Mindkult - Witch's Oath

Año: 2016
Sello: Caligari Records
País de origen: USA

Insisto en decir que Caligari Records se está convirtiendo en uno de mis sellos de cabecera. No es que todo lo que sale a través de ése sello sea una maravilla ni mucho menos. Pero han sacado discos realmente fabulosos, y otros que no lo son tanto, pero que permiten comprobar que el sello tiene una identidad bien definida, que no sacan a la calle cualquier porquería. Es evidente, al menos para mí, que estamos ante un sello que selecciona muy bien qué tipo de material editar.
Mindkult no es lo que más me ha gustado del catálogo de dicho sello, pero posee un encanto particular. Singular y oscuro, además de anticuado, pero de una manera atractiva. Es que muchas, pero muchas, de las bandas que llevan la etiqueta vintage sobre sí, no transmiten absolutamente nada pues se dedican a perder el tiempo en lo accesorio, descuidando lo esencial: la música. Es por eso que suelo huirle al revival de bandas que eligen el sonido pesado de fines de los 60's, los ritmos del tipo bluesy y la estética y la actitud del tipo Altamont. Así y todo, hay excepciones como Mindkult, proyecto que lejos está de ser una maravilla, pero suena más que bien.
Se le pone la etiqueta Doom Metal, y algo de eso hay, a decir verdad. Pero ¿es una banda de Doom Metal al 100%? Bueno, Mindkult es, básicamente, Blues pesado, tal como lo que hacían Blue Cheer, Black Sabbath o Cream, incluso. A ésas bandas yo no las considero Doom Metal, más allá de tener una fuerte y clara relación con dicho estilo (sobre todo Black Sabbath). Prefiero usar etiquetas acordes a las de aquellos años en donde el Metal estaba naciendo, y hasta prefiero hablar de Rock antes que de Doom. Pero, no hay que desechar esa etiqueta por completo. Como ya dije, algo de eso hay.
Por cierto, Mindkult es una banda de un solo hombre, al cual podemos identificar como Fowst, responsable absoluto de lo que aquí se escucha en las 4 pistas que conforman el EP. Un EP que, irremediablemente, me remite al fatídico festival de Altamont, que me hace pensar en Hell's Angels, Charles Manson y su clan, y todo el lado oscuro de la segunda mitad de los 60's, el costado tenebroso del Flower Power, el que casi derrumbó el sueño de amor y paz. El sonido crujiente y sucio (además de anticuado) de la guitarra da la pauta acerca lo que Mindkult es: Rock sucio, pesado (a la manera de los 60's, claro) y malvado.
La tímida voz de Fowst aporta un toque diferente, aunque le reste fuerza a la música en sí; una voz más agresiva hubiera potenciado el costado más visceral de Mindkult, pero bueno, su voz es así (un poco débil, pero afinada y con mucho de colgado) y listo.
Como compositor no es un virtuoso, pero demuestra haber aprendido al dedillo la lección. Esto se puede comprobar en la mejor pieza del disco: "Chief of Devils", la canción que sintetiza lo mejor de su creatividad en poco más de 7 minutos. Eso sí, a "Witch's Oath" hay que escucharlo entero (son tan solo 4 temas), de un tirón, y con la mente enfocada en lo que Fowst quiere decirnos. Yo hice eso y pude encontrarle el lado bueno al disco. De hecho, es un disco bastante agradable. Aunque, sinceramente, creo que éste norteamericano puede dar más. De cualquier manera, se defiende con sus propias armas, solo, y lo hace bien.

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Dätcha Mandala - Anâhata

Año: 2016
Sello: MRS RED Sound
País de origen: Francia

La onda vintage suele resultarme bastante molesta en muchos casos. Esa obsesión por revivir el pasado, centrándose únicamente en los externo, en lo estético y en el sonido, me parece una completa pérdida de tiempo. Sin embargo, hay músicos que hacen los deberes y aprenden las lecciones al pie de la letra. No logran aportar nada fresco por una cuestión bien obvia: hacen música que fue creada cuando la mayoría de ellos ni siquiera eran un proyecto de vida. Pero, al menos se las ingenian para crear música decente, y en algunos casos, bastante atractiva. El trío francés Dätcha Mandala no van a ser recordados ni por su originalidad, ni por su audacia, ni por su afán por innovar; pero logran sonar como una banda de Hard Rock de fines de los 60's / principios de los 70's sin sobrarle nada, cumpliendo con el principal cometido: hacer buenas canciones.
"Anâhata" es un EP de dos canciones, y el mismo ha sido lanzado en una edición limitada de 500 copias. Fue grabado por una eminencia como Clive Martin (el mismo que supiera trabajar junto a Queen, Skunk Anansie y Stereophonics, entre otros), quien logró darle al grupo un sonido anticuado y valvular, ultra-vintage, pero buscando siempre fortalecer la parte compositiva antes que la estética.
El EP comienza con una pieza dramática llamada "Misery", una especie de carta abierta en formato de balada cuasi trágica, en donde la banda exhibe un buen gusto encomiable. Hace años atrás, The Mars Volta hicieron canciones en ésta misma senda, y muchos se desvivieron en elogios. Por supuesto, Led Zeppelin lo hizo hace 40 años, algo que ya todos sabemos. Dätcha Mandala continúan la senda intimista y cargada de un dramatismo teatral muy bien manipulado, y con eso en mente logran crear una muy buena canción.
"Mojoy" es puro Southern Rock con mucho de Hard Rock, nuevamente con Zeppelin como influencia central, aunque hay otros elementos que confluyen dentro de la pieza y permiten traer a la memoria a otros nombres (Blackfoot, los primeros Grand Funk Railroad, Free, etc). Gusto a Blues y a Rock sureño en una canción atractiva, aunque un poco más de sensualidad hubiera venido al pelo.
"Anâhata" es la cadena que unirá al segundo disco del grupo, un álbum llamado como la banda, y el tercer disco full, del cual aun no tengo mayores datos. Como nexo, y como muestra de lo que es la banda, está más que bien. Y como homenaje al Rock Duro de determinada época, también.

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Pyramids on Mars - Echo Cosmic

Año: 2015
Sello: Autoproducido/Independiente
País de origen: Canadá

Bien, vamos con algo completamente diferente. No, no se trata de la presentación del programa de mis amados Monty Python sino otra cosa. Pyramids on Mars no tiene nada que ver con lo solemos reseñar en este blog, de ahí que diga que vamos con algo diferente. Ya saben, acá predominan los géneros extremos (Black, Death, Grind, Doom, Thrash, Crust, Industrial/Noise, etc), el Metal tradicional en menor medida, y otros estilos no tan extremos pero duros en todo aspectos y que son fáciles de integrar a la lista de géneros y subgéneros que abarcamos. Mas esto que hoy traemos ni siquiera es Extremo. Se trata del proyecto unipersonal del guitarrista Kevin Estrella, un virtuoso que, además de ser un eximio guitarrista, está fascinado con los Ovnis, el Espacio Exterior, la vida en dicho Espacio y demás cuestiones intrínsecas a dicha temática. ¿Y en lo musical? Pues la influencia de Joe Satriani es más que evidente, aunque, hay que ser sincero, el tipo tiene otras influencias que le permiten no convertirse en una copia descarada.
El mismo Estrella admite que considera que adora la idea de que este "Echo Cosmic" sea para esta década lo que "Surfing with the Alien" (la obra maestra de Satriani) fue para los 80s. No sé si lo logrará, a esta altura de la historia resulta poco novedoso escuchar a un guitarrista en la vena de monstruos como Satriani/Vai/McAlpine que usa algunos elementos de la Música Clásica (él cita a Vivaldi como una influencia). Seamos sinceros, Mike Varney se hartó de descubrir guitar heroes en la segunda mitad de los 80s, lanzar sus discos y saturar el mercado con dichas ediciones. Y muchos de ellos hacían lo mismo que hace hoy Estrella, sonaban prácticamente igual. O sea, acá la novedad está en el abordaje que Estrella hace de la temática que rodea a su música, la que lo inspira y enmarca su trabajo. Su obsesión por los Ufo's se traduce en sonidos espaciales que aportan un aire etéreo, muco menos terrenal que el de la mayoría de sus colegas. Ahí es donde logra diferenciarse aunque sea un poco de los demás virtuosos de la guitarra, pero solamente ahí.
Ahora bien ¿y el disco en sí, es interesante al menos? Tiene buenos momentos, sobre todo cuando emerge la belleza a través de notas exquisitamente seleccionadas, como por ejemplo en "Heaven's Gate", o bien en "Sailing the Ocean's of Neptune" con su toque a la Hendrix post-moderno. De hecho, en casi todo el disco podemos encontrar ideas y/o arreglos interesantes, aunque esto no implique que Estrella sea un gran compositor. "Echo Cosmic" es un álbum ameno, que se deja escuchar sin trabas, pero al que le falta vuelo, le falta esa locura y rebeldía en contra de sí mismo para poder romper las barreras que le impiden llegar a las alturas extraterrenales a las cuales pretende llegar con su obra. En otras palabras, suena acotado, muy apegado al manual de los guitarristas del estilo. No es malo, para nada lo es, pero aun le falta bastante camino por recorrer.

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The Sitting Bull & The Bullshitter - Still Undead

Año: 2015
Sello: Inverse Records
País de origen: Finlandia

Luego de varios días escribiendo acerca de blast beats, growls, gurglings, ruido y más ruido, llegó el momento de relajarse y escuchar música bien organizada y melódica. The Sitting Bull & The Bullshitter, además de tener un nombre un tanto raro, hacen buena música, suenan muy organizados, y tienen un gusto realmente encomiable por la melodía. O sea, es la clase de música que viene bien escuchar luego de que las neuronas han sido atormentadas con brutalidad insana durante días. Pero ¿a qué me refiero exactamente cuando hablo de melodía, orden y buen gusto? Paso a explicar.
"Still Undead" es un disco a mitad de camino entre lo eléctrico y lo acústico, sin definirse por un lado u otro, siempre al medio. Ya con esa cualidad sonora, la banda logra una sensibilidad especial, agradable al oído. A eso hay que sumarle el espíritu, la esencia que se hace carne en la música, y que tiene sus orígenes en el Rock y el Hard Rock de los 60s y 70s, con toques progresivos puestos en lugares precisos. Líneas vocales claras y amenas, coros que siguen por el mismo modo, canciones con gancho, todo en su lugar. Pero todo está bien puesto, con inteligencia. No estamos ante un grupo que se limita a hacer lo que los manuales indican que se debe hacer, sin preocuparse por lo más importante: crear buenas canciones. Al fin de cuentas, por más aplicado que uno sea al momento de aprender las lecciones, y por más talento interpretativo que se tenga, si no hay buenas canciones, no hay nada. Pero resulta que estos fineses saben componer y tocar, entonces el resultado es óptimo.
Digamos que suenan a una banda de los 70s tocando de manera semi-acústica, desnudando sus canciones, quitándole las estridencias, mas dejando la cuota de intensidad necesaria como para se mantenga esa cosa rockera que tan bien les queda a estos muchachos.
Elijo canciones como "Supernatural", "Rusty Leaf" y en especial "K-Town River Banks" como lo más logrado dentro de un panorama muy positivo y parejo. Las elijo porque son las que mejor transmiten esa sensibilidad de la cual hablé antes, pero no las elijo por ser canciones muy superiores al resto. "Still Undead" no tiene altibajos, y por eso merece ser escuchado de principio a fin.

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Wake The Nations - Sign Of Heart

Año: 2015
Sello: Inverse Records
País de origen: Finlandia

Nunca pensé que material de este tipo iba a llegar para ser reseñado en un blog llamado Puro Ruido. Pero aquí estoy, escribiendo acerca de un disco de Hard Aor, con clara orientación hacia el Rock radial de los años 80s. Y con este tipo de música tengo un problema: no me gustaba en su momento, en los 80s, pues yo, por aquel entonces, estaba en plena etapa de descubrimiento de toda la mierda que emergía desde lo más profundo del Underground (tanto del Punk como del Metal), y esta música me resultaba demasiado amena, para...adultos, sin más vueltas. En todo caso, podía recurrir a las melosas melodías de bandas como King Kobra, Autograph y ese tipo de bazofias en el caso de que quisiera ir a la cama con alguna jovencita (yo era muy joven por aquel entonces. Estamos hablando de la segunda mitad de los 80s, yo apenas tenía entre 13 y 15 años). Entonces, ahora que soy un adulto ¿estoy en condiciones de disfrutar de las amables melodías de estos fineses? No, para nada. Ok, reconozco que los tipos tocan realmente bien, y, obviamente, suenan muy bien. Todo en su lugar, ninguna estridencia, nada superponiéndose a nada...pero no encuentro nada más para destacar. Buena idea la de usar varios cantantes para que cada uno asuma la responsabilidad de cantar tracks puntuales, pues eso le da variedad al disco. Sin embargo, no encuentro motivos para engancharme con el disco en sí. Ni siquiera encuentro motivos para criticarlos con dureza, pues, al fin y al cabo, "Sign of Heart" no es un disco malo; tan sólo me aburre y mucho.
No sé, si sos de los que en los 80s disfrutaban de la música de Richard Marx, por ejemplo, o de bandas como Giuffria, tal vez esto sea muy de tu agrado. A mí no me dice nada, tal como me sucedía en los 80s.

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ProductO - Lugar Común

Año: 2012

Sello: Independiente/Autoproducido

País de origen: España

Gaspar sigue aportando material para ser comentado y publicado en nuestro blog. No recuerdo cuantos discos ha sacado en este último año bajo el nombre de ProductO, ni recuerdo cuantos escuché yo. Pero sí tengo algo muy en claro: el tipo hace todo bajo el lema DIY (Hazlo Tú Mismo). Eso puede generar que el oyente acostumbrado a producciones limpias y trabajadas a full quede un tanto perplejo ante la crudeza de lo hecho y grabado por Gaspar. Pero es lo que él hace, es lo que él es, y a la mierda.

En este trabajo en particular, y esto es –como casi todo lo que digo- algo 200% subjetivo, lo encuentro más minimalista que nunca, más crudo y directo que nunca. Tal vez sea tan sólo una cuestión de percepción, quizá esté errado o no, pero es lo que me transmite la obra de ProductO en esta ocasión: mayor nivel de minimalismo, mayor crudeza, mayor sencillez compositiva, y más Hazlo Tú Mismo que nunca. El mismo Gaspar resume el concepto del disco con estas palabras que transcribo textualmente:

No falto a mi cita con la música. Estas nuevas canciones se complementan y hablan de las mismas ideas...pero que cada uno se haga su idea. Los géneros también son más cercanos entre sí. He cogido ideas de Eyehategod, Sunn o))), Striborg, Popol Vuh y como siempre, Black Sabbath. Muchas gracias a esos grupos. A Karl Smallman por la fantástica foto de portada y especialmente a Yle por todo. Espero que lo disfruteis...y si no, diy.

Sus palabras me eximen de hacer más comentarios, pues creo que define con claridad qué es lo que ha hecho Gaspar en este disco, hacia dónde está dirigido el contenido, y cual es el concepto del mismo. Yo sigo pasándola bien con sus trabajos. Los demás…sabrán qué piensan y por qué.

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Maldiogenes - Todo Me Sirve

Año: 2012

Sello: Autoproducido/Independiente

País de origen: Chile

No soy muy amigo de escuchar Stoner. Salvo grupos puntuales, es un estilo que suele resultarme cansador. La explicación viene por este lado: crecí escuchando a Black Sabbath, Blue Cheer, Grand Fuk Railroad, Budgie y cosas así gracias a un tío, hermano de mi papá. Él vivía con nosotros, en la misma casa, cuando yo nací. O sea que vengo escuchando esos sonidos pesados y volados desde que estaba en el vientre de mi madre. Por lo tanto, es un gusto que heredé y no que descubrí por mi propia cuenta. Y siempre se tiende a valorar más lo que uno descubrió por motus propio antes que aquello que se hereda de otro. Es por eso que escuchar Stoner me resulta, en la mayoría de los casos, algo denso. Pero hay excepciones a la regla, claro. Y si esas excepciones vienen por el lado más rockero y salvaje, mejor. Y si eso se le suma una pizca de psicodelia, la cosa me gusta más aun. No es que vaya a perder la cabeza. Pero es muy probable que termine entreteniéndome un buen rato. Y justamente eso es lo que me gusta de éste trabajo de los chilenos de Maldiogenes: suena rockero y salvaje. Hay cuelgues psicodélicos por aquí y allá, pero lo que prima es la calentura rockera. Los riffs tienden a ser sencillos pero agresivos, y las bases están en concordancia. Incluso cuando se ponen “volados” mantienen esa impronta rockera. Pancho, en guitarra y voces, es quien se pone el grupo al hombro, acompañado por Toño en batería (quien alterna buenas y malas. Algo para rever: algunas bases suenan un poco desprolijas) y Lazo en sintetizadores y ruidos, encargado de aportar el toque de locura justo.

Tienen cosas de Atomic Bitchwax, algo de Fu Manchu y cierta crudeza Punk. Hay buenas ideas y un sonido acorde. La propuesta de los muchachos convence, resulta creíble, y eso, a mi entender, suma muchos puntos favor. Sobre todo en un mundo en donde lo importante parece ser la fachada y no el contenido, es refrescante que aparezcan bandas en donde lo realmente importante es, justamente, el contenido. Un contenido que, si bien no encuadra dentro de los estilos que a mi más me gustan, tiene buenos pasajes. Y es por eso que lo recomiendo a los amantes del género.

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Captain Beyond - Idem

Año: 1972
Sello: Capricorn records
País de origen: USA

Considerados una superbanda en su época, Captain Beyond es más conocida en la actualidad por ser una de las agrupaciones favoritas de músicos enormes como Lee Dorrian (Cathedral) y Michael Amott (Spiritual Beggars/Arch Enemy). Y motivos para idolatrarlos sobran. Con sólo escuchar los 3 primeros tracks de éste fantástico disco nos alcanza para darnos cuenta de que se está frente a algo grosso de verdad.
Liderados por el primer vocalista de Deep Purple, el talentoso Rod Evans, secundado por 2 ex Iron Butterfly (Lee Dorman en bajo y Larry Reindhardt en guitarra), más el genial Bobby Caldwell (ex Johnny Winter Band), los 4 exquisitos músicos dan rienda suelta a sus creatividades en conjunto, demostrando poseer una usina de ideas cuasi inagotable a lo largo de un disco fabuloso. Un Hard Rock de tintes psicodélicos, que por momentos encaja dentro del buen Rock & Blues setentoso, pero con un sonido denso y aguerrido que se hace omnipresente, salvo cuando limpian el sonido y juegan con texturas más sutiles y netamente psicodélicas.
Escuchen las 2 partes de "I Can´t Feel Nothing", temas inoxidables como "Frozen Over" y "Mesmerization Eclipse", o el tema con el que abren la placa, "Dancing Madly Backwards", y entréguense al perfecto sincronismo de los instrumentos, trazando líneas delicadas y pesadas al mismo tiempo, son sutileza y garra a la vez, mientras Evans atrapa con sus voxalizaciones full 70´s. Escuchando detenidamente el disco, uno no puede menos que coincidir con Dorrian y Amott, y no sólo eso, sino que queda en evidencia que Captain Beyond es una influencia vital en Cathedral y Spiritual Beggars.
Ahora sí, sin más que decir, los dejo con un trabajo monumental e influyente: el primer disco de Captain Beyond.

DAX RIGGS - Say Goodnight To The World

Año: 2010
Origen: USA
Sello: Fat Possum Records

Dax Riggs vocalista/guitarrista para el que no lo conoce, paso por Acid Bath una excelente banda Sludge de los 90, Agents of Oblivion y Deadboy And The Elephantmen. A partir del 2007 una etapa mas madura empieza a sacar discos como solista   donde coquetea con el Blues, el Indie, algo de rockabilly  y el Country siempre con una dosis de oscuridad y psicodelia presente, escuchen la versión de, "Heartbreak Hotel" de Elvis, y hablamos, El registro vocal de Riggs es increíble, de lo mejor que escuche en años, trasmite sensaciones como pocos a través del disco,  en baladas de corte blusero, rockeando o cuando se pone mas oscuro y apocalíptico como en el tema que cierra el disco "See You All In Hell Or New Orlean" las letras son excelentes, todo esto justifica a esta maravilla como uno de los mejores albunes del 2010... no pierdan tiempo y bajen ya

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