Diarchy - Here Lost We Lie

Año: 2017
Sello: Independiente
País de origen: India

Bueno, no estoy de suerte últimamente. Ayer me tocó reseñar el pésimo debut discográfico de Grotesque Ceremonium, la banda paralela de Batu, líder de Cenotaph (Turquía). Hoy me toca enfrentarme al debut del dúo procedente de Bangalore, India, quienes venían precedidos de buenas críticas. Claro, de mis primeras palabras se desprende que lo de Diarchy no ha sido muy de mi agrado ¿cierto? Así es, amigos míos, pues "Here Lost We Lie" es más de lo mismo.
Stoner Metal, sí, aunque muchas de las cosas que aquí se escuchan están más cerca del Hard Rock a la Zeppelin que de Kyuss. Incluso hasta se los compara con Orange Goblin y Electric Wizard, comparaciones que descarto de plano. Mas, comparaciones al margen, el problema aquí está en las canciones, sosas y predecibles hasta el hartazgo. Cada riff, cada ritmo o entonación vocal, hacen que uno piense en otras miles de canciones en las cuales se usaron las mismas armonías, los mismos ritmos, con mejores resultados. Y aunque uno no pueda decir que estos dos músicos de la India sean malos (no lo son), lo concreto es que esa falencia en el plano compositivo hace mella en el total de la placa, y se les hace difícil remontar el bajón.
Lo más interesante del caso es que el álbum comienza bien, con la bellísima "Love", en donde Prakash Rawat (guitarra y voz) echa mano a texturas de medio oriente cuyas notas, puestas tal como están, traen a mi memoria, de forma esporádica, a la inolvidable "Indian Summer" de The Doors. Con un comienzo como ése, uno no puede hacer otra cosa que prepararse para algo bueno. Craso error o pequeña gran desilusión, esto según el oyente, es lo que sigue. A partir del segundo track ("Bulldoper"), el dúo comienza a desgranar canciones que parecen escritas por principiantes que aprendieron a tocar sus instrumentos de forma decente, pero que no tienen ni idea de cómo escribir una buena canción. Y no importa si etiquetas como Stoner y Hard Rock puedan ser utilizadas indistintamente, el problema no está en si la banda dice hacer una cosa y termina haciendo otra. El problema está en que los riffs parecen compuestos por un adolescente que aun no aprendió la lección de bandas como Zeppelin o Sabbath. El problema está en que las líneas vocales no dicen nada. El problema reside en el hecho de que la música de Diarchy es inexpresiva.
Repito, no son malos, al menos en el aspecto instrumental no lo son, y como aliciente puedo decir que el track 1 es muy atractivo. Pero ¿y el resto? Bien, gracias. A riesgo de ser redundante, debo decir lo que dije al comienzo: no estoy de suerte últimamente.

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The Bendal Interlude - Reign of the Unblinking Eye

Año: 2016
Sello: Black Bow Records
País de origen: Inglaterra

Banda de paso relativamente corto por este mundo, The Bendal Interlude decidieron ponerle fin a su carrera como grupo este año, tras 12 años de vida. Tres Demos, dos EP's y un disco full, del cual haré la reseña hoy. Sí, cuando por fin llegan a su primer larga duración, el cuarteto de Liverpool (y no me refiero a The Beatles, claro está) deciden que la historia llegó a su fin.
Leyendo la gacetilla de prensa me dí con que los comparan (o comparaban ) con bandas como Rwake, Eyehategod, Down y Slayer. Permítanme decir que lo que dice la gacetilla no es para nada erróneo pues el grupo contenía en su música cosas de todas las bandas recién mencionadas. O sea que se paseaban por el Sludge, el Stoner/Southern Metal y hasta el Thrash, aunque éste último aparece de forma muy acotada. Y, agrego algo más al respecto, el orden de importancia de cada estilo en el sonido de The Bendal Interlude es ése: Sludge, Stoner/Southern y Thrash.
El disco comienza bastante bien con "Buckfast for Breakfast", una canción con gusto sabbathico en los riffs, pero con una voz gritona al mejor estilo Eyehategod y cambios de ritmo marcados que le dan dinámica a la canción. Buen comienzo para un disco al cual la palabra entretenido le cae como anillo al dedo. Claro, si digo esto es porque no estamos ante un disco trascendente ni nada parecido ¿cierto? Pues no lo es bajo ningún aspecto, no hay nada acá que me haga pensar en un trabajo fuera de serie. Ni siquiera creo que alguien pueda tildarlos de mediocres tampoco. Estos ingleses hacían lo suyo con garra, firmeza y algunas buenas ideas, y el último -y primer y único- disco full del grupo es una cabal prueba de ello.
Las canciones se suceden con armonías de guitarras que combinan la agresión con el groove y la melodía, usando -ocasionalmente- cambios de tonalidad, y apoyándose en cambios de ritmo inteligentemente aprovechados para que la dinámica en las canciones sea casi constante. Hay dos tracks que resumen lo que digo: la ya mencionada "Buckfast for Breakfast" y la ecléctica "Pint of Bodies", en donde comienzan tocando un Thrash furioso, pasan al Stoner sin preámbulos, para finalizar con una melodía realmente bella que navega sobre una cadencia exquisita. Lo mejor del disco, lejos.
Uno de los puntos altos está en el sonido. Contundente, sucio pero claro a la vez (no es fácil combinar ambas cualidades), y muy bien balanceado, todo el trabajo de producción y posproducción aporta mucho para que la placa sea, tal como ya dije, entretenida, y de a ratos, muy entretenida. Por cierto, el álbum fue masterizado por James Plotkin.
Un detalle de color que aporto antes de finalizar. El disco termina con un tema llamado "R.I.P". ¿Título premonitorio?

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Harvester - Harmonic Ruptures

Año: 2016
Sello: Distro-y Records
País de origen: Irlanda

Al sello irlandés Distro-y Records uno, o sea yo, lo tiene ligado al Punk en casi todas sus formas. Motivos para hacerlo me sobran, y si hacen un recorrido por este blog encontrarán unas cuantas reseñas que yo mismo hice de discos lanzados por dicho sello, todos trabajos de bandas punkies que se mueven dentro del espectro más puro del mismo. Mas, hoy la cosa cambia bastante pues Distro-y Records, en esta ocasión, nos traen una banda de Stoner a la cual hay que prestarle atención. No, no han editado al grupo de Stoner que le va cambiar la cara al estilo, ni sucede que esta banda esté cambiando algo dentro del género. Pero tienen lo suyo, y ahora mismo me pongo a explicarlo.
Lo de Harvester en su segundo disco full (el primero se llama "The Blind Summit Recordings", del año 2013) contiene todo lo propio del Stoner Metal, con riffs que tienen tanto de Sabbath como de Kyuss, un bajo que aporta graves en la vena del sonido pesado de los 70's, un baterista con groove y buen tempo rockero, y un vocalista de voz aguardentosa. Hay groove, el consabido toque monolítico en los riffs, y aires ruteros en varios pasajes. Pero, no se quedan ahí y van tomando cosas en el camino, cosas que provienen de otros estilos y/o géneros.
Primero que nada, el trabajo vocal tiene mucho de bandas como Tad o los primeros Nirvana, sobre todo por lo agresivo y directo en la forma de cantar de Gavin Grealy, guitarrista del grupo, también. Pero, no conformes con tomar algunos aspectos del sonido de dichas bandas, los irlandeses de Harvester no temen exponer su amor por Iron Maiden, y por la NWOBHM en general. Y esto se nota en 1- arreglos de guitaras gemelas que ejecutan melodías épicas que se alejan del típico molde guitarrero del Stoner, y 2- riffs y tempos que me recuerdan claramente a los momentos (y bandas) más rockeras de la explosión metalera más importante de todos los tiempos. Escuchen el trabajo de Grealy y Bryan Higgins en la primera canción del disco, y saquen sus propias conclusiones.
De cualquier manera, no todo es rosas aquí, pues hay algunos detalles que no provocan en mí el efecto que deberían provocar. Veamos, hay partes en donde una de las guitarras suena como si la batería del pedal de distorsión se estuviera agotando, y eso juega en contra del sonido del grupo, cuya crudeza exige que las guitarras conformen una muralla sonora que, a fin de cuentas, nunca termina de levantarse del todo. Y, otro detalle que podría citar como negativo, es que Gavin tiende a repetir algunas armonías vocales, aportando algo de monotonía al disco. De todo lo demás, masterización de James Plotkin incluida, no tengo nada malo que acotar.
La banda entretiene, es intensa y el disco no es extenso, por lo que no llega a cansar en ningún instante. Y, además, hay canciones como "Wrought" o "Past the Mantle", que hacen que la calidad compositiva se eleve por encima de la media, aunque sea por un instante. Además, este disco permite confirmar que, editen lo que editen, Distro-y Records es realmente un buen sello.

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Contra - Deny Everything

Año: 2017
Sello: Robustfellow Productions / Shifty Records
País de origen: USA

Según leí, este grupo de Cleveland, Ohio, ya había lanzado en el 2016 un EP con el mismo nombre ("Deny Everything"). Mas, aquel EP de 3 temas, según parece, terminó siendo algo así como un adelanto de lo que iba a ser su primer disco de larga duración, que no es otro que éste que hoy les presentamos.
El grupo, creado por Chris Riera de Sofa King Killer, y en el cual hay ex miembros de Fistula y King Travolta, ya tiene 3 grabaciones pues hay un EP del 2015 llamado "Son of Beast". Lo que el cuarteto hace es una cruza bastante entretenida entre el Sludge, el Stoner más contundente y cosas que me recuerdan a Down y Melvins, según el momento. Con riffs muy rockeros y una voz aguardentosa al frente, más el valioso acompañamiento de una base rítmica contundente, la banda arranca el disco con uno de los puntos altos del disco: la canción que da nombre al disco. Entusiasman de entrada pues dicha pista tiene gancho, buenos riffs y un ritmo que mueve al oyente. El toque bluesy aparece de inmediato, sobre todo en las armonías ejecutadas por Chris Chiera y el bajista/guitarrista Adam Horwatt, quien toca una guitarra barítono de cuatro cuerdas, además del bajo. Buen comienzo, no hay manera de negarlo. Lástima que gran parte del disco no posee el mismo encanto, aun cuando toda la placa resulta ser bastante entretenida.
Entre los tracks 2 y 9 (el disco consta de 10 canciones), estos adoradores de los vídeos juegos (algo que cito porque lo leí en la gacetilla. No me pregunten absolutamente nada acerca de vídeo juegos pues no sé nada) muestran una compendio de virtudes que no son para despreciar, pero también sacan a relucir cierta tendencia a perder energía en el camino que los lleva desde el principio hasta el fin del disco. Y cuando hablo de energía lo hago refiriéndome al poder que se desprende de las canciones, no a la intensidad con que estos cuatro tipos tocan sus canciones. En éste último aspecto, lo de Contra es irreprochable, no dejan de sudar y meterle para adelante en ningún momento. Pero, en cuanto a lo compositivo, las canciones tienden a desinflarse en algún punto.
¿Notaron que dije que eso sucede entre los temas 2 y 9? Pues bien, también dije que son 10 canciones ¿cierto? Entonces, lo que debo decir ahora es que la última pista, una cadenciosa y densa pieza llamada "Shrimp Cocktail", es el otro pilar del disco. Por su aire hipnótico, y porque los riffs que se erigen como eje (sostenidos por una base que marca el compás tal como la canción lo exige) destilan sensualidad y salvajismo, dicha pista no puede ser pasada por alto.
Entonces, tenemos un disco que comienza y termina muy bien, pero que en el medio de dichos polos pierde un poco de su encanto. No me malinterpretes, "Deny Everything" es un trabajo sumamente entretenido, a eso lo tengo muy claro. Es sólo que entusiasman mucho al comienzo, para luego, salvo al final, no lograr sostener todo lo que insinúan al comenzar la placa. De cualquier manera, no es algo para preocuparse pues el disco es, como bien dije, bastante divertido e intenso.

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Bury The Machines - Wicked Covenant

Año: 2017
Sello: Midnite Collective
País de origen: USA

Apenas leí que Bury The Machines es la criatura de un ex integrante de Yakuza, mi interés por este proyecto creció y bastante. John E. Bomher Jr es ése músico que hiciera lo suyo en Yakuza, y que ahora lleva adelante este proyecto al cual no resulta nada fácil clasificarlo. Nada nuevo bajo el sol pues Yakuza ya era una banda difícil de clasificar ¿por qué habría de ser diferente con Bury The Machines o con cualquiera de los nuevos emprendimientos de los integrantes de aquella fabulosa banda?
He leído etiquetas que son adjudicadas a Bury The Machines y que encajan bastante bien con lo que hace John E. Bomher Jr aquí, pero que no le hacen plena justicia pues acá siempre hay algo más, constantemente hay una vuelta de tuerca. Stoner, Psicodelia, Metal, en cada comentario que se hace sobre éste álbum de tres temas, aparecen esas etiquetas inmediatamente, como buscando darle un marco definitivo a lo que hace este músico. Sin embargo, creo que hay otros elementos que no quedan ajenas a lo que escuchamos en los 28 minutos que dura la placa. Desde Postrock hasta Post-Metal, pasando por Shoegaze y algunas locuras llenas de emoción, pero a las que es mejor no buscarles etiquetas pues sería como cortar su fluidez.
El disco empieza con "Beneath my Wrath", en donde surgen ideas constantemente y Bomher Jr se permite jugar con ellas a lo largo de 11 minutos y 33 segundos que te permiten 1- reconocer el terreno por el cual vas a moverte a lo largo de 28 minutos 2- buscar la manera de encontrarte a vos mismos dentro de la densa bruma que envuelve al disco en su totalidad. Es que Bury The Machines es una creación en donde se conjugan los contrastes constantemente, en donde los matices se suceden y se combinan o diluyen para dar lugar a otros matices. Y el primer track, sin ser lo mejor del disco, merece todas las palabras previamente escritas.
En "A Victim's Tears" los componentes que dan forma a la canción se posicionan de forma un poco menos anticonvencional, pero sin caer en lo convencional. Más Stoner, más Psicodelia, pero las rarezas siguen fluyendo con naturalidad, aun cuando las estructuras son demasiado complejas como para hablar de naturalidad. Mas, el tipo se las ingenia para hacer que todo suene real, aun cuando hay pasajes que parecieran estar allí de manera forzada. Pero el hombre-orquesta se las arregla para hacer que todo cierre.
Cierra el EP con la mejor canción del trabajo: "Waterweapon", en el que las piezas logran encajar a la perfección. Y es aquí en donde entonaciones de ensueño, muy ligadas al shoegaze, logran darle a la canción el marco de melancolía que la misma exige. Profunda y desoladora, pero llena de belleza, esta canción marca la diferencia con el resto por su enorme carga de sensibilidad, pero sin perder jamás la singular dureza que contienen todas las demás pistas.
Un EP en donde la conciencia pareciera ser el vehículo que lleva hacia la superficie a estados tales como la depresión, la melancolía, la sensación de pérdida de algo valioso. Un disco en el cual cualquier atisbo de optimismo y/o alegría se ve teñido de tragedia y sufrimiento. Sin embargo, la calidad y el buen gusto que por momentos exhibe John E. no desaparecen nunca, ni siquiera cuando dichos estados llenos de dolor se erigen como fuente de inspiración central. Mas, este muchacho sabe cómo poner elementos opuestos en un mismo lugar y hacer que todo encaje. Por supuesto, que encajen no les quita su condición de extraño.

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Centipede - Sarnath

Año: 2016
Sello: Inverse Records
País de origen: Finlandia

Debo admitir que siento un profundo respeto por el sello finés Inverse Records. Más allá de que no todo lo que editan es de mi agrado (me sucede con prácticamente todos los sellos), hay rubros musicales que son muy bien manejados, la selección de bandas es inteligente y los resultados suelen ser más que óptimos. Por ejemplo, en el terreno del Stoner Metal, Inverse Records rara vez le erran. Aquí hemos reseñado a unas cuantas bandas de dicho estilo lanzadas por el sello en cuestión, y si mi memoria no me falla, ninguna de las bandas de Stoner Metal editadas por Inverse Records se llevó una mala crítica. Centipede no van a ser la excepción a la regla, cabe acotarlo.
Con esto quiero decir 3 cosas: 1- Centipede es una banda de Stoner Metal, 2- los edita Inverse Records, y 3- son una banda interesante, como mínimo son interesantes. Y sí, son finlandeses, también.
"Sarnath" es el primer disco full del trío de Helsinki, trabajo que viene a suceder los 2 ep's, el split junto a Jupiter, y un Demo del año 2011, año en que se formó la banda. Primer disco, sí, pero, como verán, los fineses éstos tienen una interesante trayectoria sobre sus espaldas, por lo que no llegan al primer larga duración siendo unos novatos. Centipede vienen pateando el asfalto desde hace más de 5 años, y en ésos años han hecho de todo, menos quedarse quietos.
Estamos ante un disco pesado, monolítico, para nada complejo, pero sí muy efectivo. Los clichés están a la orden del día, pero no hay abuso de los mismos, y la utilización de dichos clichés es inteligente, además de que éstos quedan en un segundo plano gracias a que los muchachos son compositores con ideas y no simples copiones. Tampoco es que sean luminarias, tipos cuyo talento compositivo esté fuera de toda discusión. No es así, bajo ningún aspecto. Pero saben dónde poner cada pieza, y saben cómo moverse en dicho ambiente, cómo sacar provecho de lo que tienen a mano. Con esos argumentos es que crearon un disco en el cual hay reminiscencias (claras) de High on Fire (sobre todo en la voz), Black Sabbath, Celtic Frost y hasta Mastodon (aunque sin el costado progresivo de éstos últimos).
Y es con esos argumentos, compositivos y sonoros, que logran parir algunas piezas altamente recomendables, tal es el caso de los dos primeros tracks ("Drown" y "The Unspoken"), y el cierre con el tema que da nombre al disco. De cualquier manera, dichas canciones son muy recomendables, pero no son piedras preciosas. "Sarnath" no es un disco en donde uno pueda encontrar grandes canciones. En todo caso, lo que reina aquí es la homogeneidad, la densidad y las vibraciones opresivas generadas por un sonido agobiante, pero audible.
En síntesis, otra interesante banda finesa de Stoner Metal, con cierto gusto Sludge, muy pesada, honesta y, como de costumbre, con el apoyo de un sello que ya cuenta con un número nada despreciable de bandas de éste estilo en su catálogo.

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Cybernetic Witch Cult - Spaceous Cretaceous

Año: 2016
Sello: Independiente
País de origen: Inglaterra

La portada del álbum lo dice todo respecto a las líricas y el concepto global que envuelve al grupo: estamos ante una banda naif. Más allá de que la portada del disco me parece horrible, hay un detalle que me causa gracia en éste tipo de bandas de Stoner (o Stoner Doom, según el caso): la obsesión por los relatos de ciencia ficción carentes de profundidad alguna, y la obsesión por los dinosaurios y demás monstruos de tamaño ciclópeo. Cybernetic Witch Cult no escapan a esos tópicos, algo que les quita ese aura de maldad pretendido por esta clase de grupos, para convertirlos en algo más bien inocente. Pero, yendo a lo estrictamente musical, hay cosas que deben ser rescatadas y destacadas aquí, en el segundo disco larga duración del grupo inglés.
El disco, a decir verdad, no arranca de la mejor manera para éste servidor, pues "Velocirapture" no es una canción muy convincente. Ok, el riff está bien trabajado y el ritmo es febril, pero la atmósfera general de la canción y el estribillo me resultan demasiado aniñados. Por suerte aparece "Hunted on Hoth" con su sucesión de riffs oscuros a la Sabbath y un estribillo que se adhiere al cerebro sin problemas. A partir de ahí, las cosas cambian y mejoran bastante, aunque persisten en ciertos aspectos que no ayudan en lo más mínimo. Pero repuntan en lo compositivo, sobre todo cuando apelan a ritmos más bien lentos y climas ominosos, densos. "Cloven Hooves, Horns & Wings" es, por lejos, lo mejor del disco gracias a su formato bluesy, con lo que se escapan del típico formato Stoner y se adentran en otros terrenos que les son más potables, sin que ello implique abandonar la identidad del grupo (que está bien definida, hay que decirlo). Les digo más, lo mejor surge cuando comienzan a sonar como una banda de los 90's, a mitad de camino entre el Hard Rock de influencias setentosas que reinaba a comienzos de la década, y el Stoner.
De cualquier manera, "Spaceous Cretaceous" es más un disco de buenos momentos que otra cosa, pues no sobran las canciones que resalten, mientras que sí se pueden destacar pasajes puntuales en varias canciones. Pasa que estos británicos están demasiado preocupados por respetar los mandatos del género, no pretenden salirse del molde en ningún instante y eso les cuesta caro. Hay ganas y carisma, divierten al oyente sin problema alguno, pero les falta magia a la hora de crear grandes canciones; de hecho, no hay grandes canciones en el sucesor de "Morlock Rock". Quizás las haya en el próximo disco, quién sabe. Son jóvenes y son instrumentistas más que correctos, solamente les falta despegarse de los clichés tan propios del género.

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Black .44 - No Blanks

Año: 2015
Sello: Inverse Music
País de origen: Finlandia

Gracias al sello Inverse Music, he descubierto que en Finlandia hay una más que interesante movida de Stoner. Aquí hemos dado espacio a varias de esas bandas y, de hecho, ahora le toca a otra interesante banda finesa de Stoner Metal. Black .44 no sólo tocan Stoner, incorporan cosas de subgéneros ligados al Stoner, emparentados: Southern Metal, Grunge y Groove Metal, todo puesto en su lugar y sin dejar que estos extractos tomados de otros estilos reinen en la propuesta del grupo. En todo caso, sirven para sumar, para fortalecer la música de la banda.
Pesados, gancheros y rudos, los fineses se encuentran cómodos con las voces aguardentosas (la voz de Jason me recuerda, ocasionalmente, a la de Ricky Warwick de The Almighty en el disco "Crank"), las guitarras ultra-heavys que emanan acordes gordos sobre una base que derrocha groove. Por supuesto, todo esto nos resulta muy familiar, pero en manos de estos finlandeses la cosa resulta, como mínimo, agradable y contundente. Los dos primeros tracks del disco, dos piezas pegadizas y realmente pesadas como "Overcome" y "Hometown Murder", tienen todas las mejores cualidades de la banda, las antes mencionadas, además de mostrar de lo que son capaces cuando están inspirados.
Un poco más arriba nombré a The Almighty, la olvidada (injustamente) banda escocesa que supiera brillar a fines de los 80s y principios de los 90s. También nombré el disco "Crank", álbum que marcó un cambio sonoro y compositivo arriesgado por parte de la banda de Warwick. Pues bien, Black .44 me recuerdan bastante a ese The Almighty (con algunos toques que suenan a Down, la banda de Anselmo), y me lo recuerdan para bien. Es que si bien hay claras similitudes (sobre todo en las estructuras de las canciones, con esas estrofas agresivas que dan pie a estribillos melódicos, pero igual de rudos), la banda de Helsinki tiene personalidad, tienen las bolas bien puestas y eso se trasluce en este, su primer disco.
En síntesis, Black .44 te transportan a un momento puntual de la década del 90, y lo hacen a base de canciones muy bien armadas, bien tocadas y grabadas de manera tal (tanto en el orden de las mismas como el material en sí mismo) que "No Blanks" no cansa, no aburre, aunque tampoco deslumbra. Pero con sus aciertos les alcanza para redondear un disco que merece ser escuchado.

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Sykopath Condor - Cell 36

Año: 2015
Sello: Independiente
País de origen: UK

Con todas las cualidades propias del Stoner y las ramificaciones ligadas a este, nos llega este disco de los británicos de Sykopath Condor (nombre que, como mínimo, resulta llamativo). Les gusta usar etiquetas como Stoner, Desert Rock, Metal con sentimiento Stoner, etc. Bien, si usamos solamente la etiqueta Stoner vamos bien pues les encuadra bastante bien su música dentro de la misma. Sin embargo, hay matices con los cuales abren su espectro, aunque sin alejarse de su propuesta central. O sea, acá predominan las guitarras y el bajo bien saturados, graves, de sonido valvular. Una voz aguardentosa, con ese tono ronco de tanto whisky y tabaco. Lo fundamental, como casi siempre, el groove de la batería, que es constante y bastante firme, aunque un sonido más poderoso le hubiera sido más redituable en la mezcla final. Algunas entonaciones vocales podrían entrar perfectamente dentro de lo que es Grunge (el costado más Heavy y 70s del género, no el costado punkie del Grunge), y los riffs colaboran para que haya cierta conexión ocasional con dicho estilo, aunque nunca pierden de vista cual es la esencia de la música de Sykopath Condor.
Hay canciones buenas de verdad, como "Elfcrusher", la joya indiscutida del álbum, un disco sumamente parejo y poco brillante, pero poderoso y agradable en todo momento. Mas, en "Elfcrusher" logran que ese viaje mental que suelen provocar las buenas bandas del estilo se realice sin contratiempos, logran sumergir al oyente en un aire desértico y candente que termina siendo, por lejos, lo mejor del disco.
La banda se formó en el año 2012 y al año siguiente lanzaron su primer disco full, autotitulado el mismo, siendo este que hoy nos ocupa el segundo disco larga duración en la corta pero productiva carrera de este grupo británico. Ellos reconocen influencias de Black Sabbath, Clutch, Red Fang, Kyuss, Tool y Mastodon, y la verdad es que no están equivocados pues de todos esos grupos hay algo. Sin embargo, lo importante aquí no son las influencias ni cuántos discos tienen sobre sus espaldas, sino el hecho de que "Cell 36" es un disco entretenido, pesado y que deja abierta las puertas para que el oyente sienta deseos de conocer los próximos pasos a realizar por este cuarteto inglés.

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88 Mile Trip - Through the Thickest Haze

Año: 2015
Sello: Independiente/Autoproducido
País de origen: Canadá

La portada nos da la bienvenida a un mundo lejano en el tiempo, violento, con ciertos toques futuristas/post apocalípticos a la Mad Max y, tal como inspira a pensar el nombre de la banda, con olor a goma quemada durante millas de viaje. Pues bien, la música también nos inspira esa sensación de estar en ese mundo que muestra la tapa del álbum. Entonces, tenemos una banda de Stoner que logra transmitir atmósferas muy calientes con su sonido pesado y crudo, y con sus composiciones sencillas pero no carentes de gancho. Sin embargo, un poco de vuelo no les vendría nada mal. Veamos, las guitarras de Hugo y Casey resaltan gracias a las murallas de riffs que se levantan canción tras canción. Cuando se trata de tocar riffs, los tipos la tiene bastante clara y hacen lo suyo sin complicaciones. El problema surge cuando deben hacer solos, pues son bastante limitados; es por eso que esa cosa tan primitiva que parece ser inherente al estilo del grupo, alcanza un punto de exageración que no los ayuda a obtener un resultado final (al disco me refiero) más positivo. O sea, "Through the Thickest Haze" es un disco entretenido, tiene sus buenos momentos. Y cuando no alcanzan a obtener esa calificación (Bueno), al menos no aburren. Es que suenan muy poderosos y convincentes, se hace evidente -a través de sus ejecuciones- que acá no hay pose alguna: estos tipos hacen lo que sienten. Pero hay ciertas improlijidades que restan en vez de sumar, por más que el espíritu Punk esté revoloteando constantemente.
¿Dije Punk? Bien, la obsesión de Dave -cantante- con Glenn Danzig es preocupante, pues canta todas las canciones con la misma, exactamente la misma entonación del Gran Danzig. Claro, se nos presenta un problema, pues la voz de Danzig es única e inconfundible, por lo que una imitación no es una buena idea. Y Dave imita a Danzig, no hay dudas. Lo imita, y como era de esperarse, y al menos desde mi perspectiva, pierde en la comparación. Por suerte, hay otros detalles que son más que favorables, y que sirven para que el resultado global quede balanceado para el lado de los canadienses. El bajo (a cargo de Darin) es una topadora, y Eddie en la batería no se queda atrás. El sonido es el indicado, es justo lo que la banda necesita, y hay canciones como "Song of the Dead" y "Sacred Stone" que levantan las acciones y hacen que la banda cotice más alto.
En resumen, "Through The..." es un álbum correcto, con puntos favor y en contra (la voz), pero que en el global, si sopesamos todos los aspectos en una balanza, termina inclinándose a favor de los canadienses. Eso sí, un consejo de buena onda, traten de que la voz suene más personal. La banda pide a gritos que la personalidad del grupo se aleje de las comparaciones y se destaque y, primero que nada, se desarrolle.

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Sata Kaskelottia - Idem

Año: 2015
Sello: Inverse Records
País de origen: Finlandia

Desde la cantera escandinava que nos tiene acostumbrados a la avalancha de bandas que diariamente ingerimos, me refiero a ese punto tripartito que suponen Noruega, Suecia y Finlandia. Desde este ultimo país es de donde proviene la banda de la cual nos vamos a referir. SATA KASKELOTTIA es la banda y su debut lleva el mismo nombre. Se distinguen de entre los géneros que por ahí llegaríamos a imaginar, ya que no hay nada de Death, Black, Crust, y ni hablar de arrebatos progresivos (aunque puede que haya algún guiño) ni sinfónico. A grandes rasgos lo primero que llama la atención es el uso desprejuiciado del idioma nativo, lo cual lo hace curioso y no menos atractivo ya que la fonética encaja bastante bien con el tipo de música que ejecutan. De un tiempo a esta parte es un gran aliciente que muchas bandas de diferentes géneros e idiomas hayan comenzado a hacerlo y hayan roto también la brecha idiomática en la que solo el inglés imperaba . Ejemplos sobran..Solstafir de Islandia, Seremonia de Finlandia, Kvelertak de Noruega, etc Pero mas allá de esto, otra curiosidad es el genero que proponen SATA (vamos a abreviar, porque es medio largo el nombre), como mencionaba antes ya que se trata ni mas ni menos que un híbrido o un primo extranjero de digamos…un MASTODON? O un Gojira, de a ratos mas rockeros, o por ahí mas Stoner/Sludge según el animo. Y la verdad que suenan, suena bien, correcto, bien ejecutado, buenos riffs musculosos. Pero me deja la sensación de que algo pasa, de que algo falta o se queda corto. No se si me estaré explicando, quizá seré yo que soy un poco reacio al Groove Metal afrancesado, o que el disco se pincha de la mitad al final, o peor aun ..que algunos temas se parecen con otros. No se…Lo mejor siempre es que lo escuches vos para formar una opinión personal, porque puede que lo que a mi no me agrade, para vos puede ser oro en polvo y yo me este perdiendo de algo. Tampoco vamos a matarlos, es un disco debut con todo lo que implica, es una carta de presentación, y no esta mal...Tiene tracks bastante buenos…y son varios, veamos: el tema de arranque “HUUTO” va de periquetes, bien “groovero”, muy arriba y una pandereta siempre infalible, un atisbo de sludge en el segundo “YÖ ON OHI”. Un mediotiempo clavado justo ahí, en el medio…”KYNTÖ”, seguido del doblete que suponen “SULJETUN HUONEEN..” y el riff setentoso de “JUMALAN ÄÄNI” y la letanía final que cierra el trabajo,“MERIMIES”con una atractiva melodía de guitarra cabe destacar. En fin, un disco que no es malo, pero que deja la sensación de “sabor a poco”, por lo que comente mas arriba. Quizá durante el transcurso de su reproducción roce por momentos la monotonía, pero es de fácil escucha debido a su corta duración. Basta con que les des una oportunidad porque, de nuevo, el errado puedo ser yo.

LUCAS MRBT

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The Wolf Council - Idem

Año: 2015
Sello: Static Tension Recordings
País de origen: USA

Pesado y agresivo, sí, pero lleno de melodía. Mejor dicho, lleno de melodías vocales, pues es ahí donde reside la melodía en este trío. Riffs candentes pero simples, ritmos abrasivos, realmente aplastantes, pero melodías vocales memorables, que se adhieren al cerebro instantáneamente. En ese aspecto -el vocal- me recuerdan tanto a Melvins como a Torche, pero dentro de una línea musical claramente definida: el Stoner. The Wolf Council se apegan a las características clásicas del género en el tratamiento de los riffs (monolíticos, pesados, sencillos pero recordables) y los ritmos (aplastante, directo y con mucho groove). Hablando de los riffs, la banda, básicamente, se apoya sobre estos 2 aspectos: las texturas de los riffs y la contundencia de los ritmos. Nada nuevo, pues de eso se trata el Rock, ok? Esto ha sido así desde hace 50 años, poco más, poco menos, y así sigue siendo. Bien, The Wolf Council se apegan a esa fórmula y por momentos consiguen buenos resultados, realmente buenos. El disco en sí es un poco lineal, repetitivo, pero tiene momentos en donde explotan lo mejor de sí mismos, y lo ponen al servicio de la música. Es ahí cuando alcanzan su punto más alto, en canciones como "Loading Guns" y "Floor", combinando esas cualidades antes citadas con melodías vocales fabulosas, consiguiendo resultados excelentes. El resto del álbum convence al oyente gracias a su poder, a la inagotable entrega del grupo, y gracias a que no hay altibajos. El debut discográfico de The Wolf Council es un disco parejo y convincente, dinámico y contagioso.
Por cierto, he aquí un dato para los nostálgicos. El bajista/vocalista de esta banda es Steve Post, otrora miembro de aquella poco recordada (pero interesante) banda llamada Realm, creadores de un disco de culto para los thrashers: "Suiciety". Por supuesto, esto no tiene nada que ver con Realm, y de hecho, no tiene nada que ver. En fin, buen disco, buena banda, y un futuro más que promisorio.

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Hela - Broken Cross

Año: 2013
Sello: Marchalenta Records
País de origen: España

Más que grata sorpresa me llevé al darle play al debut de estos españoles. No estoy muy empapado sobre la escena Doom o Stoner de ese país, pero tras escuchar esta joya estoy obligado a empezar a prestarle más atención, no todos los días se desayuna uno con semejante producción, (la que a mi parecer desde ya apunta para disco Doom del año), ni muchas bandas son capaces de despertar al mundo de esa manera. Pero para conocer un poco más de este proyecto vale volver un poco atrás y situarse en “The Sand Collector”, banda stoner rock en la vena de Spiritual Beggars, Clutch o Alabama Thunderpussy, que alcanzó a grabar “Lord Of The Sun”, disco que recolectó muy buenas críticas de la prensa y blogs especializados, y que tras la partida de su cantante Pepa Belda y consecuente incorporación de Isabel Sierras, cambian su nombre y oscurecen su propuesta llevándola hacia los pantanosos terrenos del Doom. El resultado es el enorme “Broken Cross”, contundente, oscuro, psicodélico de a ratos, hardrockero en iguales dosis (las suficientes), todo eso sostenido por una base rítmica gorda, monolítica, los cimientos que toda obra monumental precisa. Los encargados y responsables: Julián Velasco (Muerte Por Mil Cortes, Nahrayan, Quebranto) a las guitarras, Miguel Fernández (Nahrayan, Quebranto, Throne On Mars) a la batería y Tano Jiménez al bajo. Riffs sabáticos a medio tiempo dan comienzo a la función, corte y cambio de ritmo marca Iommi pero siempre manteniendo su marcha cansina, el headbanging no se hace esperar, el gancho está ahí, pesado, potente. El disco abre con uno de sus puntos álgidos y es cuando la voz de la dama entra en escena que la obra comienza a tomar altura. Esas voces femeninas son una debilidad para mí, esas que a modo de mantra aportan el misticismo y tiñen de una oscuridad “rituálica” a la obra en cuestión cautivando al oyente, diferenciándose de aquellas pretenciosas voces cuasi líricas-poperas que supieron inundar y empalagar el mundo del metal durante la década pasada (algunos no se rinden e insisten con la fórmula que enzarza la estética de la cantante por sobre su virtud o cualidad musical). Siguiendo el camino de Witch Mountain, The Devil’s Blood, Jex Toth, Castle, Royal Thunder entre otras bandas del estilo que cuentan con voces femeninas con los ovarios bien puestos (más que el escote), el trabajo de Isabel es notable, envuelve con su calidez y guía la procesión a través de oscuros montes de espinas, se puede decir que es ella misma quien oficia el ritual, la portadora de la antorcha y esta vez el cliché de la doncella sacrificada cambiará de víctima, será el oyente quien tome su lugar hipnotizado por la melodía de los coros, difícil abstraerse. El solo de guitarra simple, justo, preciso, con aires bluseros (como a lo largo de todo el redondo) aporta esa estocada final para terminar de desangrar a la víctima. El primer tema, ese que abre un álbum generalmente es la tarjeta de presentación, el que anticipa lo que será el resto de la producción (no siempre es así, o resulta engañoso, pero ese es otro tema), y con semejante presentación me quedo hasta que se derrame la última gota de sangre. “The Wicked King” arranca con un riff más hardrockero, a lo Royal Thunder, poderoso, ganchero, de esos que incitan a seguir la base rítmica golpe a golpe sobre la mesa. La voz, doblada en el momento justo le da mayor profundidad a la atmósfera invitando a corear “The Wicked King” con una sonrisa maquiavélica de oreja a oreja y con los puños al aire cual himno de guerra.
“Slave Of The Wich” y “March Of The Minotaurs” continúan con la tónica del primer tema, oscuros, por momentos más arrastrados, apretando la marcha o volviéndose más psicodélicos cuando es necesario, la procesión continúa y es en estos momentos cuando te das cuenta que será tu pescuezo el próximo que aporte su sangre a la causa. La cosa se pone jodida y ya no hay marcha atrás, si hasta puedes ver a los minotauros marchando a tu lado custodiando al proclamado cordero.
“Black Eagle” vuelve a tomar la fuerza que nos habían mostrado pistas atrás con “The Wicked King”. Ves al carroñero negro acechando desde arriba y sabes que la suerte ya está echada, así por lo menos te lo da a entender el cuarteto alicantino, a fuerza de contundentes riffs y una base que no deja nunca de sonar tan heavy como oscura. Las cadenas que arrastrabas ahora te inmovilizan arriba del altar, todo indica que el final está cerca.
Todo ha pasado muy rápido, te sientes a punto de ser ofrendado a la voracidad de Hela, la oscuridad te ha envuelto por completo con su fétido manto y la serenidad ahora es verdaderamente siniestra. El ritual llega a su clímax en “Flesh Ceremony”, la voz proclama el conjuro y da comienzo la ceremonia de la carne. Sangre se derrama desde tu pecho en caudalosos torrentes. El frío filo empuñado por el verdugo se abre paso ahora hacia tu cuello. La solemnidad del clima que se genera eriza la piel, la tensión aumenta corte a corte, las antorchas y velas se apagan y para cuando todo esto termine, quien sacie su hambre volverá a las profundidades dejando corrupto el drenado cuerpo… Si el tema que abre es ideal para tal efecto, el que cierra no se queda atrás, es simplemente prefecto, el final ideal, el broche de oro que potencia lo hecho a través de todo álbum. En fin, “Broken Cross” es una joya de punta a punta, altamente recomendable para todo amante del Doom “sabático” ávido de nuevos y prometedores valores. Seguidores de tendencias pero dueños de su propia huella. Otro ítem para destacar es que cada tema tiene su propio arte ilustrativo, algo que suma y mucho al valorar la producción final. Así que a seguirles los pasos a esta gente pero por ahora a disfrutar de esta genial obra que como mencioné anteriormente, va a estar entre lo más destacado del año dentro del género. Editado por Odio Sonoro, Marchalenta, Nooirax, Discos Macarras y Radix Records.

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Stonefront - Delivering Ep

Año: 2011

Sello: Independiente

País de origen: México

Debo ser sincero: la principal razón por la cual posteamos poco Stoner es porque mi novia y yo no somos afectos a escuchar mucho Stoner. Personalmente, me gustan varias bandas, las más encumbradas, pero la mayoría me parecen del montón, o bien me resultan un poco densas por demás. Pero claro, hay excepciones a la regla, y no todas las bandas que me gustan dentro del estilo son las más conocidas o clásicas. Por ejemplo, Stonefront de México me gustan. Me gustan porque rockean, porque no se pierden en esa cuasi infructuosa tarea de revivir una época que no vivieron (finales de los 60s y principios de lo 70s), ni tratan de hacernos creer que están volados, en otra galaxia por culpa de la hierba, nene. No, ellos simplemente agarran sus instrumentos y se dedican a rockear, y lo hacen con hidalguía y buena onda. Hay algo esencial en este estilo y es el Groove, la marcha candente y pesada sobre la cual se erigen las composiciones. Si el Groove es el correcto, y los músicos están en la misma sintonía, entonces las canciones tienen que ser buenas. Pues a Stonefront se les da bien eso del Groove bien tocado. Claro, habría que ver si en un álbum completo logran el mismo efecto que logran en este disco de 4 tracks. Pero ya, de entrada, te digo que cuentan con algunas puntos a favor. Es decir, son buenos músicos, están bien ensamblados, y saben lo que quieren. El tiempo dirá como les va más adelante, pero por ahora, van bastante bien, al punto de hacer que haya escuchado 6 veces seguidas este Ep.
Links:
http://stonefront.bandcamp.com/album/delivering

http://www.myspace.com/stonefront http://www.reverbnation.com/stonefront

http://www.stonerrock.com.mx/downloads.html
http://stonefront.bandcamp.com/album/delivering

Dozer - In The Tail Of A Comet

Año: 2000
Sello: Man
País de origen: Suecia

De todas las bandas que siguen la senda de Kyuss probablemente sea Dozer la mejor; o al menos, es de lo más granado de la cosecha. Pero que me gusta lo que hacen (o hacían, pues no se sabe que será de ellos), me gusta, y mucho. Es que Dozer te compran con un argumento tan viejo como la música misma, pero siempre efectivo: tienen buenas canciones. Tienen todos los elementos típicos del Stoner, es decir: sonido grave y pesadísimo, voz en la onda de John Garcia, letras voladas, caratulas psicodélicas/astronómicas, zapadas bien setentosas y una producción que da en el clavo. Pero con eso no alcanza, ni siquiera alcanza con poner muchos huevos. Y Dozer, cabe aclararlo, ponen huevos y de sobra, como toda buena banda sueca. Con eso tampoco alcanza: también hay que tener canciones, y Dozer las tienen y en cantidades. En el primer disco de los suecos, por ejemplo, y tratándose justamente del disco que hoy posteamos, hay muy buenas canciones. Y son canciones que poseen todos los ingredientes que antes cité, puestos en el lugar correspondiente, utilizados con conocimiento de causa, y poniendo lo que hay que poner en la cancha. Por lo tanto, debo decir que el debut de Dozer es un preámbulo sumamente interesante e intenso que sirve para saber por donde iba a venir la mano en los discos siguientes.
Si te enganchaste con ellos con el demoledor "Call It Conspiracy" y no te fijaste en lo que hicieron antes, acá tenés la oportunidad de hacerlo. Y si no los conocés, entonces dejá de leer esto y ponete a volar al ritmo de un gran grupo de Stoner: Dozer.

Weedeater - Jason...The Dragon

Año: 2011
Sello: Southern Lord Recordings
País de origen: USA

En un gran año para el Sludge, el Stoner y el Doom en general, Weedeater no hace más que reforzar lo dicho. Bancados por un sello que sabe, y mucho, acerca de guitarras graves y densas, bajos gigantesco y baterías monstruosas, los Weedeater vienen creciendo a pasos agigantados, haciéndose de un nombre y un lugar en la escena a base de lanzar muy buenos discos. Transitando de manera más que natural los pantanosos sonidos del Sludge (valga la redundancia), la densidad del Doom sabbathico y la polenta del Stoner, los norteamericano se despachan con un disco redondito, apabullante y fresco. Con las drogas como fuente de inspiración (ya desde el nombre del grupo queda claro eso), los padres del llamado Weed Metal (etiqueta utilizada por ellos mismos) hacen uso de una inventiva que les da estupendos resultados. Y lo mejor del caso es que el trío se luce sin recurrir a ideas demasiado audaces, ni excesivamente originales. De hecho, una de las virtudes del grupo está en utilizar recursos de géneros como el Blues rural, el Bluegrass y el Country Folk a la Hank Williams, estilos que encuentran sus mejores resultados, dentro de la obra, en los tracks que sirven de Intro, Outro e interludios, los cuales, a su vez, hacen que la energía demoledora de los temas bien Heavys se potencie y se aprecien en toda su magnitud.
¿Influencias? Electric Wizard, Eyehategod, Buzzov-en, Bongzilla y Cathedral. Así que si te van estas bandas, y andás buscando algo que encaje dentro de dicho estilo, y que además suene muy bien. Weedeater tal vez sea lo que estás buscando.

Karma To Burn - Appalachian Incantation

Año: 2010
Sello: Napalm recs.


Volvieron los pendencieros estos, quienes renunciaron a grabar discos con vocalistas, se dedicaron a hacer obras maestras instrumentales y no ponerle títulos convencionales a sus canciones. Y volvieron haciendo lo que saben: Stoner con una garra y un gancho irresistibles.

En este caso hay voces en algunos temas, de hecho, canta John García en un tema. Sí, el genial ex vocalista de Kyuss, Unida y vaya uno a saber cuantos grupos más. Y canta en un tema con título y todo. Es más, son dos los temas que llevan títulos. El resto, como siempre, son números para identificar los tracks y listo. Y ello obedece a una idea: que les prestes atención a la música y te dejes de joder con boludeces superficiales. Riffs machacones y con muchísima onda. Bajos que derrochan groove y pesadéz. Una batería que soporta todo el peso sobre sí, sin inmutarse, con unos huevos tremendos. Buena música, carajo. Muy buena música. Aún rockean, aún patena culos. Si bien es cierto que tenía mis dudas respecto a lo que podían llegar a darnos (en cuanto a la calidad), siempre tuve alguna esperanza referente a su material. Y no defraudan, claro está.

Escucharlo es la mejor manera de comprobar que, tras 11 años sin editar un disco full, los muchachos están intactos. Ah! Ésta es la edición doble.

Link: http://rapidshare.com/files/388914281/HQ-Uploads.com_Karma_To_Burn-Appalachian_Incantation-_Deluxe_Edition_-2CD-2010-FNT.part1.rar.html

http://rapidshare.com/files/388913964/HQ-Uploads.com_Karma_To_Burn-Appalachian_Incantation-_Deluxe_Edition_-2CD-2010-FNT.part2.rar.html

Grand Magus - Iron Will

Año: 2008

Sello: Rise Above

Me gusta mucho esta banda. Y no lo dudo, a Rodrigao también. Esa mezcla entre Metal a lo Sabbath, Doom tipo Candlemass y Stoner me mata. Claro, el tipo que está al frente de Grand Magus es un maestro en esos tres géneros: Jane JB Christoffersson, el otrora vocalista de Spiritual Beggars, un verdadero talentoso. Y Grand Magus, su criatura, es el lugar en el cual da rienda suelta a su amor por estos 3 estilos que tan bien se le dan. Es su lugar en el mundo, y se nota. El tipo se canta todo, compone, se pone al frente de su criatura y la rompe. Las influencias son claras y ya las cité al principio del comentario, pero a esas influencias agréguenle el singular estilo del gran JB, con su voz aguardentosa y esa onda épica que el tipo le imprime a sus creaciones, con lo cual alcanza momentos altamente emotivos, de esos que te ponen la piel de gallina y te dan ganas de repetir el tema. Bah!, el disco entero en realidad. Escuchar un cd de G.M. es una experiencia que debe ser apreciada con todos los sentidos, y por eso es necesario pegarle varias oídas a los discos de estos suecos; pues a medida que los escuchás, vas encontrando que su música penetra en tus sentidos y te atrapa de manera poderosa, no te suelta. Y claro está, querés más y más.

"Iron Will" es para muchos, su opus más grosso, dentro de una discografía altamente recomendable. Yo lo posteo porque me rompe la cabeza, pero a decir verdad, toda su discografía me mata.

Link: http://rapidshare.com/files/186395404/Grand_Magus-Iron_Will-2008-BT.rar

Bison BC - Dark Ages

Año: 2010
Sello: Metal Blade recs.
Formación:
James Gnarwell - Guitar, Vocals (S.T.R.E.E.T.S.)
Dan And - Guitar, Vocals
Masa Anzai - Bass (Goatsblood)
Brad MacKinnon - Drums


Interesante aparición. Oriundos de Vancouver, Canadá, este joven grupo viene subiendo escalones a base de fuerza, un sonido arrollador y muy buenas composiciones. Algunos los comparan con Mastodon, y algo de eso hay. Pero hay que reconocer que los pibes saben manejar sus influencias, con sapiencia y buen tino, dosificándolas y no dejando que estas jueguen en detrimento de la personalidad del grupo. Más orientados hacia el Stoner que al sonido Monolítico de grupos como Mastodon o Neurosis, Bison BC hacen gala de una interesante forma de trabajar con las estructuras de los temas (varios de ellos, de más de 8 minutos), dándole mucha importancia a la dureza del sonido, el cual si bien no es 100% original, les permite ganar gracias al poder que del mismo se desprende. Es más, las violas tiene cierto gusto Thrasher, y algo de High On Fire también, con lo cual ya tienen un pantallazo de como suenan, y que hacen estos canadienses. Yo, por lo pronto, puedo decirles que los tipos prometen mucho. Y a juzgar por los resultados obtenidos en esta placa, no están lejos de convertirse en una realidad más que en un promesa.

Link: http://hotfile.com/dl/37804272/913c219/www.NewAlbumReleases.net_Bison_B.C._-_Dark_Ages_(2010).rar.html

My Uncle Wolf - My Uncle Wolf

Año:2008
Origen: USA
Formacion:
Zac Hutton - Vocals
George Vasilopolous - Guitar
Joey Debbs - Drums
Jeff Golden - Bass
Letras: Nihilismo, instocpeccion, depresion, venganza

Esta banda formada en brooklyn en el 2005 la descubrí de casualidad, por tratarse de que el gran Jimmy Bower(Down, Eyehategod, Superjoint Ritual, Crowbar, etc) se encargo de producir el disco por esa simple razón me interese en esta banda, además de ser soportes de Ministry en su gira despedida.
Refiriéndome al sonido de la banda en cuestión se trata de una propuesta poco original que suena a una mezcla de Down con algo de COC y el primer soundgarden un poco del stoner de Kyuss y a otras tantas bandas mas del sur yanqui,todo en una base de riffs de guitarra potentes con mucho groove y algunos solos sobre una buena base de percusión y bajo que se nota mas en los temas mas calmos del disco tratando de lograr una atmósfera parecida a algunos cortes del NOLA de Down, (como dije tratando, no le hace ni sombra) El cantante, ahí esta el problema,es una especie de un Chris Cornell anémico queriendo demostrar que puede gritar a lo Anselmo. Para ser el disco debut esta bien quizá si en el futuro dejaran de robar un poco y le pegaran una patada en el orto al vocalista me podría interesar un poco mas bajen y saquen sus propias conclusiones.
Y por que puse esto? se lo puedo aclarar a continuación: Escuchando Eyehategod mientras buscaba info de la Jimmy Bower llegue a esto que solo me recuerda que tengo que postear el primero de Down, que discazo clásico inmortal, que se subirá en algún momento.

Link: http://www.mediafire.com/download.php?goy5mmmtdmt

Un Aporte
de Rodrigao