Boris with Merzbow - Gensho

Año: 2016
Sello: Relapse Records (USA, Canadá Y Europa) / Daymare Recordings (Japón. Edición limitada de 4 cds).
País de origen: Japón

No es la primera vez que estos monstruos de la experimentación realizan una colaboración entre ellos. Si mi memoria no me falla, es la sexta vez que sus caminos se cruzan para dar rienda suelta a los que ambas bandas saben y pueden hacer: manipular sonidos, jugar con las texturas, atrapar al oyente y ponerlo de rodillas. Cada uno con lo suyo, cada uno con sus herramientas. Por supuesto, el disco salió a través del sello idóneo para lanzar una obra de ésta envergadura: Relapse Records, meca de los sonidos extremos más vanguardista que éste servidor haya escuchado en los últimos 25 años.
"Gensho" tiene la particularidad de que se puede escuchar (y comprender) como una obra en conjunto -o sea, una colaboración dividida en dos partes: un disco por banda-, como un split doble, o bien, como obras separadas de cada banda, pero editadas en conjunto. Es que cada grupo hace lo suyo en un disco, siendo Boris quienes se hacen cargo del primer disco, y por consiguiente, Merzbow está en el disco 2. Vayamos con la obra de Boris.
Es bien sabido que el trío gusta de pasearse por diferentes matices y estructuras, pero manteniendo una personalidad bien definida y clara. Hagan lo que hagan, sea Drone, sea Noise o Dreampop (y hasta podemos agregar algo de Post Rock por ahí), el grupo integrado por Takeshi, Wata y Atsuo permanece inalterable en su esencia. Dicha esencia emerge de entrada, dejando en claro ya en las dos primeras canciones, cuáles son las líneas sonoras y compositivas que tienden a seguir estos japoneses. Comienzan con "Farewell", en donde las melodías vocales de neto corte onírico (aquí surge la influencia del Dreampop a todas luces) contrastan con la muralla sonora levantada por las guitarras y el bajo, todos afinados y ecualizados de la manera más grave y atronadora posible. Inmediatamente se tiran para el lado del Drone, con ése abrumador tema llamado "Huge". Y así continúan hasta el final, fluctuando entre una y otra faceta del estilo del grupo, con la calidad y profundidad acostumbradas.
Por cierto, el lado perteneciente a Boris no contiene baterías, y dicho material no es otra cosa que versiones sin batería de canciones que Boris ya habían grabado previamente, incluyendo entre dichas pistas una composición del genial Kevin Shield; me refiero a "Sometimes", de mis amados My Bloody Valentine.
Luego, en el disco dos, aparece el señor Masami Akita, más conocido como Merzbow. Lo suyo es lo que uno espera y desea de él: RUIDO. Así, sin rodeos, Merzbow se dedica a explorar los umbrales del terrorismo sonoro, montando un caos de texturas que oscilan entre los sonidos más agudos y desesperantes, con subgraves que, obviamente, subyacen ahí, bien debajo de todo.
Como siempre, lo de Merzbow es una tortura sonora constante, desarrollada con todo el odio y la locura habituales. Y no defrauda, nunca lo hace. Es que Akita juega con las texturas abordando el horror propio del Noise (o Harsh Noise), pero jugando con las formas de fondo, las cuales van mutando y conjugándose hasta convertir cada pista en un cúmulo de abominaciones que conviven y se unen hasta convertirse en un solo horror. A veces, y mientras escucho las tonalidades usadas en "Planet of the Cows", el track que abre el disco de Masami, pienso que este japonés toma cosas de los viajes sonoros de John Coltrane y los inserta en su mundo de ruido enfermizo. En otras palabras, MERZBOW.
Cabe acotar que cada disco tiene la misma duración, es decir que cada álbum dura casi una hora con quince minutos. Vale la pena, por cierto, adentrarse en el universo de cada uno de los grupos implicados en esta magnífica obra de arte. Que no es música para todo el mundo, a eso ya lo sabemos. Mas, para aquellos que realmente gusten de ambas bandas, les aconsejo no perder el tiempo. Tanto Boris como Merzbow, lo hicieron de nuevo.

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Boris
Merzbow
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Charun - Stige

Año: 2016
Sello: As Above So Below Records / Cave Canem DIY
País de origen: Italia

Desde hace unos días que vengo incursionando, luego de largo tiempo, en el mundo de los estilos musicales que llevan el prefijo Post. Ya sea Post-Metal, Post-Rock, y la lista sigue, estuve recuperando la memoria musical en dichos estilos, algunos de los cuales tenía abandonados. Nada del otro mundo, son cuestiones anímicas que se relacionan con aspectos cíclicos de la personalidad de cada individuo. Hoy tengo ganas de escuchar este tipo de música, así como ayer no tenía ganas de hacerlo por X motivos. La cosa es que desempolvé discos que tenía en la lista de material a reseñar, y entre esos discos me encontré con el álbum debut del cuarteto italiano Charun.
Esta banda, formada en 2013, y que cuenta con un Demo llamado "De Ortu Solis", aborda ése estilo conocido como Post-Rock, pero desde una perspectiva que los liga más al Metal, sobre todo en algunos aspectos de índole sonora y rítmica. No llegan a ser un grupo de Metal en ningún momento, pero se me hace evidente que se trata de músicos con raigambre metalera, incursionando en el mundo del Post-Rock. Y no lo hacen mal, a decir verdad, aunque algo les falta.
El cuarteto de Sardinia suena muy ajustado, la prolijidad es evidente a cada paso y eso les ayuda a crear atmósferas bien logradas, un aspecto esencial en éste tipo de música. Pero, les falta soltarse en la faz compositiva, hay un grado de contención que impide que la música provoque en el oyente (en éste caso, en mí) esa sensación de evasión existencial con el mundo, ése estado de viaje mental relajado y tenso a la vez, dotado de una profundidad dramática que emociona. Eso es lo que habitualmente busco en el Post-Rock (y en en Post-Metal también), y es, justamente, lo que más les falta a los italianos de Charun.
Lo que sí logran es crear composiciones amenas y fáciles de escuchar y digerir. Las estructuras están bien manejadas, y la incorporación de características rítmicas que los posicionan cerca del Doom Metal, le da al grupo la chance de abrir el espectro creativo, no quedarse solamente dentro del Post-Rock. Si bien la producción es un poco opaca y no ayuda a que la expresividad del grupo se aprecie en toda su dimensión (además de potenciar esa falta de profundidad a la cual hice mención), lo concreto es que se las ingeniaron para crear 5 pistas agradables para el oído. Dentro de esas 5 canciones, destaco a "De Brevitate Vitae" como mi gran favorita, por su clara similitud con el Pink Floyd de fines de los 60's/principios de los 70's.
Por cierto, y ya que olvidé mencionarlo, Charun es un cuarteto que se dedica a hacer música exclusivamente instrumental, detalle que puede serle útil a más de uno a la hora de elegir escucharlos o no. A mí, en lo personal, la música de Charun me agrada. No me parecen una banda alucinante ni mucho menos, pero tienen sus virtudes.

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Hyponic - 前行者

Año: 2016
Sello: Weird Truth Productions
País de origen: Hong Kong

Tercer y fascinante disco de esta banda de Hong Kong, cuyos orígenes se encuentran en el Doom/Death, siendo para éste álbum que la banda optó por potenciar un cambio que ya habían insinuado, pero que aquí es rotundo. Hoy, Hyponic es una banda que muestra varios matices confluyendo en una misma dirección, tomando cosas del Post Rock, Post Metal, Drone y hasta Funeral Doom, matizando todo con acordes etéreos de ribetes psicodélicos emergiendo en lugares puntuales.
Dije que estamos ante el tercer disco, mas, no dije que el mismo llega a nosotros tras 20 años de carrera sobre sus espaldas. No, no son muy prolíficos, pero sí muy creativos, y con eso, creo yo, compensan. Los 34 minutos condensados en 6 composiciones mesmerizantes, exigen al oyente una concentración full time con el fin de adentrarse por completo en el mundo profundo, oscuro y onírico que crean estos tipos en esta obra. Y también requiere de un tiempo de enfoque en la realidad, de regreso a la misma, tras haber terminado el álbum.
Hay quienes los comparan con Funeral Moth, pero yo creo que acá hay otros aspectos que juegan un rol preponderante, y que terminan haciendo que Hyponic sean una entidad digna de ser conocida y reconocida por lo que es, y no por su parecido o no con tal o cual banda. Es más, hay cosas que pueden recordar a Earth, a Boris, a Sunn O))), y principalmente a Esoteric, sobre todo en la manía por usar los sonidos cósmicos que envuelven a cada composición, como herramienta de hipnosis, como si estuvieran buscando hundir al oyente en un estado narcótico/onírico extasiante y desesperante en igual medida.
Fabuloso manejo del crescendo, provocando de esta manera que el disco merezca ser escuchado en su totalidad, de un tirón y en el orden correspondiente, sin saltearse ni alterar nada. "前行者" está hecho como una película en donde los sonidos son el lenguaje que relata una historia de ambientes oscuros, melancolía y viajes mentales varios por los rincones más recónditos de la mente humana, como así también una necesidad de conocer nuevos mundos y estados a través de la posibilidad de alterar los más complejos estados de la mente.
No me pidan que elija una canción por sobre otra, pues, como ya dije, el tercer opus de Hyponic es una obra completa, no se la puede diseccionar. Mejor, háganme caso, pongan play y escuchen sin prejuicios, libremente, los 6 tracks que conforman la placa, sin poner pausa ni nada; esta clase de discos son una experiencia en sí, y las experiencias como éstas demandan ser vividas tal como son relatadas.

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VLY - I / (Time)

Año: 2015
Sello: Laser's Edge
País de origen; Internacional

Apenas vi los nombres de los implicados en este grupo, tuve la certeza de que éste disco iba a gustarme. Suelo equivocarme cuando hago este tipo de apreciaciones supuestamente ligadas a una futurología pedorrísima; mas, en éste caso, le dí justo en la cabeza del clavo. O sea, sí, el disco de VLY me gusta, no hay que dar tantas vueltas.
El tema es ¿por qué yo suponía que dicho álbum iba a ser de mi agrado? Porque los músicos que participan aquí suelen ser una garantía en esto de hacer buena música, así de simple. Veamos: Keith Gladyz, un cantante con un timbre de voz muy personal (fino, algo suave y nasal, pero sumamente armonioso), proviene de Diet Kong. A Karl Demata lo deben conocer todos los fans de esa fabulosa banda llamada Crippled Black Phoenix, ya que Demata tocó allí; acá se encarga de la guitarra, teclados y la programación. El bajista Chris Heilmann también tocó en Crippled Black Phoenix. Elisa Montaldo se hace cargo del teclado y la programación de sintetizadores, y también hace lo suyo en un grupo llamado Il Tempio Delle Clessidre. Por último, pero no por eso menos importante, está el baterista/tecladista Mattias Olsson (a quien pueden escuchar en White Willow, entre otras bandas). Todos músicos talentosos, refinados y llenos de ideas. Ya han sobradas muestras de ello, por lo que era de esperar que aquí hicieran lo mismo.
¿Lo hicieron? Sí, aunque sin llegar a crear un disco excelente, acá no hay esa exuberante cantidad de emociones a flor de piel, esas sensaciones tan profundas convertidas en canciones inolvidables, algo que sí podemos encontrar en Crippled Black Phoenix, por ejemplo. Sin embargo, hay buena música, interpretaciones entre delicadas e intensas (no exageradamente intensas, pero sí hay una cuota de energía importante que fluye en los momentos exactos), y pasajes de una expresividad elocuente, demostrando cuán bien dominan el lenguaje musical.
Pink Floyd es la influencia más clara, pero no se encierran en eso y sacan a relucir un bagaje compositivo nada despreciable, paseando al oyente por partes y canciones en las que hay pinceladas de Post-Rock, muchos elementos Progresivos, algo de Rock (escaso, pero lo hay) y mucho Pop intimista, además de algún retazo electrónico insertado por allí, y un espíritu Indie que vive plácidamente dentro del estilo del grupo.
El sonido apunta a resaltar delicadamente cada nota, pulso, ritmo y entonación, con una fidelidad digna de las bandas progresivas que gustan de poner al oyente en un estado de cercanía íntima con la obra del grupo. Y lo consiguen en todo momento, forjando un aire de calidez intimista que les queda perfecto.
No todo el disco alcanza los picos creativos que sí alcanzan en piezas como "Hypnotic", "Message in the Water" o "Perfect Place", pero sí logran que todo el disco sea coherente y atractivo, no dejando espacio alguno para los altibajos. Es decir, "I / (Time)" es un disco ameno, creíble, placentero. ¿Acaso alguien puede negarse a disfrutar de un disco lleno de sensibilidad y buen gusto? Vamos, que he visto a muchos duros aflojar mientras suenan canciones como las que aquí nos regalan estos excelsos músicos. En resumen, estamos ante un disco muy agradable, hecho para ser disfrutado en calma y sin prejuicios.

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Omertà - Crown of Seven

Año: 2015
Sello: Independiente
País de origen: Letonia

Letonia posee una de las mejores escenas Industriales del mundo hoy. La música Industrial que se hace en dicho país posee una impronta y un encanto único, llevando a dicho estilo hacia nuevos horizontes, pero sin perder de vista la esencia del estilo. Omertà no es un grupo de Música Industrial, están bien lejos de eso. En todo caso, lo suyo es un compendio de géneros y subgéneros rockeros, pero encarados desde una perspectiva entre modernista y retro a la vez (aunque, pensándolo bien, lo moderno de hoy es exageradamente retro). Incluso, hay algo más que rock acá, pues hay pasajes que tienen una clara tendencia Post-Rock, estilo que desde su nombre nos indica que NO es Rock. Pero abandonemos todas estas volteretas que estoy dando, que la idea es reseñar a este trío de Letonia, y no divagar acerca de tal escena o aquel estilo musical.
El trío de Riga, Letonia, oscila entre el Stoner, el Rock de tendencias pesadas (llámenlo Hard Rock o Heavy Metal, ambas etiquetas se acomodan a la realidad del grupo en determinados momentos), Post-Rock y varios arreglos de corte progresivo. Por cierto, hay un detalle más importante aun que las etiquetas, y es que Omertà es un grupo enteramente instrumental. Cero voces, ni siquiera de casualidad aparece un coro/estribillo/estrofa o lo que sea. Y ese detalle les termina jugando en contra en algunos pasajes. Es que los letones son buenos instrumentistas, y cada tanto tiran ideas piolas, pero no les alcanza como para darle al disco la continuidad y calidad necesaria. En otras palabras, se quedan a mitad de camino, insinúan más de lo que concretan. No es algo nuevo ni alarmante, le sucede a la mayoría de las bandas que se meten en el mismo lodazal.
Por suerte, estos muchachos usan duraciones más o menos convencionales para desarrollar su música: entre los 4 y los 6 minutos como promedio. Así y todo, algunas canciones se me hacen bastante largas, sobre todo porque no soy afecto a escuchar este tipo de música, sinceramente. Sin embargo, así como hay partes (o canciones) que no me llegan ni a la fuerza, hay arreglos inteligentes, interpretaciones más que correctas, y una producción acorde a la propuesta del grupo: clara, muscular y combinando cosas retro con aspectos sonoros más modernos.
Hay cosas mejores allí afuera, al menos para mí las hay. Pero no dudo en recomendarle este disco a quienes disfrutan de este tipo de bandas. Quienes siguen a bandas como Karma to Burn, o en su defecto, a las bandas más progresivas del Stoner, y sobre todo, aquellos que gustan de las bandas instrumentales, lo van a saber apreciar.

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The Gentle Art of Cooking People - O

Año: 2016
Sello: Unquiet Records
País de origen: Polonia

Un intenso colectivo musical de Krakow, Polonia. Así los describe la gacetilla de prensa, en la cual también se habla de Post Rock Psicodélico, ecleticismo y alucinaciones. Hay un poco de todo esto, pero me parece que hay un poco de exageración también. La música de este grupo es bastante agradable, pero no provoca alucinaciones de ninguna índole. De hecho, suenan bastante digeribles y contenidos, en comparación con otras bandas que sí abordan la psicodelia de manera mucho más profunda. En todo caso, lo de este combo instrumental podría entrar dentro de esa nueva categoría conocida como Heavy Psych, que no es otra cosa que una mezcla entre Stoner y Post Rock, pero que suele inclinarse para el lado de lo instrumental, tal como éste grupo de muy buen nombre (El gentil arte de cocinar gente).
"O" es un disco que comienza muy bien ("King Tukan II" es lo más logrado del disco, lejos), con armonías seductoras y ritmos acompasados que flotan sobre un sonido intenso pero no abrumador. Luego vienen 3 tracks más (el álbum consta de 4 tracks en total), pero ninguno logra despegar del piso, y creo que ahí hay una falla. La música de estos polacos no cansa, no desagrada jamás, es amena en todo momento, pero le falta locura, le falta esa audacia que uno espera de una banda que usa el término Psicodelia para autodefinirse. Veamos, esto suena bastante sencillo de explicar: lo que esta banda hace, ya fue hecho por otras bandas que practican el mismo estilo. Lo bueno de The Gentle Art...es que lo hacen con dignidad y aportando algunas buenas ideas a la causa.
Despiertan curiosidad a través de esa cosa tan relajada, pero intensa a la vez, que los caracteriza, tienen un buen gusto innato al momento de elegir qué y cómo tocar. Pero se mantienen siempre dentro de un marco de cordura que no es aconsejable. O sea, para resumir, sería bueno que dejen la relajación un poco de lado y se entreguen a la experimentación más alocada, sin temor al perder el rumbo. Son instrumentistas capaces, componen canciones interesantes, no suenan nada mal. Les falta perder la cordura, solamente eso. Como si fuera poco lo que les estoy pidiendo ¿no?.

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IZŌ - Idem

Año: 2016
Sello. Acid Cosmonaut Records
País de origen: Italia

Mucho tiempo sin reseñar algo que pueda ser incluido dentro de ese género llamado Post Metal, o bien, y en su defecto, Post Rock. IZO viene a cortar esa sequía, y viene traído por un sello que llevaba mucho tiempo sin aportar algo para ser reseñado en nuestro blog: Acid Cosmonaut Records, de Italia también. Como todo lo que viene de ese sello, tiene el toque Stoner/Doom implícito en todo momento, algo que es aplicable a IZO, claro está.
Instrumental, introspectivo, oscuro y ameno a la vez, este disco autotitulado posee una calma post-apocalíptica que relaja e inquieta a la vez. Una tensa calma que se ve, ocasionalmente, interrumpida por arrebatos de pesadez, aunque esta nunca llega a ser sofocante. En todo caso, está puesta en su justa medida, como lo es todo el disco: equilibrado. Estamos ante un trabajo bien balanceado, un disco en el que todo está tratado de forma cuidada y sensible, la misma sensibilidad que transmiten las canciones. Y cuando hablo de sensibilidad no lo hago para hacer referencia a algo de corte Emo ni nada similar; lo hago para referirme a la calidez, a la profundidad en lo expresado, en la sensibilidad de los músicos de la banda para dar en el clavo en cuanto a lo que se busca transmitir.
¿Podría decir, entonces, que estamos ante un gran disco? Mi opinión no es tan favorable, simplemente digo que es un disco muy agradable, bien tocado y bien grabado. Hay momentos en donde la calidad sube notablemente ("Hikikomori" y "Kikusai" a la cabeza), mas, hay momentos muy agradables en todo el disco, a decir verdad. "IZO" es un disco que inspira al oyente a tomarse su tiempo para recorrerlo de principio a fin, a entenderlo y a apreciarlo. Habrá quienes lo amen, habrá quienes lo odien. Yo, desde mi humilde lugar, me limito a disfrutarlo de manera equilibrada, sin enloquecer, pero sacando provecho de cada audición y poniendo énfasis en los detalles más destacables. Tal como estoy haciendo ahora mismo.

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Nionde Plågan - Frustation

Año: 2015
Sello: Upwind Records
País de origen: Suecia

Upwind Records es un sello oriundo de Bari, al sur de Italia. Es un sello del tipo DIY y, por lo que veo, se están moviendo intensamente, difundiendo el material editado (bandas como Folgore, Carnero, PASTEL, y quienes hoy nos ocupan, entre otros) a través de e-mails y su cuenta en Bandcamp. Lo primero que me toca reseñar de este sello (o enviado por ellos, pues tiempo atrás había hecho la reseña del split que lanzaron entre PASTEL y Merridew) es el disco de esta banda sueca que fusiona Screamo, Neocrust y Post-Rock, con predominancia del primero. Con el Screamo tengo una relación de amor-odio, según la banda que me toque enfrentar; o sea, hay bandas que me gustan y otras que apestan. El Neocrust es un estilo con el cual me siento mucho más cómodo, algo obvio si entendemos que mis raíces están en el Crust y que el Neocrust es una evolución del mismo. Con el Post Rock tuve mi idilio hace como 13 años atrás, y sigue siendo un estilo en el cual aun encuentro cosas muy agradables. Entonces ¿qué provoca en mí este grupo sueco con su mezcla? Sensaciones diversas, opuestas.
Por un lado, el tipo de Screamo que practican estos Nionde Plågan no es del que suelo escuchar (ocasionalmente). Demasiado meloso y cargado de esa angustia sobreactuada que me pone los nervios tensos, como si mi tolerancia llegase a su límite por culpa de este tipo de música. El aspecto Neocrust es muy acotado, aparece en momentos puntuales y lo hace para aportar intensidad, pero no pasa de ahí. Más hay de Post Rock, estilo que emerge en los momentos justos para hacer que la música de la banda se enriquezca y crezca en melancolía y buen gusto. Pero, en líneas generales, "Frustation" es un disco con el cual me cuesta engancharme. En todo caso, es un álbum que pudo atender y disfrutar de a ratos, mientras que en otros momentos siento que el aburrimiento me gana. Eso por no contar que la actitud del grupo no entra dentro de mi universo, o mejor dicho, no es bien aceptada por quien esto escribe. Ya saben, esa cosa dramática y sensible hasta la exasperación no es lo mío. Igual, son muy buenos intérpretes y tienen algunas canciones muy logradas, tal es el caso de "Oändligt" y "Vän, I Förödelsens Stund", dos canciones que condensan lo mejor y más variado del repertorio de Nionde Plågan.
Si te gustan estos tres estilos y querés escuchar algo que una a los mismos, no en cantidades iguales, pero sí con dosis bien manejadas de cada uno, pues dale para adelante con esto. Yo, en lo personal, no puedo identificarme con este tipo de bandas, aunque intento aceptarlos, aunque los respete, esto no es lo mío.

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All We Expected / Raum Kingdom - Split

Año: 2015
Sello: Independiente
País de origen: Bélgica e Irlanda, respectivamente.

Pesadez cuando hay que recurrir a la misma, delicadeza cuando hay que usarla. Este split contiene ambas cualidades y, lo que es más interesante aun, son características puestas en uso por gente que parece tener bastante en claro cómo hacer uso de dichas herramientas.
El split comienza con los belgas de All We Expected y su Post Rock de alto nivel emotivo. Les gusta tanto flotar como pisar tierra firme, pero nunca se asientan con intensidad, nunca se basan del todo en la fuerza, aunque recurren a ella en muchas partes. Lo que más les cabe es flotar, volar parsimoniosamente para luego explotar en instantes puntuales. Los podría comparar con Pelican o Red Sparowes, por dar dos nombres conocidos por todos y que sirven de guía para el oyente que aun no tuvo la chance de escuchar a All We Expected.
Por supuesto, este grupo presenta su música de manera completamente instrumental, por lo que el tratamiento de las atmósferas, el manejo de las armonías y de los ritmos cobra un rol fundamental para que la música del grupo no decaiga y resulte interesante de principio a fin. ¿Lo logran? Sí, aunque no logran apabullar al oyente con emociones y sensaciones profundas (o al menos a mí no me pasa), pero acertando de forma inteligente en la forma de presentar su propuesta.
Lo de Raum Kingdom es más duro, pero igual de atmosférico. También se mueven en el submundo de los estilos con prefijo Post (en este caso, Post Metal), pero agregan una etiqueta muy en boga hoy en día: Sludge. El resultado de la mezcla es tan cautivante como intrigante, pues logran generar un aura misteriosa que permite que las 2 canciones aportadas por los irlandeses pongan al oyente en un clima tan opresivo como etéreo. Hacen lo suyo con soltura, aprovechan las extensas duraciones de las canciones para darle a cada canción el tratamiento que estas requieren y, aunque no llegan ser ser una gran banda, tienen un encanto innegable.
Si bien hay similitudes palpables entre los estilos de ambos grupos, más fuertes son las diferencias entre ambas bandas. Y ahí, justamente, reside lo mejor del disco: bandas con estilos conectados en lugares puntuales, pero diferentes en aspectos fáciles de reconocer. Como resultado obtienen un split que no califica para estar entre lo mejor del año, pero que no cansa, que transmite mucha honestidad y que me permite conocer a 2 bandas a las cuales voy a empezar a tener más en cuenta.

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~Sea Of Disorder~ - Merging Land and Sky

Año: 2015
Sello: Talheim Records
País de origen: Austria

Segundo disco de este dúo procedente de Salzburgo, Austria. Nuevamente, van por la senda del Post Rock y el Post Metal con toques de Doom Metal introducidos de manera ocasional. Segundo disco en el cual confirman el estilo del grupo, basado en atmósferas etéreas, sonidos que oscilan entre lo pesado y lo sofisticado, y ritmos más bien lentos y fluidos que tienden a simular el movimiento de aguas calmas que parecen volverse turbulentas por instantes.
Melancólicos y con tendencias a crear melodías de ensueño, Robert Czeko y Christian Hubmann prefieren tomar al oyente como un espectador que se sienta en su sillón y presencia el cúmulo de imágenes que la banda dibuja con su música, dándole a dichas imágenes movimiento cinematográfico. Y, básicamente, la música de ~Sea Of Disorder~ es como un relato, una historia que se relata a través de composiciones que poseen un hilo conductor, que son creadas en base a moldes predefinidos que permiten que haya una clara conexión entre todas y cada una de ellas. Lo hacen bien a esto último, entiende por dónde hay que ir para llegar a donde quieren llegar. Saben rodearse de buenos colegas también, pues los invitados aportan lo suyo en pos del enriquecimiento de la obra y no con miras al lucimiento personal. De hecho, esta banda está lejos de inclinarse por el lucimiento egocéntrico, acá prevalece la música usada como un lenguaje. "Ghost of Yesterday" y "1953" son claros ejemplos de esto último.
Sin embargo, fallan en algo: el sonido. Demasiado prístino, llega ser descarnado en el sentido de carecer de musculatura, carece de fibra, de fuerza. Suena flaco, y ahí pierden algunos puntos estos austríacos. Es decir, "Merging..." es un disco interesante, agradable; pero sería mucho mejor si hubieran dotado al álbum de un sonido acorde al estilo del grupo. Por suerte, Robert y Christian compensan con un puñado de ideas bien empleadas, creando así un disco que se deja escuchar de principio a fin sin problema alguno. Podría ser mejor de lo que es, de eso no tengo dudas. Pero tampoco es para rasgarse las vestiduras, pues el resultado global y final es realmente agradable.

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Sisters Of...- The Serpent, The Angel & The Adversary

Año: 2015
Sello: Crowquill Records
País de origen: USA

La portada provoca sensaciones de calma, introspección, belleza. Pero, a su vez, en el cielo se ven nubes que, según como las vea uno, pueden resultar amenazantes, o símbolo de una oscuridad inminente. El título del disco hacen pensar en Satán. Ya saben, La Serpiente, El Ángel y El Adversario son términos que son usados de manera bíblica para hacer alusión al Ángel Caído, al Diablo. Claro, estoy hablando de las ideas y sensaciones que a mi me provoca este disco, el primer full lenght de este dúo proveniente de Missouri, el segundo trabajo si contamos su anterior obra, un EP llamado "Follow Me As A Ghost", del año 2013. ¿Y la música? ¿Qué decir de la música en sí misma? Vamos por partes, que así se hace más fácil. Sisters Of...es un dúo integrado por Chris Clark, (ex Blackpool Lights) y el multi-instrumentista Aaron Cocker, un tipo sumamente talentoso, a quien muchos deben conocer por su pasado en Appleseed Cast. Bien, este último es el padre de la criatura, mas Clark aporta lo suyo, claro que sí. ¿Y qué hacen? Pues, teniendo en cuenta el currículum de los implicados en el asunto (en especial, el background de Cocker), hay que decir que la cosa suena a cruza entre el Post Metal, el Post Rock, algún arreglo en la vena del Stoner, y hasta algún patrón rítmico intrincado a la Tool.
Pesados, pero sin que esto conspire contra el importante grado de sofisticación que hay en la música del grupo. Atmosféricos, pero sin que esto implique dejar de lado la contundencia, esa cosa terrenal que algunos pierden de vista por privilegiar las atmósferas. Variados, pero con una personalidad bien definida. Sisters Of...tienen talento, saben qué quieren y van por ello. Quizá les falte mayor profundidad en los matices, pues, al ser un disco mayoritariamente instrumental (solamente en "The Serpent" hay voces), hacer uso de una mayor cantidad de arreglos y variaciones ayudaría a que las canciones no se hagan largas, como sucede en momentos puntuales del disco. Pero los tipos saben, y eso sale a la luz en gemas como la ya mencionada "The Serpent" (lo más duro y contundente del disco), "Annabelle" y su formato netamente Post Metal, con un in crescendo muy bien manejado, y la bella calma lograda en "Annaliese" (Post Rock de calidad). Al resto del disco se lo puede calificar de muy agradable, pero falto del vuelo creativo alcanzado en estas 3 (muy) buenas canciones.
"The Serpent, The Angel, The Adversary" tiene un encanto particular. No le sobra nada, pero posee un aura que contiene en sí misma luz y oscuridad. Y les queda bien moverse entre sombras y luces a Cocker y Clark. Se nota que esto es lo que les gusta, esto es lo que quisieron hacer. Dista de ser un gran disco, pero es sumamente agradable lo que han hecho estos muchachos.

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A Light Within - Body Matter

Año: 2015
Sello: Static Tension Recordings
País de origen: USA

Un disco que no esperaba, pues no estaba al tanto de su lanzamiento, y no esperaba que una banda como A Light Within me fuera ofrecida para hacer una reseña. Pero aquí estoy, escribiendo acerca de un grupo que no encaja con la mayoría de los estilos musicales que abordamos en este blog, pero que sí encaja con lo que es el blog. Y, a fin de cuentas, eso es lo importante. Pero ¿por qué digo que A Light Within no entra en las categorías que habitualmente cubrimos en el blog? La respuesta es esta: A Light Within suena a cruza entre Deftones, Katatonia y The Cure, con aires de Post Metal sofisticado introduciéndose en contados momentos, y una faceta cercana al Post Rock que les insufla bríos etéreos.
"Body Matter" es un EP agradable, pero no confortante. ¿Cómo es esto? Las melodías son preciosas, profundas, llenas de melancolía y buen gusto. Pero no permiten que el oyente se ponga cómodo, pues hay un aura sombría revoloteando constantemente en todo el disco, y que tiene a Kyle Brandt, vocalista, como principal responsable. Torturado, pero melódico y talentoso, Brandt es la llave que nos abre la puerta al mundo de un grupo que usa la agresividad de una manera sutil, nunca directa. Es como si eligieran agredir al oyente a través de las emociones y de cuestiones más abstractas, antes que la violencia física. Así es este trabajo, oscuro y elegante, volado y terrenal a la vez. Las guitarras hilvanas armonías que pueden producir imágenes de ensueño, pero que también resultan ser tangibles, reales. La base se mueve con fluidez, y no descuida ningún aspecto inherente al estilo del grupo, aportando lo justo y necesario. El disco en sí, es un compendio de elecciones inteligentes por parte de los músicos, pero cargadas de sensibilidad, de emotividad. Me gustaría escuchar un disco full de la banda oriunda de Kansas, pues este EP me deja con gusto a poco. Sin embargo, el breve tiempo que la banda usa para expresarse, es aprovechado al máximo. Y sería bueno que ustedes aprovechen la chance de escucharlos, y de exprimir al máximo lo que expresan estos muchachos a través de su muy agradable música.

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Spiralism - Chakras

Año: 2015
Sello: Inverse Records
País de origen: Finlandia

Un viaje, eso es este disco, un viaje. Un viaje por el espacio exterior, sí. Pero también es un viaje por distintos y remotos lugares de un planeta maltratado y desperdiciado, pero que aun conserva su infinita belleza. Spiralism parecen haber captado con sus propios ojos, y decodificado con sus mentes, la belleza alejada de los ojos insensatos que sólo encuentran belleza en el consumismo. Este disco contiene paisajes expresados a través de la música, y esos paisajes están tan lejos del hombre, que parecen inexistentes. Pero se hacen reales a través de canciones preciosas, profundas, y cuando es necesario, sumamente pesadas. Ponen la piel en juego de entrada, con esa exquisita demostración de talento llamada "Drowning High", con atmósferas y solo a lo Pink Floyd, con todo lo que eso significa. A partir de ahí, comienzan a desandar un camino plagado de contrastes, colores, ideas que desnudan una necesidad imperiosa por encontrar inspiración en algo que está más allá de la comprensión humana vulgar, y los elementos naturales fundiéndose entre sí constantemente. Psicodelia? Sí. Post Metal? También? Sludge? Post Rock? Stoner? Sí, todo eso y más. Espiritualidad, por sobre todas las cosa,s espiritualidad, tal como reza el nombre del grupo. Y ahí tenemos algo que no podemos obviar: esa espiritualidad se traduce en canciones, y con eso les alcanza para alejarse del sinfín de grupos que buscan inspiración en lo cotidiano, en lo que está al alcance. Spiralism buscan dentro suyo, sí, pero ven más allá y se enfocan, clavan sus miradas en lo inmaterial y lo materializan.
Un disco tan pesado como lleno de paz ¿cuántos pueden lograr eso? No lo sé, pero estoy seguro de que no son muchos. Estos finlandeses demuestran que ellos sí pueden, y aquí está la prueba: "Chakras", un disco para sentarse, cerrar los ojos, y volar. Disfrútenlo.

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Entheogen - Moons Of Jupiter

Año: 2013
Sello: DRUŠTVO JUPITER
País de origen: Eslovenia

Disco para nada sencillo de asimilar a primera oída. "Moons of Jupiter" es una mixtura que por momentos encuentra su rumbo con exactitud, pero que por otros se pierde en la intrascendencia. De cualquier manera, voy a trata de explicar esto que dije antes, pues estamos ante un disco con pasajes realmente interesantes, fruto de una búsqueda sonora/compositiva que, en caso de evolucionar de manera correcta, va a dar resultados realmente valiosos. Pero hoy, ahora, lo que tenemos es un disco con altibajos, con un interesante manejo de las atmósferas, complejo de una manera particular (las estructuras no son tan complejas como, por ejemplo, las que usan las bandas de Rock Progresivo, pero hay un acercamiento a ese tipo de estructuras). En su mayoría, "Moons Of Jupiter" es un disco instrumental que se apoya en arreglos que se repiten a lo largo de la canción, con la incorporación de arreglos percusivos, ingreso de melodías que se acoplan a las ya existentes, y sonidos que ayudan a generar una sensación de in crescendo. Todo muy galáctico, obviamente, y ahí hay una virtud: la capacidad de estos tipos para provocar en la mente del oyente imágenes que permiten imaginar el espacio exterior e incursiones en el mismo. Pero también hay un defecto: por instantes aburren un poco, pues se obsesionan con  determinadas ideas y las repiten en exceso. Lo mejor del grupo llega cuando sacan su formato más progresivo, cuando apelan a la complejidad, como en el caso de "Jupiter", con un riff ganchero a más no poder, o mi favorita "Callisto", en donde se asemejan a una de mis bandas favoritas de toda la vida: Voivod (además de ser una canción cantada, con una muy buena línea vocal, y diferente a todas las otras). El resto del disco fluctúa entre lo interesante y la búsqueda de ideas y sonidos, aunque no siempre encuentran lo que parecen estar buscando. Pero eso no es problema, pues "Moons of Jupiter" es un disco que se deja escuchar sin inconvenientes, siempre y cuando tengas ganas de escuchar un mix entre Stoner, Math, Sludge y Post-Rock. Si te gustan todos esos estilos, y buscas algo que encaje dentro de ese marco, este álbum te puede resultar muy atractivo.
Por cierto, por si estás interesado en comprarlo, este disco se consigue en formato digital, CD y DVD.

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Fleshworld/Gazers/Viscera/// - Split

Año: 2014

Sello: Unquiet Records (en colaboración con Sell Your Soul Records)

Países de origen: Polonia (Fleshworld), Francia (Gazers), Italia (Viscera///)

Tres bandas europeas, de 3 países distintos, haciendo cosas similares pero diferentes entre sí, aunque suena incoherente. Es que los 3 grupos coinciden en determinados aspectos de sus propuestas, aun siendo que cada uno tiene su estilo. Por ejemplo, los polacos de Fleshworld tienen una tendencia entre nihilista y depresiva, siempre oscuros, que puede irse hacia el lado del Post Metal, o bien del Sludge, siempre crudos y agresivos, incluyendo algún toque Hardcore por aquí y por allá, pero nunca saliendo de ese halo oscuro y negativo del cual hacen ostentación. Buen material el de ellos. Gazers son, claramente, un grupo de Post Hardcore.. Si bien hay cierta conexión sonora con sus antecesores, lo de los franceses ofrece matices más melódicos, proporcionando atmósferas de índole contemplativa y algo relajada dentro de un marco más bien agresivo. El splits continúa, y cierra, con los italianos de Viscera///, grupo que oscila entre el Sludge, mucho de Metal Psicodélico y toques de Post Metal, todo muy moderno y colgado, pero no por eso carente de fuerza.

Estamos ante un splits que, al menos en mi caso, me ha permitido adentrarme en el mundo de 3 bandas que desconocía, y que me han causado una buena sensación. Quizá sea Gazers el grupo que menos me llamó la atención, aunque lo de ellos tiene buenos momentos. En cambio Fleshworld y Viscera/// me llegaron más debido a la agresividad que encontré en ambos. Tampoco es que sean bandas de Metal y/o Hardcore Extremo, pero se acercan más a la clase de bandas que me gustan a mi. En resumen, buen split para conocer 3 grupos realmente interesantes, nuevos y prometedores.

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Monje de Fuego - Sol Rictus

Año: 2009
Sello: Autoproducido/Independiente
País de origen: Argentina

Con uno de los pibes (Juanlón) nos fuimos tirando la pelota para hacer esta review. La razón? Ninguno de los 2 le agarraba la mano a la música del grupo. Debatimos, ambos llegamos a la conclusión de que Monje de Fuego nos gusta, que lo que hace este singular artista es realmente interesante; pero a ninguno se le ocurría qué carajo escribir. Bien, soy el creador y responsable del blog, así que me decidí a tomar el toro por las astas y ponerme a escribir. Aun no sé si le agarré la mano a esta banda, sinceramente. Pero me sigue gustando, eso sí. Me gusta de una manera misteriosa, para nada convencional y hasta desafiante, si se quiere. Es que si bien esto puede llevar la etiqueta de Doom Metal, no es justamente Doom Metal. Hay cierta búsqueda musical que deviene de la poesía, de lugares como el Romanticismo y el Surrealismo, y que le confieren a las composiciones un aura extraña que no acepta moldes fáciles. Aplaudo eso, más allá de no ser lo que yo acostumbro a escuchar, y precisamente es eso algo que me agrada: esa cosa de no ir por donde la mayoría va. Es así: lo tomas o lo dejas. Si buscas Doom convencional, no lo vas a encontrar. Ahora bien, si lo buscas mixturado con Gothic, Darkwave, Ambient y ese tipo de estilos, entonces vas bien encaminado, porque por ahí van los tiros. No es eso sea exactamente lo que Monje de Fuego hace, pero hay una aproximación a todo eso...y a nada a la vez.
"Los Sueños de Anu" y "La Tormenta" son los puntos más cautivantes para quien esto escribe, porque encontré en ellos atmósferas hipnóticas que provocan en mi un efecto diferente al que me provocan el resto de las composiciones. Aunque eso es tan sólo una apreciación vaga, y asquerosamente subjetiva, creo que es lo que este disco, y esta banda han despertado en mi: pensamientos que no se sostienen muy bien por sí solos, y una sensación de que acá no hay objetividad que valga...creo. En fin, lo que importa es que el disco aporta algo diferente a lo que acostumbramos a escuchar aquí, por parte de las bandas argentinas. Eso no es poco, y de hecho, es altamente elogiable.

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Cloud Taste Satanic - To Sleep Beyond The Earth

Año: 2014
Sello: Kinda Like Music
País de origen: USA

Clouds Taste Satanic es una agrupación estadounidense, oriunda de Nueva York, formada hace poco, son un cuarteto y lo que hacen realmente no tiene tintes grises: O te gusta o lo dejas de escuchar a los 10 minutos, si es que le das tanto tiempo. A la hora de hablar de bandas instrumentales, varias vienen a mi mente, al menos dentro de este aspecto musical, EARTH, PELICAN y en mucho mayor medida BONGRIPPER, quizas con esta ultima sea con la banda que mas afinidad tiene, a la hora de comparar lo que hacen CLOUDS TASTE SATANIC: Doom instrumental con muchas resonancias de Sludge, algún que otro toque Stoner, y quizás algo de Post rock pero en una medida menor, y realmente con muy buen gusto. Las bandas instrumentales creo que tienen que transmitir algo Si o Si, no creo en estas bandas como para poner de fondo y dejarlas al estilo "música funcional". Los paisajes que exploran estos muchachos van volviéndose cada vez mas densos, hasta el hartazgo, pero siempre con un resultado favorable. Dos temas simplemente, divididos en dos partes cada uno. La duración total es mas que destacable, un poco mas de 40 minutos. Melodías y densidad por igual medida hacen del primer disco, un descubrimiento bastante interesante y si logran mantener esta frescura, habrá que prestarle atención, sin duda,

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~Sea Of Disorder~ - Idem

Año: 2012
Sello: Le Crépuscule du Soir productions
País de origen: Austria

Grata sorpresa me he llevado con este elegante y profundo grupo austriaco. Más que nada, lo de grato viene porque hace mucho tiempo que me aleje del Post Rock y el Post Metal; más por saturación y aburrimiento que por otra cosa. Ambos estilos me gustan, pero aparecieron muchas bandas mediocres imitando a los grupos que realmente arriesgaron, copiando a los que hicieron algo nuevo y bueno, y la cagaron. Para colmo, no son estilos que hayan evolucionado mucho, más bien llegaron a un techo, y de ahí no se ha pasado, hasta ahora. ~Sea Of Disorder~ no son la mar de originales, ni creo que vayan a ser la banda que hizo que estos géneros antes nombrados, revivan y den el siguiente paso evolutivo. Pero al menos han hecho que alguien como yo, alejado de todo lo que sea Post, vuelva a interesarse en estos sonidos.
Los austriacos, primero que nada, parecen ir construyendo sus composiciones en base a un patrón rítmico que se sostiene a lo largo del disco, con variaciones, pero siempre con un hilo conductor. Sobre esa característica rítmica, los muchachos engendran sus melodías que van de la parsimonia a lo pesado, pero siempre teniendo como centro la sofisticación y la profundidad. Usan un crescendo marcado, que crece de canción en canción, y que encuentra su punto más álgido en "And From The Deep Gloom Came The Stillness Before The Storm To Crush Upon The Sea And To Awake The Secluded Conqueror", el tercer track, el más pesado, el más atmosférico, y el mejor logrado de los 4 temas que integran el disco. Es aquí en donde llegan al máximo nivel de emotividad y creatividad. pero eso no significa que los demás tracks sean mediocres ni mucho menos. Son canciones que están íntimamente ligadas, interconectadas de manera tal, que al llegar al track 3, el oyente ya se encuentra atrapado por el relato musical desarrollado por la banda. El final, con el elegante track llamado "Reinvigoration - Thalassophobia", la banda parece ir buscando la calma tras la tormentosa canción previa. Así, todo vuelve a la tensa calma del principio, y las imágenes relacionadas con la imagen de la portada, quedan grabadas en la mente del oyente por un buen rato.
Repito, no van a cambiar el rumbo de la historia del Post Metal ni del Post Rock. Pero poseen un talento innato e innegable, y saben como hacer uso de ese talento. Este disco es la prueba irrefutable de ello.
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Australasia - Vertebra

Año: 2013

Sello: Immortal Frost Productions

País de origen: Italia

Llevaba mucho, pero mucho tiempo sin escuchar Post Rock, Post Metal y cosas similares. Si bien son estilos que me gustan, y en algún momento de mi vida los escuché con asiduidad, lo cierto es que llegaron a cansarme. Pero, debo admitirlo, bandas como Mogwai, Red Sparowes y Pelican me acompañaron –musicalmente- durante unos cuantos años. Oh casualidad! Australasia es el nombre de uno de los mejores discos de Pelican, y es el nombre de la banda italiana que hoy nos ocupa. Y sí, Australasia hacen Post Rock y Post Metal, tal como era de esperarse. Pero, y al contrario de lo que me ha sucedido durante estos últimos años con muchas de las bandas que hacen algo similar, Australasia no aburren. No sólo eso, me gusta lo que hacen. Así como pueden crear pasajes sonoros melodramáticos, como si se tratase de la banda sonora de un film dramático, pueden pintar paisajes en donde la mente encuentra la paz necesaria como para abstraerse de la infernal rutina diaria, o bien, arremeten –por momentos- con una intensidad controlada, pero poderosa, llena de energía y brillo. Siempre privilegiando la melodía, atinando con arreglos provistos de buen gusto, y animándose, de a ratos, a despegarse de la monotonía que desde hace un tiempo se había apoderado de la mayoría de las bandas del estilo. Incluso se atreven a meter matices más propios del Shoegaze Black Metal, pero sin adentrarse de lleno en ese terreno. En realidad, Australasia toman cosas de un estilo u otro, los usan, sacan provecho de la utilización de determinadas herramientas, pero no se enceguecen, no se fanatizan con esos elementos hasta caer en un dogmatismo innecesario, y que, tratándose de un estilo musical como el que practican, no haría más que convertir a Australasia en un bodrio. Por el contrario, todo lo que está a su alcance, es utilizado por estos talentosos músicos sin caer en excesos, y sin repetirse hasta aburrir.

Todos los traces incluidos en este álbum tienen su encanto, particularidades que hacen que el oyente deba prestar debida atención a cada una de las canciones. Tal vez “Apnea” sea la canción que más me atrajo de manera inmediata. Pero, y a medida que uno escucha el disco, la sensación de estar ante una obra homogénea en la que cada parte forma parte de un todo se apodera del oyente. “Vertebra” es eso, un disco en donde los elementos funcionan armoniosamente, todos trabajando en pos del todo y no individualmente. No me parece que “Vertebra” sea una obra maestra, para nada. Pero sí creo que es un trabajo agradable, inteligente y auspicioso. Y, de paso, hizo que quien esto escriba vuelva a escuchar estilos que tenía olvidados.

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Nymphe - Walls Mutter

Año: 2013

Sello: Autoproducido/Independiente

País de origen: México

Hace unas semanas llegó a mi cuenta de email este disco de Nymphe, proyecto del cual no tenía ningún dato previo. Leyendo me encontré con la siguiente información: es un proyecto unipersonal (o sea, una one man band) cuyo único integrante es Auster, quien se encarga de todos los instrumentos y la voz. El muchacho es oriundo de Monterrey, México, y lo suyo es definido como blackgaze/post-rock/post-punk. Reconoce influencias de Alcest, Les Discrets, Grey Waters, Amesoeurs, etc. Hasta aquí, casi toda la información objetiva que uno puede brindar respecto a esta grabación. Ahora viene lo subjetivo, que es, en definitiva, lo que caracteriza a éste blog. Y mi opinión es que Nymphe no está nada mal. No me deslumbra, no es una banda que vaya a escuchar seguido, para nada. Sin ir más lejos, las bandas anteriormente citadas como influencias, tampoco son grupos que yo vaya a escuchar muy seguido. Me gustan, sí; pero ni Alcest ni sus similares son agrupaciones por las cuales yo pierda la cabeza. Y Nymphe, por lo tanto, no es algo que me incite a poner replay varias veces seguidas. Pero se disfruta, de una manera u otra se disfruta. Auster es un buen músico, y se da maña para componer. Saca de su mente algunas ideas interesantes y sabe como llevarlas a cabo. Además, tengamos en cuenta que él es el único responsable de todo lo que escuchamos en este EP. Eso de por sí resulta encomiable teniendo en cuenta los resultados obtenidos. Pues así como muchos otros juegan a ser hombres orquesta y fallan de forma escandalosa, otros aciertan. Auster acierta, sin lograr resultados maravillosos, pero acierta. No puedo decir mucho más, pues, como ya dije antes, este estilo me resulta atractivo ocasionalmente, en determinados momentos del día y encontrándome yo en un estado de ánimo específico. Quizás vos, si vos, el que entra en trance escuchando a Les Discrets o Alcest, tal vez vos te transformes en seguidor de Nymphe. Yo, por lo pronto, sólo puedo decir que Nymphe ha hecho un correcto debut, y que, a partir de ahora, voy a prestar atención a lo que haga este muchacho en el futuro.

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