal hay poco y nada. Y eso, precisamente, lo que más me gusta de este singular (y encantador) combo italiano, el cual me fue presentado por los muchachos de Beyond The Gates, grupo que ya hemos posteado.
Para resumir: Eco del Baratro no es fácil de escuchar, en todo caso, es todo lo contrario. Y ahí, justamente, está el mayor y mejor desafío. Muy recomendable.

Bigelf - Cheat The Gallows

Año: 2008
Sello: Custard Records

Aquí en Argentina se lo conoció gracias a que fueron soportes de Dream Theater el año pasado. Bah, algunos ya los conocíamos, quiero decir que su visita a este país ayudó a que los conozca más gente y a que se los tenga más en cuenta. Según los comentarios de aquellos que presenciaron las performances de Bigelf en Argentina, sus shows fueron magníficos. Ninguna novedad, sinceramente, ya que Bigelf es una banda fantástica, encantadora, sin más vueltas.
Anclados en los 70´s, su música recupera lo más duro y sobrio del Rock Progresivo, usando el virtuosismo (que les sobra) como una herramienta para alcanzar cimas compositivas e instrumentales supremas. Desde la belleza melancólica y la suavidad de unos Pink Floyd, a la locura matemática de King Crimson, más un sonido aguerrido, Heavy, pero setentoso. O sea, sonido valvular y nada de estridencias porque si. Los tipos tienen un paladar exquisito y seleccionan cuidadosamente cada pieza que van a ejecutar, cada ambientación, cada pasaje por el cual transitan, sabiendo que cada parte es esencial para que el todo sea una obra magnífica. Y lo logran, casi sin despeinarse, lo logran. Canciones de una belleza suprema, como el corte de difusión "Money, It´s Pure Evil" (si la hubieran grabado los Floyd en "Dark Side Of The Moon" hubiera sido un exitazo), la perfecta agresividad (controlada) de "The Evils Of Rock & Roll", la soberbia demostración de categoría que dan en los dos primeros temas, "Gravest Show On Earth" y "Blackball" o el final a toda orquesta en "Counting Sheep", son algunas de las pequeñas exhibiciones de talento sobrehumano que hay en estos fabulosos músicos.
Rock Progresivo. Metal Progresivo, que más dá. "Cheat The Gallows" es un disco para gozarlo sin detenerse en las etiquetas.

Pain Of Salvation - Road Salt One

Año: 2010
Sello: InsideOut
Formación:
Daniel Gildenlöw - vocals, guitars, bass (except "No Way" and "Innocence"),additional drums and keyboards
Johan Hallgren - guitars and backing vocals
Fredrik Hermansson - keyboards
Léo Margarit - drums and backing vocals


Que disco se mandaron estos suecos, por favor!. Siempre me gustó esta banda, pero nunca me rompieron la cabeza. Hasta la edición de este disco, claro. "Road Salt One" confirma todo lo que estos virtuosos venían insinuando desde ya hace varios años. Sin tantas pretensiones, poniéndo más énfasis en las composiciones que en los arreglos complejos, dotándolas de una mayor sencilléz, pero no por ello dejando de ser complejos. Hay más canciones, pero jamás se alejan del estilo netamente progresivo que vienen practicando desde sus principios. Y obviamente, este disco no se parece a ninguno de los anteriores. Quienes hayan escuchado a Pain Of Salvation a través de los años, bien saben que jamás se repiten, nunca graban el mismo cd dos veces. Gran virtud la de estos suecos. Y esta joya no es la excepción a la regla. Aquí hay más canciones (hasta hay un blues), más belleza, menos cambios de ritmos, los temas son más cortos y sobra clase, por supuesto.
A los fans del material más elaborado, les digo que no teman (si es que aun no lo escucharon) pues Pain Of Salvation no han traicionado sus principios: simplemente siguen sorprendiendo. Y en esta ocasión con el que (para mí) es el mejor disco en la carrera de una banda que no para de crecer. Dream Theater deberían tomar nota de la evolución de estos muchachos.

Link: http://hotfile.com/dl/44998489/ddf790c/ps_rso_by_xas.rar.html

The Mars Volta - Octahedron

Año: 2009
Sello: Warner Bros.


El disco más profundo del año. Un disparo certero en el medio de las emociones, una oda a la belleza infinita y abstracta. Omar Alfredo Rodriguez Lopez y Cedric Bixler Zavala decidieron dejar de lado, aunque sea por un rato, las estructuras hiper-complejas y la esquizofrenia musical, para mostrarnos su lado más reposado. Y lo hacen con una obra sorprendente, algo que a esta altura, no debería sorprendernos. El surrealismo musical alcanza aquí un grado de madurez superlativo, permitiendo que las intrincadas melodías de la guitarra y los matemáticos ritmos que acostumbran a ejecutar, cedan su lugar a estructuras menos complejas, pero más complicadas de alcanzar. Es que pasar de temas tan progresivos, complicados, como los que nos han brindado desde sus principios, a canciones de una belleza intangible, cercanas a la simpleza, pero complejas en su concepción, es todo un logro que muy pocos pueden llegar a alcanzar. La psicodelia gana en presencia, y los paisajes se vuelven más nítidos pero no por eso menos cósmicos. El costado progresivo se mantiene firme, pero no arremete constantemente, pues los músicos se toman su tiempo para decidir cuando hay que pelar la técnica abrumadora, y cuando hay que relajarse y, simplemente, entregarse a las hermosas melodías que copan gran parte de la placa. Aquí todo esta hecho en pos de una paz que parece no ser tal, una abstracción que los Mars Volta quieren transformar en algo concreto, sin sacarle su lado onírico. Tal vez mis palabras te confundan, tal vez no. Lo mejor es que apagues las luces, te sientes, y dejes que tu mente viaje por el mundo surrealista de esta estupenda banda. De una, suben al podio de los mejores discos del año.

Link: http://www.mediafire.com/download.php?1toy34owtnm

Rush - 2112

Año: 1976

Sello: Mercury

Formación:

Geddy Lee: Bajo y voz

Neil Peart: batería

Alex Lifeson: guitarra

Podría haber posteado cualquier disco de Rush, pues en definitiva, son todos buenos. Algunos mejores que otros, algunos geniales, otros no tanto, pero todos son buenos. Pero elegí esta monumental placa porque es con éste disco que Rush explota. Sus anteriores trabajos insinuaban un grupo talentoso, que en cualquier momento daban el gran salto y rompían todo. Y con "2112" lo lograron, vaya si no. Una joya atemporal, en donde la pesadez (no confundir con brutalidad), el buen gusto, la audacia y el talento se unen, toman forma indivisible, y esa forma adquiere dimensiones ciclópeas. Es que Rush es un grupo enorme. Desde 1968, estos canadienses la vienen rompiendo, sin temor a experimentar, sin miedo a superar sus propias barreras, superándopse a sí mismos. Hard Rock, Rock Progresivo o simplemente Rock, todo lo hacen bien, en nada fallan. "2112" es una prueba fehaciente de lo que son capaces estos 3 monstruos. El tema titulo del disco, con sus 7 partes, transporta el oyente a una montaña rusa de sensaciones encontradas y perfectamente compatibles, aunque parezca increíble. "The Twilight Zone" es un viaje de ácido, y "A Passage to Bangkok" es una delicia. Y los otros tracks deslumbran, emocionan, dibujan. Un discazo, se lo mire por donde se lo mire.

Link: http://rapidshare.com/files/274979474/Rush_1976__2112.rar