Boris with Merzbow - Gensho

Año: 2016
Sello: Relapse Records (USA, Canadá Y Europa) / Daymare Recordings (Japón. Edición limitada de 4 cds).
País de origen: Japón

No es la primera vez que estos monstruos de la experimentación realizan una colaboración entre ellos. Si mi memoria no me falla, es la sexta vez que sus caminos se cruzan para dar rienda suelta a los que ambas bandas saben y pueden hacer: manipular sonidos, jugar con las texturas, atrapar al oyente y ponerlo de rodillas. Cada uno con lo suyo, cada uno con sus herramientas. Por supuesto, el disco salió a través del sello idóneo para lanzar una obra de ésta envergadura: Relapse Records, meca de los sonidos extremos más vanguardista que éste servidor haya escuchado en los últimos 25 años.
"Gensho" tiene la particularidad de que se puede escuchar (y comprender) como una obra en conjunto -o sea, una colaboración dividida en dos partes: un disco por banda-, como un split doble, o bien, como obras separadas de cada banda, pero editadas en conjunto. Es que cada grupo hace lo suyo en un disco, siendo Boris quienes se hacen cargo del primer disco, y por consiguiente, Merzbow está en el disco 2. Vayamos con la obra de Boris.
Es bien sabido que el trío gusta de pasearse por diferentes matices y estructuras, pero manteniendo una personalidad bien definida y clara. Hagan lo que hagan, sea Drone, sea Noise o Dreampop (y hasta podemos agregar algo de Post Rock por ahí), el grupo integrado por Takeshi, Wata y Atsuo permanece inalterable en su esencia. Dicha esencia emerge de entrada, dejando en claro ya en las dos primeras canciones, cuáles son las líneas sonoras y compositivas que tienden a seguir estos japoneses. Comienzan con "Farewell", en donde las melodías vocales de neto corte onírico (aquí surge la influencia del Dreampop a todas luces) contrastan con la muralla sonora levantada por las guitarras y el bajo, todos afinados y ecualizados de la manera más grave y atronadora posible. Inmediatamente se tiran para el lado del Drone, con ése abrumador tema llamado "Huge". Y así continúan hasta el final, fluctuando entre una y otra faceta del estilo del grupo, con la calidad y profundidad acostumbradas.
Por cierto, el lado perteneciente a Boris no contiene baterías, y dicho material no es otra cosa que versiones sin batería de canciones que Boris ya habían grabado previamente, incluyendo entre dichas pistas una composición del genial Kevin Shield; me refiero a "Sometimes", de mis amados My Bloody Valentine.
Luego, en el disco dos, aparece el señor Masami Akita, más conocido como Merzbow. Lo suyo es lo que uno espera y desea de él: RUIDO. Así, sin rodeos, Merzbow se dedica a explorar los umbrales del terrorismo sonoro, montando un caos de texturas que oscilan entre los sonidos más agudos y desesperantes, con subgraves que, obviamente, subyacen ahí, bien debajo de todo.
Como siempre, lo de Merzbow es una tortura sonora constante, desarrollada con todo el odio y la locura habituales. Y no defrauda, nunca lo hace. Es que Akita juega con las texturas abordando el horror propio del Noise (o Harsh Noise), pero jugando con las formas de fondo, las cuales van mutando y conjugándose hasta convertir cada pista en un cúmulo de abominaciones que conviven y se unen hasta convertirse en un solo horror. A veces, y mientras escucho las tonalidades usadas en "Planet of the Cows", el track que abre el disco de Masami, pienso que este japonés toma cosas de los viajes sonoros de John Coltrane y los inserta en su mundo de ruido enfermizo. En otras palabras, MERZBOW.
Cabe acotar que cada disco tiene la misma duración, es decir que cada álbum dura casi una hora con quince minutos. Vale la pena, por cierto, adentrarse en el universo de cada uno de los grupos implicados en esta magnífica obra de arte. Que no es música para todo el mundo, a eso ya lo sabemos. Mas, para aquellos que realmente gusten de ambas bandas, les aconsejo no perder el tiempo. Tanto Boris como Merzbow, lo hicieron de nuevo.

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Author & Punisher - Melk En Honing

Año: 2015
Sello: Housecore Records
País de origen: USA

Recuerdo que hace 4 años atrás, cuando los sellos, agencias de promoción y varias bandas comenzaron a fijarse en Puro Ruido, mientras escuchaba un disco de una banda espantosa de Power Metal (que no voy a nombrar. Ya suficiente tuvieron con la reseña que les hice), en mi interior se instalaba y repetía el siguiente pensamiento: "¿por qué carajos no me toca reseñar a una banda como Author & Punisher? Crecí escuchando Música Industrial, no Power Metal. Sin embargo, debo reseñar esta basura". El tiempo puso las cosas en su lugar, y hoy casi no recibo material de clones de Rhapsody ni ninguna de esas bazofias, y sí me encargan reseñar lo último (hasta ahora) de una de las mejores bandas del siglo 21: Author & Punisher.
Con esto dejo en claro, o al menos adelanto, que "Melk En Honing" me encanta de principio a fin, y confirma lo que dije renglones antes: Author & Punisher es de lo mejor que hay en el mundo actualmente. Es que Tristan Shone entiende absolutamente todo en éste terreno, conoce al dedillo los detalles, las características, la esencia de un estilo que viene atormentando cerebros desde hace 40 años ya. Lo hizo ya en su primer disco, el demoledor "The Painted Army", lo hizo 10 años después con esta preciosa obra del horror y el odio.
Como dije antes, Shone entiende todo respecto a la Música Industrial, y lo desarrolla a la perfección. 1- Uso de sintetizadores y manipulación del concepto de Antimúsica, cualidad que se explica por sí sola.
2- Tácticas de shock, algo inherente al género, y que Tristan desarrolla magistralmente ya desde el asfixiante sonido que envuelve al grupo, y que le da un marco de furia y destrucción incontenibles.
3- Autonomía organizativa, pues Author & Punisher es, ante todo, un grupo independiente, que hoy cuenta con el apoyo de un sello como Housecore (sí, el sello de Phil Anselmo), pero que no pierde de vista su esencia de autogestión y la mantiene a rajatabla, aun cuando sus discos ya sean editados por sellos que no sean de su propia marca.
A todo esto hay que sumarle el amplio bagaje musical de Shone, quien no pierde el tiempo e incorpora todo lo que él considera óptimo para su propuesta. Así, al ambiente pesado y claustrofóbico generado por su música, le agrega lentitud Doom, matices Drone (con notas que se repiten y perpetúan hasta la eternidad), algunos ribetes provenientes del Noise, y hasta armonías vocales que se acercan al Pop, tal es el caso de la genial "Shame". Y, por supuesto, la estridente voz emitiendo gritos cargados de rabia, el ruido blanco inundándolo todo, samples, un bajo que abruma con su pesadez, ritmos aplastantes, sonidos inhumanos y un minimalismo omnipresente, aun cuando las cuasi infinitas capas de sonidos parecieran decirnos lo contrario.
¿Mejores temas del disco? No lo sé, éste es, a mi entender, un disco de 10 puntos. Y con esto quiero decir que todo el disco me parece fabuloso. Aun así, el comienzo con "The Barge", sentando las bases de lo que será toda la placa, o bien la antes citada "Shame", y en particular "Future Man", con su densidad a la Godflesh oscureciéndolo todo, se me antojan como los momentos más orgásmicos dentro de un disco que me provoca un placer exagerado en todo momento.
En otras palabras, sí, soy fan de Author & Punisher y me hace feliz reseñar sus discos, en lugar de tener que soportar voces agudas entonando versos inspirados en Tolkien.

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Horseback - Dead Ringers

Año: 2016
Sello: Relapse Records
País de origen: USA

¿Nunca sintieron la necesidad de experimentar, de forma consciente, el nadar libremente en líquido amniótico? Veamos, todos lo hemos hecho durante nuestro estado prenatal, pues en ese líquido flotamos, nos rodea y amortigua mientras estamos en el vientre materno. Bien, la música Psicodélica, el Krautrock y estilos similares, aquellos que hacen de los viajes mentales un culto, siempre han estado ligados a dicha etapa en la vida del humano, además de obsesionarse por el cosmos y todo lo que lo completa. Yo, claro está, soy un fan empedernido de los estilos antes mencionados, y da la casualidad de que Horseback aborda ambos géneros, además de incorporar elementos de otros estilos cercanos o similares.
"Dead Ringers" tiene eso de poner el oyente en estado de trance, como si estuviera viviendo hoy, en su vida adulta, la experiencia de estar cubierto por el líquido en cuestión, y también permite imaginar sin ataduras un viaje galáctico con nuestras mentes, con todo lo que ello implica a la hora de expandir nuestra percepción. El responsable de tan encantadora experiencia se llama Jenks Miller, y viene creando discos de ensueño desde 2007, en su North Carolina natal.
Tomando cosas que van desde la hipnótica gama de sonidos de la Psicodelia ("Descended from the Crown" y sus 16 minutos con 40 segundos resumen a la perfección la pasión de éste muchacho por la Psicodelia), el Krautrock de Can o Neu! (el primer track "Modern Pull" es Krautrock puro), pasando por la tensión/distensión de un Neil Young ("In And Out of Form", aunque la Psicodelia no se apaga en ningún momento, la influencia de Young está muy presente), con estallidos Drone que encastran a las perfección dentro del contexto generalizado, voces que flotan, van y vienen, sonidos añejos y otros más modernos, y un aire retro/futurista exquisitamente fusionado y tratado, Miller pinta cuadros sonoros con una sutileza y profundidad subyugantes.
Completamente autoproducido, "Dead Ringers" es una obra intimista y magnética, usando instrumentos que se superponen para crear capas de sonidos eléctricos que inducen al oyente a estar en un trance cuasi constante, durante los casi 58 minutos que dura el disco. Y es, a mi parecer, su obra menos Metal de todas, abandonando cualquier atisbo de Post Metal que pudo haber tenido Horseback en algún instante en sus albores.
Por supuesto, no puedo obviar el hecho de que lo edite Relapse, uno de mis sellos favoritos justamente porque ha brindado apoyo incondicional a artistas de la talla de Jenks Miller, a quien vienen editándole discos desde el 2010. Y éste, el que tal vez sea mi favorito de Horseback, sale nuevamente a través de dicho sello. Ojala la unión dure varios años más.

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Hyponic - 前行者

Año: 2016
Sello: Weird Truth Productions
País de origen: Hong Kong

Tercer y fascinante disco de esta banda de Hong Kong, cuyos orígenes se encuentran en el Doom/Death, siendo para éste álbum que la banda optó por potenciar un cambio que ya habían insinuado, pero que aquí es rotundo. Hoy, Hyponic es una banda que muestra varios matices confluyendo en una misma dirección, tomando cosas del Post Rock, Post Metal, Drone y hasta Funeral Doom, matizando todo con acordes etéreos de ribetes psicodélicos emergiendo en lugares puntuales.
Dije que estamos ante el tercer disco, mas, no dije que el mismo llega a nosotros tras 20 años de carrera sobre sus espaldas. No, no son muy prolíficos, pero sí muy creativos, y con eso, creo yo, compensan. Los 34 minutos condensados en 6 composiciones mesmerizantes, exigen al oyente una concentración full time con el fin de adentrarse por completo en el mundo profundo, oscuro y onírico que crean estos tipos en esta obra. Y también requiere de un tiempo de enfoque en la realidad, de regreso a la misma, tras haber terminado el álbum.
Hay quienes los comparan con Funeral Moth, pero yo creo que acá hay otros aspectos que juegan un rol preponderante, y que terminan haciendo que Hyponic sean una entidad digna de ser conocida y reconocida por lo que es, y no por su parecido o no con tal o cual banda. Es más, hay cosas que pueden recordar a Earth, a Boris, a Sunn O))), y principalmente a Esoteric, sobre todo en la manía por usar los sonidos cósmicos que envuelven a cada composición, como herramienta de hipnosis, como si estuvieran buscando hundir al oyente en un estado narcótico/onírico extasiante y desesperante en igual medida.
Fabuloso manejo del crescendo, provocando de esta manera que el disco merezca ser escuchado en su totalidad, de un tirón y en el orden correspondiente, sin saltearse ni alterar nada. "前行者" está hecho como una película en donde los sonidos son el lenguaje que relata una historia de ambientes oscuros, melancolía y viajes mentales varios por los rincones más recónditos de la mente humana, como así también una necesidad de conocer nuevos mundos y estados a través de la posibilidad de alterar los más complejos estados de la mente.
No me pidan que elija una canción por sobre otra, pues, como ya dije, el tercer opus de Hyponic es una obra completa, no se la puede diseccionar. Mejor, háganme caso, pongan play y escuchen sin prejuicios, libremente, los 6 tracks que conforman la placa, sin poner pausa ni nada; esta clase de discos son una experiencia en sí, y las experiencias como éstas demandan ser vividas tal como son relatadas.

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The Black Yo)))ga Meditation Ensemble - Asanas Ritual Vol.1

Año: 2015
Sello: Screaming Crow Records
País de origen: USA

Peculiar y muy atractiva propuesta la de este ensamble de artistas procedentes de varias bandas, quienes abordan el costado oscuro de la música como vehículo para meditar. Desde Drone hasta Doom, pasando, claro está, por el Ambient (de hecho, esto es lo que más hay, además de Drone), Industrial, y algún que otro estilo de la galaxia Pesada, además de tomar mucho de la música tradicional para meditar, siempre pasando todo por un filtro ambiental relajante y espacial que termina siendo el eje y envoltorio de la música del grupo.
Este ensamble nació cuando Kimee Massie y su esposo Scott conversaban en su auto escuchando a Bohren & der Club of Gore. Dialogando acerca de la posibilidad de ensamblar el tipo de música de la banda recién mencionada, con cosas de otras bandas que escuchaban mientras viajaban (Locrian y Sleep, puntualmente), este proyecto comenzó a tomar forma. Por supuesto, si hablamos de tomar forma es porque comenzaron a aparecer otros actores en la historia (Chad Hammit fue el siguiente)  y la cosa fue encaminándose hacia lo que Black Yo)))ga es hoy: una entidad creativa que aporta algo diferente a la escena, sobresaturada de clones de clones, sin ser la mar de originales, pero expandiendo, o ayudando a expandir horizontes a través de su arte.
Loable lo de la banda con su decisión de usar éste tipo de música para ayudar a quienes sufren de problemas de alcoholismo, drogadicción, ansiedad, depresión y otros traumas que afectan a la conducta del individuo, imposibilitando a quienes padecen estos problemas a llevar una vida plena, o aportando herramientas para alejarse de las turbulencias que dichos problemas acarrean.
"Un espacio de música pesada para la meditación", eso nos dicen en su gacetilla. ¿Cómo sería, en éste caso, lo que aportan estos audaces músicos con su música y en la misma? Indudablemente, saben bien qué es la Meditación y cómo se lleva a cabo; de lo contrario, no hubiera sido posible crear algo tan profundo e hipnótico. "Asanas Ritual Vol.1" condensa los estilos que mencioné al comienzo, pero siempre evocando imágenes espaciales que invaden al oyente y lo ponen en estado de trance. Es música extracorporal, para experimentar sensaciones abandonando el cuerpo y entregándose a la búsqueda de un balance extraordinario que se logra tras varios viajes fuera de uno mismo. Les aseguro por experiencia propia, tras entregarme sin problemas a lo que propone esta banda de Pittsburgh, que es otra la perspectiva que uno tiene de su entorno cuando, tras escuchar y volar con el disco en cuestión, se puede "regresar" el cuerpo.
Claro, hay que estar predispuesto a realizar dicha tarea sin prejuicios, vaciando de resistencia al propio ser para que las poco convencionales piezas que conforman la placa surtan el efecto deseado en el oyente. O sea que no es un disco para escucharlo mientras realizas otras tareas, ni para ponerlo de fondo mientras hablas con amigos ni nada por el estilo: es para escucharlo solo, a oscuras si es posible, y totalmente concentrado en la música. No es música fácil de digerir, mas, no se supone que lo sea. Como bien dije varias veces ya, es música para meditar, no para tomársela a la ligera. Es por eso que éste viaje no es para cualquiera.

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Autokrator - The Obedience to Authority

Año: 2016
Sello. Godz ov War Productions / Krucyator Productions
País de origen: Francia

Obediencia a la autoridad. ¿Acaso no hay similitudes con lo que llamamos conformismo? El conformista es obediente y encuentra en la imagen de la autoridad un protector, alguien se hará responsable de todo aquello que el conformista prefiere evitar con tal de no asumir más responsabilidades. Mas, el precio a pagar es obedecer ciegamente, y ello lleva a la persona a empequeñecerse, a volverse un ser diminuto, aplastado. Su existencia es peligrosa para el resto, claro, pues no sólo permite el avance totalitario de la autoridad, sino que justifica dicho avance bajo el pretexto de que "es lo mejor para todos". Y así, y gracias a estos energúmenos, la sociedad se vuelve un lugar opresivo, sofocante, falto de libertades reales y plagado de libertades ficticias.
Autokrator, la banda que hoy reseño, han logrado capturar todo eso y más con su música. También han logrado representar el horror del aplastante poder de la autoridad sobre una masa inerte de seres débiles y pasivos. Han logrado convertir en sonidos los terroríficos crímenes cometidos por las autoridades en pos de un sueño que, más que sueño, es una pesadilla. Y para concretar esa creación tan horrenda y atractiva a la vez, se han valido de géneros que, desde sus orígenes, han convivido con el horror, la opresión y la violencia (además de una subyacente oscuridad que termina siendo parte esencial de los mismos). Me refiero a la música Industrial, el Death Metal y el Drone, todos estilos musicales que contienen una carga negativa realmente grande.
"The Obedience to Authority" es el segundo disco del dúo francés integrado por L.F. (guitarra, bajo y samplers) y David Bailey (voz), sucesor del no menos sofocante debut autotitulado del 2015. Un segundo disco en el cual la producción juega un rol esencial en esto de aplastar al oyente, de oprimirle el pecho hasta dejarlo sin aire. Una guitarra enterrada en la mezcla, puesta a la altura de la batería para generar una confusión sonora enorme, dejando poco espacio para la claridad y, de paso, potenciando la oscuridad. Volumen no tan alto, distorsión saturada, bajan los graves y ponen los medios a tope, logrando un sonido ruidoso al mejor estilo del Napalm Death de "Scum". La batería va bien al frente, con un sonido gordo y pesado, resaltando cada arreglo, cada detalle (ya sean blast beats, ya sean cortes, o el repiqueteo del bombo o quiebres alienantes), nada queda en segundo plano y por eso los golpes pegan tan duro en el oyente. Y la voz bien de ultratumba, cavernosa, saturada de reverberancia y dueña de una profundidad abismal, tan al frente como la batería.
A ellos les gusta autodefinirse como Suffocating Death Metal, pero acá hay más, mucho más que Death Metal. Industrial en casi todo momento, este elemento resalta en tracks como "Chapter III" y "Chapter VIII", en donde los experimentos sonoros cobran fuerza y dejan salir a la luz la otra parte de la identidad del grupo: el Drone, componente que usan para ambientar cada momento en el que este elemento aparece con el fin de borrar de la mente del oyente la sensación de estar pisando tierra firme.
Ahora bien, más allá de las descripciones que he hecho acerca del disco ¿cuál es mi opinión sobre la calidad del disco en sí? ¿me gusta o no? Me encanta, a decir verdad. Las razones están detalladas en la reseña, por lo que no creo que sea necesario explayarme más de lo que ya me explayé. Ahora está en ustedes hundir sus cabezas en este turbulento universo sónico llamado Autokrator.

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Rorcal - Creon

Año: 2016
Sello: Lost Pilgrims Records, Halo of Flies, Bleak Recordings, Wolves and Vibrancy Records, Grains of Sand Records, GPS Productions, Dullest Records, Long Legs Long Arms, & Unquiet Records.
País de origen: Suiza

(…) En el fondo de la tumba vimos a Antígona colgada por el cuello: un nudo corredizo, que había hecho trenzando su cinturón. Hemón, desfallecido, abrazado a ella deploraba la pérdida de la que debía haber sido suya. En cuanto Creonte entró a la tumba el hijo desenvaina su espada de doble filo y se lanza contra él. Creonte esquiva el golpe. Entonces, el desgraciado, volviendo su rabia contra sí mismo, se la hundió en el costado. Dueño aún de sus sentidos, rodeo a Antígona con sus brazos desfallecidos, y vertiendo un chorro de sangre, enrojeció las pálidas mejillas de la doncella. ¡El desgraciado ha recibido la iniciación nupcial en la mansión de Hades, y demostró a los hombres que la imprudencia es el peor de los males!

(Fragmento de la tragedia “Antígona” de Sófocles)

Seguramente un virtuoso ditirambo de la época podría haber representado fielmente el desconsuelo de Hemón en aquella tragedia griega, pero en ésta época, creo que no habría mejor banda sonora que la de Rorcal para evocar tal escena. El nombre del mítico rey de Tebas es el elegido para bautizar a “Creon”, el cuarto Full de esta demoledora banda suiza, que asumía la difícil tarea de superar o al menos mantener el nivel del disco antecesor: “Világvége” del 2013. Uno de los mejores discos editados dicho año, o por lo menos uno de los más violentos, oscuros y mala leche a gusto de quien escribe. Si bien mantienen su característico estilo y sonido, a saber, sludge ultra agresivo con sus buenas dosis del black metal más virulento, en esta oportunidad se nota un cambio en la forma de componer. No sé si esto es algo que se han propuesto o algo que se dio naturalmente debido a la temática, pero les ha servido para desarrollar mejor las ideas a lo largo de los más de 10 minutos que dura cada tema, enfocándose en su lado más blacker que en su anterior trabajo. Sin embargo, para los puristas, es necesario aclarar que cuando hablamos de black, es en su corriente “post”, aprovechando el actual auge de la misma, pero manteniendo su impronta claro está (Altar Of Plagues puede ser una referencia inmediata). Se abre el telón con Πολυνείκης (Polinices), desplegando un opresivo manto de oscuridad para presentar el disparador del conflicto, la traición y la muerte de los hermanos. Riffs en tremoló van describiendo la angustiosa melodía de la muerte desgarrándose en la garganta de Yonni Chapatte. Encomiable labor, haciendo lo que dicta el género, gritar como un condenado durante todo el disco. Desarrollo del conflicto en el segundo acto, Ἀντιγόνη (Antígona), Hemón halla muerta a su prometida tras su condena. Misma fórmula y formato de riffs para parir el tema más hijo de puta del redondo. Las guitarras de Diogo Almeida y JP Schopfer entretejen trágicas y dolosas melodías, complementándose de manera impecable, dejándote sin aliento como a la finada Antígona. Impresionante, especialmente después del corte que promedia el track… sublime!! La obra va llegando a su desenlace con Αἵμων (Hemón), y como es de suponerse será sangriento: el suicida hijo de Creonte muere abrazado al cadáver de su prometida Antígona. Amenazantes arpegios dan comienzo a una inquietante calma que pronto será interrumpida por violentos arrebatos de blast beat a cargo de Ron Lahyani, bajando revoluciones cuando la atmósfera lo requiere, siempre con una notable precisión. Los tremoló no dejan de sonar sostenidos por la base rítmica de Bruno da Encarnação que no decae jamás. Lo propio con los gritos que se suceden cual lamentos. Al final de esta obra todavía le queda espacio para otra muerte, Εὐρυδίκη (Eurydice), madre de Hemón y esposa de Creonte se suicida al enterarse de la muerte de su hijo. Una marcha fúnebre siguiendo la tónica de los temas anteriores y redondeando una monumental obra, opresiva, mala onda, armónicamente violenta y agresiva, sin dejar nunca de lado la melodía, pero de la manera más dramática... La tragedia è finita. Como se había mencionado anteriormente, hay otro tratamiento de los temas, aparecen estructuras más marcadas dejando de lado los pasajes drone y las disonancias, al igual que los viscerales y arrastrados medios tiempos característicos que lamentablemente pierden terreno aquí. Los riffs dejan su relativa monotonía para adquirir mayor riqueza armónica desdoblando el trabajo de las guitarras. Queda a criterio de cada uno la valoración de estos cambios, personalmente creo que es parte de una natural evolución, aunque extraño aquellos elementos que hacían de su sonido algo más personal (y que espero no se los lleven las nuevas corrientes). Quizás Creon no supere a su impresionante antecesor, pero deja en claro que aquello no fue una mera casualidad, o un acierto circunstancial. Rorcal es una realidad que seguramente va a seguir llenando de mala onda las almas de quienes estén dispuestos a sangrar sus oídos en su honor...

Review hecha por Juanlón (guitarrista de Disnomia)

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The Black Birch

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Lost Pilgrims

Halo of Flies

vod - ᑑᕐᖓᐃᑦ (Tuurngait)

Año: 2015
Sello: Autoproducido/Independiente
País de origen: Canadá

vod es Dave Tremblay y viceversa. Tremblay es bajista, y no sólo: él se hace cargo de todos los instrumentos en este disco. Detalle interesante, al menos para mi: no hay guitarras. Todo está centrado en el bajo como motor sonoro del grupo, con riffs que nacen y se ejecutan desde y con ese instrumento. Acompañado de una batería (tocada por Dave también) y voces poderosas que emergen desde las profundidades ocasionalmente, este disco es una ardua experiencia para aquel que busque riffs de guitarra y formatos compositivos convencionales. Polirrítmico, atmosférico, gélido, no convencional trabado, "Tuurngait" oscila entre esas cualidades constantemente, y promueve que el oyente deba adoptar una actitud de mente abierta para encarar la escucha de este trabajo.
He leído descripciones que ponen a bandas como Meshuggah, King's X y Tool como influencias, y algo de eso hay. Sólo que, a diferencias de las bandas de las bandas antes mencionadas, y como ya dije anteriormente, la ausencia de guitarras modifica ciertos aspectos sonoros, y por ende, las estructuras cambian, aunque sea levemente, pero cambian. Sobre todo, cambian porque estamos ante un disco que encuentra su razón de ser en el frío, la nieve, el invierno y el aislamiento. Y si nos guiamos por esto, Tremblay acierta más de lo que erra, pues "Tuurngait" transmite exactamente eso. Falla en convencer al oyente (quien, en este caso, soy yo) porque carece de profundidad, y, por momentos, esa sensación de frialdad que busca transmitir, alcanza a entrometerse en un aspecto para nada menor: la pasión. Por instantes, vod suena más cerebral que otra cosa, y carece de ese fuego interno necesario para conmover al oyente. Mas, fuera de eso, estamos ante un disco interesante, alejado de los convencionalismos, transitando indistintamente por estilo como el Post Metal, el Sludge, Drone y Metal Progresivo. Sí, podría ser un disco mucho mejor, pero es tan extraño, y tienen tantos aciertos, que termina siendo un disco tan raro como interesante.

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Sunken - Recoil

Año: 2014
Sello: GodHatesGod Records
País de origen: Bélgica

Este disco me llegó el año pasado, y se lo pasé a uno de los colaboradores que tenemos en el blog. Me fue sincero y me dijo que el disco no le gustaba, que prefería escribir acerca de otra banda. Bien, luego se lo envié a otro colaborador, y pasó lo mismo. Así que me puse a escucharlo...y no sabía qué pensar, qué decir, qué hacer con este disco. Lo dejé allí, guardado por un tiempo, hasta que hace unos días atrás decidí retomar la idea de hacer la review. Y bien, aquí estoy opinando acerca de un disco que me genera sensaciones encontradas. Por un lado, celebro la idea de hacer música pesada prescindiendo de la guitarra, instrumento por excelencia a la hora de hacer todo tipo de música con formato Heavy. Y también celebro que no haya voces, que sea todo instrumental, pues supone un verdadero desafío para el oyente y el creador (o los creadores) de la obra. Sí, como ya imaginan, Sunken consiste en un bajo y una batería, y nada más. El problema es que, si bien tienen algunas buenas ideas, y si bien esas ideas son puestas en práctica acertadamente, los tipos tienden a repetirse demasiado, al punto de sonar monótonos durante buena parte del disco. De hecho, y aun siendo que "Recoil" no es un disco extenso, a mi se me hizo largo. Considero que el aspecto introspectivo que le confieren a su obra me atrajo bastante, y que el hecho de haberlo grabado en la sala de ensayo le da al disco un aire de crudeza, improvisación y frescura interesante. Pero se repiten constantemente, las canciones parecen creadas a partir de un molde fijo, inamovible, y eso termina provocando cierto hastío en el oyente. Al menos en mi caso, para poder escribir esta review tuve que escucharlo varias veces al disco, y de manera separada: 4 tracks ahora, 5 más tarde, así cada vez que me dispuse a escucharlo. Repito, hay cosas para destacar aquí, en especial el formato que eligieron para llevar adelante su obra. Pero fallan en algo esencial: mantener al oyente atrapado de principio a fin. Quizás más adelante superen ese escollo, quizás no. Por el momento, esto es lo que encontré, esto es lo que les transmito a quienes leen esta review.

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Zé Pekeño - Abissal

Año: 2014

Sello: Autoproducido/Independiente

País de origen: España

Horror. Es la primera palabra que se me viene a la mente cuando escucho Noise. Tal vez sea un lugar común, pero es en lo que pienso, indefectiblemente. Es, también, en lo que pienso cuando escucho este disco de Zé Pekeño, proyecto encarado por Cesc Fortuny, quien, según leí, lleva editado 28 trabajos hasta la fecha. Este que hoy reseñamos, “Abissal”, es el último trabajo que ha realizado hasta el instante, si no me equivoco. Y le cabe a la perfección el término usado al comienzo de la reseña: Horror. Claro, es Noise, así que ahora todo cierra. Es Noise agobiante, morboso, cáustico y demoledor, carente de intenciones de belleza o de algún aporte melódico, tal como intentan hacer algunos. Cesc entiende que el Noise es lo opuesto a la música, que es una forma de expresión, y por ende, se transforma en lenguaje. El Noise es, literalmente, y aun siendo obvio, ruido, y como tal es una interferencia, un ataque, la necesidad de aturdir y no decir algo de manera convencional. Es el lenguaje del no-lenguaje, si se quiere. O sea, Zé Pekeño aturde y petrifica con sus demenciales torrentes de sonidos metálicos, brillosos y/u oxidados, según el instante, pero siempre oscuros y abismales. Esos sonidos se agolpan, se superponen, se continúan, a lo largo de los 31:55 minutos que dura la única pieza que conforma la placa. Casi 32 minutos de una muralla sonora que se desarma a pedazos, se erosionan las partes y se funden hasta volver a estallar y convertirse en la nada. Cuando eso sucede, el final del disco ha llegado. Y como suele suceder cuando uno se enfrenta a un disco de Noise (de éste tipo de Noise), tras el final es necesario tomarse unos minutos de paz, silenciar el ensordecedor caos que queda dentro de nuestras aturdidas mentes, para luego sumergirse en otro tipo de horror: el horror cotidiano. Ante ese tipo de horror, la obra de Zé Pekeño sirve como cuadro representativo.

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Victorian Bug - Era Prima (Selected Innards 2009-2013)

Año: 2013
Sello: Cheap & Pretentious Records
País de origen: España

Llevaba mucho tiempo pensando en hacer la review de este disco. Lamentablemente, un imbécil se llevó el disco "por una pequeña confusión" (me lo robó), mas terminó todo bien, pues recuperé el disco que M.D. Trello (aka Patuquitos) me envió tan amablemente. Eso sí, lo de amable se termina una vez que comienza a sonar esta hermosa enfermedad. Una enfermedad que ya comienza a resultar inquietante con la portada misma del álbum, y que termina por infectar todo a su alrededor apenas han pasado unos minutos del comienzo del disco. Un disco que, a su vez, posee una belleza oculta, que hay que buscar, pero que está inserta en medio de la montaña de sonidos aberrantes y no tan aberrantes. Industrial, Ambient, Noise, Drone, locura, oscuridad. Victorian Bug es un paseo por una galería de deformidades tales como las de la portada, pero que, si uno presta atención encuentra más de lo que se ve o escucha de entrada. es cuestión de no dejarse apabullar por el pandemonium de negrura y maldad que se abate sobre el oyente. Para colmo, el ataque es efectuado usando armas para nada convencionales, por lo tanto es necesario que el oído no entrenado se acomode previamente, o tras algunas oídas. No es mi problema, claro, pues yo amo escuchar este tipo de demencias sonoras tan poco convencionales.
Según leí, los 13 tracks que integran este álbum son creaciones que jamás habían visto la luz, si es que corresponde hablar de luz tratándose de algo tan oscuro. Si leí bien o no, no importa, realmente. O sea, si sos un hipster hincha pelotas que se la pasa acopiando datos innecesarios, allá vos. Yo me fijo en el contenido musical/sonoro de la obra, y en lo que me dice el mismo. Y lo que me dice este material es que quien creó esto, no está en la misma sintonía que las personas "normales" que pululan por allí. Todo lo contrario, M.D. Tello se sale del molde de lo tradicional, de lo normal, de lo común, y se sumerge en un mar de deformidades y demencia que lo inspira para crear esto que hoy les traemos. Ojo, que entre tanta negrura hay espacio para momentos de una belleza gigantesca, como en el track 9 llamado "A brothel of contortions, a cabin under the milky moon", una verdadera genialidad en clave Drone. Pero esa estupenda canción es tan sólo una muestra de todo lo que hay en este interesante, muy interesante disco. Recomendable para todo aquel que guste de los sonidos alejados de lo ortodoxo.

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