Jupiter Hollow - Odissey

Año: 2017
Sello: Independiente/Autoproducido
País de origen: Canadá

Sin ser un experto en el Rock Progresivo (y en el Metal Progresivo), debo decir que me llama poderosamente la atención cuanta importancia se le ha dado en estos últimos veinte años al lucimiento personal por sobre la composición. Crecí escuchando vinilos de Yes, Emerson Lake & Palmer, King Crimson y Genesis gracias a mi tío, quien me inculcó la necesidad de escuchar y analizar dicho estilo musical (el Rock Progresivo) con el propósito de enriquecerme en todos los aspectos que hacen a un melómano, de los cuales no voy a decir nada al respecto aquí. Mas, a lo que voy es a lo siguiente: en los 70's la composición jugaba un rol preponderante, y si bien las canciones mostraban a intérpretes de un altísimo nivel, lo cierto es que las capacidades (fabulosas) de los instrumentistas no se ponían al servicio del ego (aunque, seguramente, todos tenían, y tienen, un ego bastante grande), sino al servicio de la música.
Con el advenimiento del siglo 21 el lucimiento personal, el derroche de técnica por sobre la creatividad en función de la canción, ganaron espacio y mucho de lo que escuchamos en materia de música compleja y ejecutada por virtuosos, no es más que un compendio de escalas, cortes, arreglos intrincados y dale que va, sin el menor sentido. ¿Cuántos grupos progresivos son realmente progresivos? Pocos. Pongan a Jupiter Hollow en la lista de bandas que son realmente progresivas. Cuando digo Progresivas, lo hago en el sentido de trabajar puntillosamente en la progresión de las canciones, en la sumatoria de partes que al unirse, terminan conformando un bloque complejo, sinuoso, pero atractivo para las mentes exigentes.
"Odissey" es un EP en donde los integrantes se lucen en lo individual sin recurrir al egocentrismo exacerbado ni a la exhibición -innecesaria- del virtuosismo de sus miembros. No, acá lo importante son las composiciones y eso hace que el EP en cuestión sea muy, pero muy recomendable. Todos los miembros de Jupiter Hollow (Grant MacKenzie y Kenny Parry) tocan realmente bien y no lo ocultan. Sin embargo, al momento de demostrar cuan bien tocan lo hacen elucubrando a través de las melodías, jugando con las texturas y moviéndose a través de los tempos, modificándolos, volviéndolos más o menos complejos, según la canción lo requiera.
Rush, A Perfect Circle, The Contortionists, y otros nombres a los cuales también les cabe el término Prog, son los que uno relaciona con la banda creadora de éste EP de cinco pista experimentales, atmosféricas en todo momento (escuchen "Ascending" y la pista que da nombre al disco), poderosa por instantes ("Over 50 Years"), intimista en sus mejores pasajes ("Hades Heart"), y fresca en un comienzo ("Deep in Space").
Rock y Metal Progresivo, pero hecho por un dúo (sí, son dos miembros nomas) que entiende que las capas de arreglos, que las melodías y las buenas ideas, complejas, exquisitamente elaboradas, son más importantes, y por sobre todas las cosas son más progresivas, que el derroche de técnica estéril.

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Asher Media
 

Divine Realm - Tectum Argenti

Año: 2016
Sello: Autoproducido
País de origen: Canadá

Un cerebro fue el que creó esta banda. Con el tiempo, la que en un principio fuera una one man band, se convirtió en un grupo hecho y derecho. Hoy, la banda consta del padre la criatura (Leo Diensthuber en guitarras) junto a otros dos virtuosos, a los cuales el término cerebritos les calza a la perfección.
"Tectum Argenti" es, según leí, la cuarta edición del grupo canadiense, y su título hace alusión a un techo de plata que tranquilamente podríamos relacionar con el tectum o lámina cuadrigémina que forma parte del mecencéfalo. Nada raro este tipo de conexiones biológicas/neurológicas con lo que hace la banda, pues es claro que a estos tipos les atrae más la ciencia que lo meramente existencial o mundano. Y está bien que sea así pues en esa forma de ser, y en esa forma de ver el mundo y encarar las cosas, reside la esencia de Divine Realm.
El trío conformado por Diensthuber en guitarras, Marc Roy en guitarras, y el bajista/productor/ingeniero en sonido Tyler Brayton, más el baterista Josh Ingram, se encuentra en la vena de bandas como Animals As Leaders o The Human Abstract. He aquí una palabra que resume una parte de lo que es esta banda: abstracción. Todo parece ser el fruto de abstracciones y razonamientos excesivos, todo esto enmarcado dentro del mundo de lo musical, confeccionando cada pieza con una obsesión por la perfección que asusta y asombra.
Metal Progresivo + Djent, más algún toque propio del Metalcore más complejo, y texturas que indefectiblemente me hacen pensar en el alien de la guitarra por excelencia: Steve Vai. Hay escalas, arreglos, armonías, que me llevan a pensar en Vai. Mas, lo de éste combo de virtuosos no va tanto por el lado de la canción -instrumental-, sino que se mueven, mayormente, por el camino de las composiciones poco convencionales y sobrecargadas de arreglos, aunque instrumentales, eso sí.
Como suele suceder con éste tipo de bandas, tienden a enceguecer por culpa de su enorme talento instrumental y terminan haciendo agua en algunos pasajes. Es como que en su afán por demostrar cuan bien tocan, por momentos entran en terrenos de confusión y caen presos de su propia trampa. Eso sí, cuando aciertan, aciertan. Entre los grandes aciertos están "Cloak and Dagger", en donde sacan a relucir un arsenal de ideas (además de las impresionantes interpretaciones), y la pieza que da nombre al disco, en donde el groove sirve de sustento para que los guitarristas deslumbren con sus complejos y refinados arreglos y solos.
Obviamente, la producción es digna de un grupo de perfeccionistas. Todo suena limpio, brillante, futurista, inhumano y cerebral a la vez. O sea, la clase de sonido que una banda como Divine Realm debe tener.
¿Si los recomiendo a todo el mundo? No, esto no es para todo el mundo. Si te gustan los cerebritos sacándole chispas a sus instrumentos, Divine Realm es lo tuyo. Si no te gustan, pues está en vos darles una chance o no. Y si, como yo, sos de los que buscan siempre escuchar cosas nuevas, y te adaptas al estilo y la banda sin prejuicios de por medio, te digo que estos muchachos tocan tan bien, que da gusto escucharlos tocar sus instrumentos. Les vendría bien componer canciones más atractivas, pero eso es algo que digo más por deseo mío que por una realidad intrínseca a la banda.

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Mind Eraser PR
   

Kaihon - Terraform

Año: 2017
Sello: Autoproducido
País de origen: Emiratos Árabes

Baltasar Gracián dijo que "lo bueno, si breve, dos veces bueno". Pues bien, éste primer EP de la banda de Dubai llamada Kaihon es breve; apenas dura 15 minutos el trabajo de Kaihon. Lo de bueno lo vamos a ver ahora.
Primero que nada debo decir que estamos ante una banda que se siente cómoda tanto dentro del espectro Progresivo del Metal, como dentro del Metalcore. Eso sí, siempre del lado más moderno de la historia, algo que uno puede apreciar con sólo prestar atención al sonido obtenido para la placa. Todo suena a producción hi-fi, digitalizado en cada detalle, resaltando constantemente la limpieza del sonido y las ejecuciones, además del uso de algunos efectos de pos-producción muy comunes en las bandas que abordan el mismo estilo que estos muchachos de Dubai.
En lo compositivo van por el mismo lado de la contemporaneidad antes mencionada, pues no se alejan de la obsesión de muchas bandas de Metal Progresivo (y de Metalcore también, aunque en menor medida) por mostrar sus dotes como instrumentistas antes que preocuparse por componer buenas canciones. O sea, estos cinco muchachos son buenos intérpretes y eso no se discute. Pero ¿y en lo compositivo? Ahí hay baches profundos, aunque hay que reconocer que cada tanto tiran alguna buena idea.
Hablando de buenas ideas, la introducción es uno de los instantes más logrados del disco. Una atmósfera relajada y refinada, con los instrumentos sumándose de poco en un crescendo leve y bien tratado. Ilusionan, pero no pasan de ahí. Llega "Awaken" y los lugares comunes comienzan a aparecer uno tras otro. Cada escala (intrincada), cada riff, cada corte rítmico, me deja la sensación de elaboración excesiva. Es como si quisieran impresionar al oyente antes que afectarlo, y eso no les juega a favor. Eso sí, los tipos tocan realmente bien, no dejan espacio a la duda en dicho rubro. No comenten ni un solo error en la faz interpretativa, y hasta se puede decir que les sobra técnica. Pero ¿alcanza con eso? Al menos a mí no me alcanza. Todo bien con la pulcritud, todo bien con la destreza instrumental y dale que va. Pero ¿acaso la música no se nutre de las canciones? Bueno, si hay algo que falta aquí, en éste disco llamado "Terraform", son canciones. Hay buenos pasajes, pero no les alcanza con eso pues no logran convertir un buen pasaje en una buena canción.
Tampoco quiero ser tan duro con ellos, no lo merecen. Al fin y al cabo, y como ya dije varias veces en esta reseña, los cinco integrantes de Kaihon son buenos músicos. Y con ése argumento, con el simple hecho de dominar bien sus instrumentos, les alcanza para hacer de éste disco algo ameno. Por supuesto, lo de la duración del disco ayuda a que lo ameno no se esfume. Ahora bien, quiero verlos (o escucharlos) cuando les toque grabar un disco de larga duración.

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TOMetal 

Arduini/Balich - Dawn of Ages

Año: 2017
Sello: Cruz del Sur Music
País de origen: USA

Majestuoso. Gigante. Emocionante. Podría estar horas y horas adjetivando y glorificando al primer disco del dúo Arduini/Balich. Me lo veía venir, tenía la sensación de que estos tipos iban a hacer algo realmente bueno. Mas, no esperaba que hicieran una obra maestra destinada a ser uno de los mejores discos del año, sino que, además, es la mejor obra de Heavy/Doom del 2017 por robo. ¿Los responsables? Atentos a los nombres.
Arduini no es otro que Victor Arduini, co-fundador de los tremendos Fates Warning, y uno de los cerebros tras aquel inolvidable "The Spectre Within", el segundo disco de la influyente banda de Metal Progresivo. O sea, estamos hablando de un guitarrista dueño de una técnica depuradísima, una calidad interpretativa fuera de serie, y, por si fuera poco, una creatividad enorme. A su lado está Brian Butch Balich, la portentosa voz de Argus (buena banda de Heavy/Doom), y ex cantante de Penance, la mítica banda de Doom Metal formada por miembros de los no menos míticos Dream Death. Para hacerse cargo de la batería llamaron a Chris Judge, ex compañero de Arduini en Freedom Reign. Para aquellos que desconocen a estos intérpretes, Arduini/Balich es una incógnita. Para aquellos que sí sabemos quiénes son, el grupo en cuestión es un supergrupo. Y si juzgamos por los resultados obtenidos en su álbum debut, no hay dudas de que estamos ante un supergrupo.
"Dawn of Ages" es uno de esos discos que, como todas las grandes obras, se hace más grande a medida que uno la escucha, a medida que uno va introduciéndose más y más adentro de la misma, descubriendo en profundidad cada detalle, cada parte, cada pequeña molécula musical. Si desde el primer track ("The Fallen") los tipos exhiben una calidad fuera de serie en todos los ítems: composición e interpretación. Sirviendo como introducción al universo sonoro del grupo, los 10 minutos que dura dicha pieza ponen al oyente en estado expectante, te obligan a sentarte y prestar atención a lo que la banda te está ofreciendo. Además, logran que uno comience a sospechar que lo mejor está por venir. Y viene lo mejor de inmediato. Es que el segundo track, una descomunalmente pesada canción llamada "Forever Fade", con su cabalgata a la Sabbath, con una guitarra cuyo sonido es una muralla, y con la voz de Balich explotando en el aire, mientras Judge marca el tempo de forma magistral, es de lo mejor del año en materia de Metal oscuro, pesado y mágico. Justamente, si hay algo que le sobra a este disco, es magia.
Siguen los temazos, y entre esos temazos es imperativo nombrar a "The Wraith", una composición lenta, densa y subyugante que me recuerda a los mejores momentos de Trouble en la era Doom Metal. La voz de Balich se eleva con fuerza inusitada, apelando a una dicción tan clara como contundente, sacándole provecho a su expresividad para darle a las canciones un halo de emotividad envolvente. Y Arduini pariendo riffs memorables, explorando las posibilidades melódicas de su instrumento (la guitarra, aunque también toca el bajo) y eligiendo cada nota con un buen gusto encomiable. Lo de Judge es, como mínimo, excelente.
Doom Metal portentoso y atrapante, conjugado con pasajes del más denso Heavy Metal, como si Black Sabbath (con Dio) se diera la mano con Uriah Heep, metiendo la sensibilidad de unos Trouble en el medio, y apelando al buen gusto de unos primeros Rainbow para ampliar el abanico sonoro del grupo. Claro, todo esto en manos de un puñado de músicos que han dado sobradas muestras de ser unos musicazos. Escuchen "Beyond the Barricade" (otra pieza extensa), deténganse en los momentos más progresivos de la canción, saboreen los detalles, y entréguense al placer. Pues "Dawn of Ages" es eso, placer, puro placer. Los oídos se abren gustosos para dejar que las canciones penetren en el oyente. El cerebro se activa a full pues sabe que es necesario estar muy atento a todo, porque no tiene sentido perderse ni un detalle. La calidad de estos tipos es tan grande, que el cuerpo se hace eco de ello, estremeciéndose a cada instante. En otras palabras, el debut de estos veteranos es, por todo lo dicho anteriormente, una de las piedras preciosas del 2017. He dicho.

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Clawhammer PR

Semper - Kháos

Año: 2017
Sello: Necromance Records
País de origen: España

No todos los discos pueden ser apreciados en su totalidad. Hay trabajos que me atraen más por lo que los artistas en cuestión crean en determinados pasajes del disco, y no por la obra en conjunto. O sea, existen discos de los cuales puedo resaltar detalles, momentos o cualidades determinadas antes que el Todo. Tal vez a ustedes les pase lo mismo, a fin de cuentas no se trata de algo extraordinario lo que estoy planteando. Esto es lo que me sucede con el segundo disco full de Semper, banda que ya tiene 10 años de trayectoria sobre sus espaldas.
Los canarios de Semper arrancaron en el 2007, grabando su primera pieza en 2010 (un EP llamado "Sin juez ni altar"), y sacando su primer disco full 3 años más tarde ("Alter Ego"). No me pregunten qué opino acerca de los trabajos previos de la banda pues no tengo ni idea. Por lo que voy a centrarme pura y exclusivamente en éste nuevo opus. Un disco que, como ya anticipé, me llega de a partes y no el todo. Es que hay tantos aspectos resaltables como de los otros, al menos para éste servidor.
Semper se meten en un camino complejo, pero bastante común hoy en día: la de mezclar estilos tales como Groove Metal con arreglos de corte Prog en clave Djent, arreglos más propios del Melodic Death, y bastante de Deathcore de tinte groovy antes que acelerado. Muchas bandas lo hacen, por lo que descartamos la posibilidad de hablar de innovación o sorpresas en este caso. Por supuesto, la combinación entre agresividad y melodía está a la orden del día, otra característica propia de dicha mezcla de estilos.
Lo hacen dignamente a lo suyo los canarios, sobre todo en la faz instrumental, en donde casi todos sus miembros demuestran una capacidad innegable a la hora de meterse en caminos sinuosos (por lo intrincado de los mismos) y salir airosos de allí. En particular quiero hacer mención a la labor de la base rítmica, quienes se llevan las palmas por su precisión y contundencia. Borja Miranda y Adrián Fernandez, batería y bajo respectivamente, son algo más que la base: son los cimientos del sonido de la banda. Bien los guitarristas Rafael y Conny, aunque en un escalón más abajo, según mi gusto personal.
Lo más flojo de la banda viene por el lado del vocalista Gabriel Pérez, quien aporta mucha agresividad, pero poca, poquísima variedad. Repite expresiones vocales constantemente, y empuja al grupo hacia un embudo de monotonía que nada tiene que ver con la complejidad imperante en la placa. Tampoco es que sean los jodidos Meshuggah (banda que amo), pero hay momentos bien complejos que exigen mayor expresividad por parte del cantante. Y no la hay, todo suena agresivo, pero chato, sin matices.
Lo mejor, junto a las performances de los miembros ya mencionados, viene por el lado de la producción, dándole al grupo un sonido moderno de alta fidelidad que encaja a la perfección con el estilo del grupo, y las 3 primeras canciones, en donde Semper muestran lo mejor de su repertorio.
En el debe queda la posibilidad de darle más gancho a sus composiciones. Tienden a desinflarse en ciertos momentos, no logran sostener los buenos instantes, y eso les puede jugar en contra de cara al futuro. Pero, así como no tengo problemas en dar mi opinión respecto a lo que no me gustó de la placa, tampoco tengo drama a la hora de decir que acá hay virtudes de verdad, y que esas virtudes, bien potenciadas, y puliendo aspectos que por ahora restan en vez de sumar, pueden llegar a convertirlos en una buena banda de verdad. Por ahora, lo de Semper es bastante digno.

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Madder Mortem - Red in Tooth and Claw

Año: 2016
Sello: Dark Essence Records
País de origen: Noruega

Siete años pueden parecer mucho cuando se trata de esperar la nueva obra de una de las bandas más exquisitas del Planeta. Pero, hay que tener en cuenta un detalle que no es menor: Madder Mortem siempre priorizaron la calidad por sobre la cantidad. Así como muchos grupos sacan un disco por año, no asegurando jamás que el producto vaya a ser de calidad, los noruegos de Madder Mortem optaron (hace años ya) por sacar discos en lapsos de tiempos ni muy extensos ni muy cortos, pero asegurándole siempre al oyente algo esencial en una banda de su calibre: vamos a escuchar música de primer nivel, nos van a deleitar sí o sí. Bueno, siete años entre un disco y otro sí es un lapso de tiempo más bien largo, más aun si tenemos en cuenta que el tiempo más largo entre un disco y otro había sido de 3 años ("Desiderata" es del 2009. mientras que su sucesor, "Eight Ways", es del 2009). Pero, lo concreto y realmente importante es que volvieron al ruedo, y lo hicieron, como era de esperarse, con un disco magistral.
Ya bastante alejados del Doom refinado y atmosférico de sus comienzos, y completamente afincados en su formato Progresivo que tan bien les queda, la banda de los Kirkevaag (BP M en guitarra y voces, y Agnete en voz líder) nos da la bienvenida con un track que fue elegido como el primer single: "Blood on the Sand", en donde ponen en claro que volvieron para hacer algo que esperábamos, y que necesitábamos: un derroche de clase. Por supuesto, no se apegan a una fórmula, y de esa manera es que siempre tienen una idea, un arreglo, algo para sorprendernos y mantenernos cautivos hasta el final del disco.
La prístina y poderosa voz de Agnete tiene mucho que ver con todo esto, pues su caudal vocal es tan grande, y su capacidad para transmitir emociones y sentimientos es tan vasto, que aporta un plus de calidad al disco que hasta un sordo podría notar. Mas, el resto del grupo no es un adorno, sino que están a la altura de lo que una banda de tamaña calidad exige. Es por eso que se pueden dar el lujo de pasar por composiciones de una pesadez controlada, pero complejas, como la ya mencionada "Blood on the Sand" o "Stone for Eyes", como así también pueden recurrir al Doom refinado y acompasado en esa belleza llamada "All the Giants Are Dead", o bien seducir al oyente con la delicadeza de "The Whole Where Your Heart Belongs", y así podría seguir hasta nombrar todos los temas del disco. En resumen, todo lo que tocan lo convierten en oro, a todo lo tocan con guantes de seda y lo manipulan con una delicadeza incuestionable, que les permite atrapar al oyente, y sacudirlo mientras éste está embelesado, pro cuando ellos lo consideran oportuno.
Producido y grabado por BP M Kirkevaag, masterizado Peter In de Betou, "Red in Tooth and Claw" es uno de esos discos que hacen que el tiempo se detenga, que los portales de la percepción se abran para hacernos ver más allá de lo que nuestras limitadas mentes nos permiten...es una belleza de disco, en síntesis. En otras palabras, si van a tardar siete años para sacar otro disco, pero si ése próximo disco va a ser tan bueno como éste, que se tomen otros siete años, entonces.

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Earsplit PR

Slammin' Thru - Things to Come

Año: 2016
Sello: Suspiria Records
País de origen: España

No soy de escuchar mucho Metal Progresivo, salvo excepciones que me deslumbran (Fates Warning, el material más progresivo de Savatage, los tres primeros discos de Dream Theater, obviamente escucho a Queensrÿche, y algunos nombres más). Soy mucho más propenso a escuchar Rock Progresivo de los 70's, algo que fue inculcado por mi tío Mario cuando yo era un niño que apenas si sabía mi nombre. Pero, en cuanto a Metal Progresivo, suele resultarme un poco aburrido, a decir verdad. Por supuesto, están esas bandas que no sólo no me aburren, sino que también me hacen pasar buenos momentos. Justamente hoy le voy a dedicar unas líneas a una interesante banda de La Coruña, España, llamada Slammin' Thru, quienes me han hecho pasar un buen momento con su nuevo opus llamado "Things to Come".
De entrada, debo decir que me recuerdan mucho al Queensrÿche de "The Warning", tanto en las estructuras como en el sonido, y eso es algo que ya suma puntos a su favor. No, no son un clon de la banda que supiera liderar Geoff Tate, pero han tomado lo justo y necesario como para que la influencia sea clara. Sin embargo, lo que más destaco no es la parte de las influencias, sino la calidad compositiva e instrumental. Una pulcritud y un buen gusto encomiables es lo que vamos a encontrar en éste disco, en el cual también hay cosas más complejas, arreglos del tipo Clásico (me refiero a la música clásica, claro), como en el track que da nombre al disco.
Buen trabajo de los guitarristas Alberto y Óscar, siempre al frente y usando todos los recursos que tienen a mano, pero sin alejarse jamás del eje de la propuesta. También debo hacer mención a la contundente y precisa tarea de Guts (bajo) y Adrián (batería). David es un cantante muy correcto, y el tecladista (Axel) aporta lo justo y lo necesario, siempre equilibrado. Para ser más claro, estamos ante una banda en la cual no hay divismos, en la que todos trabajan en conjunto y con una idea en común. De ahí que el álbum en sí, sin ser algo deslumbrante, resulte tan ameno.
Mención especial para mi canción favorita, "Disguised Queen", cuando riffeo entrecortado y ritmo marchoso, sumado al estribillo a la Queensrÿche, terminan siendo lo que más me gusta de un disco sin altibajos, sin grandes momentos (hay que decirlo todo como uno lo piensa), pero sin pasajes flojos tampoco. O sea, estamos ante un disco de Metal Progresivo bien hecho, al cual no dudo en recomendar abiertamente.

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Against PR

Omertà - Crown of Seven

Año: 2015
Sello: Independiente
País de origen: Letonia

Letonia posee una de las mejores escenas Industriales del mundo hoy. La música Industrial que se hace en dicho país posee una impronta y un encanto único, llevando a dicho estilo hacia nuevos horizontes, pero sin perder de vista la esencia del estilo. Omertà no es un grupo de Música Industrial, están bien lejos de eso. En todo caso, lo suyo es un compendio de géneros y subgéneros rockeros, pero encarados desde una perspectiva entre modernista y retro a la vez (aunque, pensándolo bien, lo moderno de hoy es exageradamente retro). Incluso, hay algo más que rock acá, pues hay pasajes que tienen una clara tendencia Post-Rock, estilo que desde su nombre nos indica que NO es Rock. Pero abandonemos todas estas volteretas que estoy dando, que la idea es reseñar a este trío de Letonia, y no divagar acerca de tal escena o aquel estilo musical.
El trío de Riga, Letonia, oscila entre el Stoner, el Rock de tendencias pesadas (llámenlo Hard Rock o Heavy Metal, ambas etiquetas se acomodan a la realidad del grupo en determinados momentos), Post-Rock y varios arreglos de corte progresivo. Por cierto, hay un detalle más importante aun que las etiquetas, y es que Omertà es un grupo enteramente instrumental. Cero voces, ni siquiera de casualidad aparece un coro/estribillo/estrofa o lo que sea. Y ese detalle les termina jugando en contra en algunos pasajes. Es que los letones son buenos instrumentistas, y cada tanto tiran ideas piolas, pero no les alcanza como para darle al disco la continuidad y calidad necesaria. En otras palabras, se quedan a mitad de camino, insinúan más de lo que concretan. No es algo nuevo ni alarmante, le sucede a la mayoría de las bandas que se meten en el mismo lodazal.
Por suerte, estos muchachos usan duraciones más o menos convencionales para desarrollar su música: entre los 4 y los 6 minutos como promedio. Así y todo, algunas canciones se me hacen bastante largas, sobre todo porque no soy afecto a escuchar este tipo de música, sinceramente. Sin embargo, así como hay partes (o canciones) que no me llegan ni a la fuerza, hay arreglos inteligentes, interpretaciones más que correctas, y una producción acorde a la propuesta del grupo: clara, muscular y combinando cosas retro con aspectos sonoros más modernos.
Hay cosas mejores allí afuera, al menos para mí las hay. Pero no dudo en recomendarle este disco a quienes disfrutan de este tipo de bandas. Quienes siguen a bandas como Karma to Burn, o en su defecto, a las bandas más progresivas del Stoner, y sobre todo, aquellos que gustan de las bandas instrumentales, lo van a saber apreciar.

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Infinite Earths - Into the Void

Año: 2016
Sello: Independiente/Autoproducido
País de origen: USA

Interesante concepto es el que desarrolla esta banda en su arte. Infinite Earths es un grupo de Orlando, Florida, que ya llevan dos discos sobre sus espaldas, siendo éste "Into the Void" el segundo en la lista (el primero se llama "Spiral from Spacetime" y data del 2014). Apenas si pude escuchar algo del primer disco, y a decir verdad, no me llamó mucho la atención. En cambio a este segundo opus lo escuché varias veces y en este caso sí puedo emitir una opinión bien fundada, pues sé de qué se trata.
Disco conceptual inspirado en un comic creado por el cantante del grupo Josh Mazzora, desarrollando una historia que une a Lovecraft con ciencia ficción. Teniendo en cuenta estos aspectos (las líricas y el hecho de ser un disco conceptual), no resulta nada extraño que la banda pueda ser catalogada como Metal Progresivo ¿cierto? Pues bien, eso es lo que hacen estos músicos, idóneos para meterse en pasajes intrincados y echar mano a arreglos propios del Rock Progresivo de los 70s como elementos enriquecedor. He leído comparaciones con Dream Theater, The Faceless y Between Me & The Buried, y algo de eso hay; mas, hay que decir que el sonido de Infinite Earths dista mucho de ser el ideal para dicho estilo. Es que cuando uno piensa en una banda progresiva, lo primero que emerge es, además de la técnica depurada de los músicos, la idea de un sonido prístino, refinado y detallista hasta la exasperación, mientras que acá nos topamos con un sonido crudo que resalta la faceta más agresiva de la banda (hay voces realmente rudas, y algunas partes encajan bastante bien dentro del Metal Extremo), pero que opaca un poco el costado más elaborado de la propuesta del grupo. No es un detalle menos pues le resta puntos al disco, un trabajo interesante en líneas generales, en el que el quinteto demuestra que saben cómo debe tocarse este tipo de música, creando algunos momentos más que atractivos ("Amalgam of Madness" a la cabeza), y exhibiendo una nada errada perspectiva acerca de cómo transmitir musicalmente imágenes del espacio exterior, horrores indecibles y fenómenos cósmicos varios. Pero, debo insistir con esto, el sonido no acompaña. No da esa sensación de espacialidad, se pierden algunas frecuencias sonoras en la mezcla y el sonido del grupo termina perdiendo esa profundidad que debe ser parte inherente a una obra que pretende estar más cerca de una supernova que del hombre. Y aquí hay responsables directos: Alyssa Day y Justin Ahles, responsables de grabar y mezclar el disco, y Rob Caldwell, quien se encargó de la masterización.
En un balance global de la era, debo decir que la balanza se inclina a favor del quinteto, y esto sucede gracias a la pericia de estos muchachos como instrumentistas y compositores (en ese orden). Sería bueno que para el próximo disco logren adosarle un sonido acorde a lo que hacen, un sonido más cósmico que terrenal, así la obra de la banda se convierte en una totalidad y deja de ser atractiva en fragmentos.

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Dewar

Martriden - Cold and the Silence

Año: 2015
Sello: Independiente
País de origen: USA

Apenas los escuché, y si haber leído toda la información enviada por la gente de Asher Media, pensé que Martriden eran escandinavos. ¿Por qué? El estilo musical del grupo, moviéndose dentro de un amplio espectro de la música extrema, pero abordándola desde una perspectiva claramente Progresiva, me hizo pensar en bandas como Enslaved, Opeth y cosas así. Pero resulta que son norteamericanos, aun sonando como un grupo netamente escandinavo. Y suenan bien, realmente bien.
"Cold and the Silence" es el tercer disco full del grupo norteamericano, cuarto lanzamiento si contamos el EP autotitulado del 2006. Justamente ayer, antes de ponerme a escuchar este disco con la mente puesta en esta reseña, escuché prácticamente todo el material previo del grupo, y debo decir que hay una evidente evolución, sobre todo en dos aspectos: sonido y composición. El sonido es más prístino y con un volumen más alto; en otras palabras, le han encontrado la vuelta al estudio y sus elementos para potenciar, a través de la producción, todo lo concerniente a la música del grupo. Y en lo compositivo se evidencia mayor solidez y más ideas bien pensadas (y elaboradas), o sea, hay más aciertos y más buen gusto, aunque estas dos cualidades nunca faltaron en la propuesta; sucede que ahora están unos peldaños por encima de lo hecho en sus antecesores, es simplemente eso.
El disco en sí es sumamente agradable, y por momentos es más que eso. Sin embargo, hay un detalle que no los ayuda: pusieron las mejores canciones al comienzo del disco. Tanto "Pendulum" (muy buenos arreglos por parte de las guitarras), la canción que da nombre al disco (las armonías vocales, muy influenciadas por Enslaved, son exquisitas) e "Invisible Cities" (calidad de principio a fin), son creaciones excelsas en las que el grupo muestra hasta dónde pueden llegar cuando se lo proponen. No es que el resto del disco sea flojo ni mucho menos, todo lo contrario: hay momentos realmente interesantes. Lo que sucede es que las 3 canciones antes mencionadas superan al resto, por lo que hubiera sido ideal que las mismas se encuentren insertadas entre las demás composiciones, en diferentes lugares del disco, para darle mayor y mejor balance al álbum.
De cualquier manera, el disco en sí es bueno de punta a punta, y merece ser escuchado con suma atención, tanto por parte del fan del más sofisticado Metal Extremo, como por el amante del Metal Progresivo.

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Asher Media

Amoth - Revenge

Año: 2016
Sello: Inverse Records
País de origen: Finlandia

Tenía buenas referencias de estos fineses de Helsinki; un conocido mío, del ambiente del Heavy Metal él, me dijo que su primer disco full (y segundo trabajo oficial si contamos el EP "Wounded Faith"), un álbum lanzado en 2011 y titulado "Crossing Over", condensaba buen Heavy Metal, portentoso y firme, con arreglos propios del costado más progresivo del Metal, con algunos aciertos más que destacables. Da la casualidad de que a los pocos días de haber recibido dicha recomendación, la gente de Inverse Records me envía la copia digital del segundo full lenght de Amoth, al cual recibí con bastante interés.
Pues bien, ya escuché dicho álbum varias veces, por lo que creo estar en condiciones de dar una opinión. Y mi opinión es que "Revenge" es un disco correcto, bien balanceado, y con algunos detalles que me han resultado atractivos. En primer lugar debo poner al cantante del grupo Tomi Kurtti, quien posee un registro vocal similar al de John Bush (Armored Saint, ex Anthrax), aunque sin llegar a ser tan talentoso como el genial norteamericano. Mas, éste finés se las ingenia para dar forma a líneas vocales bastante interesantes, cantar con garra y sacar las castañas del fuego en más de una ocasión. El sonido es otra cosa que me llamó la atención, no tanto por lo logrado del mismo, sino más bien por lo orgánico de su forma, completamente alejado de las características que son habituales en las bandas modernas; o sea, no hay nada hi-fi aquí, suenan como si fueran una banda de fines de los 80's/principios de los 90's, y saben sacarle provecho a esa cualidad. Además, el resto del grupo suena bastante compacto, en particular la base rítmica conformada por Anne Latva-Somppi (bajo) y Oskari Viljanen (batería), para nada deslumbrante, pero bastante firme.
En cuanto a las canciones, hay que decir que no les sobran las ideas, pero compensan con las ganas y algunos pasajes bien elaborados. La faceta Progresiva del grupo no es lo que más resalta, pero demuestran que tienen aptitudes como para abordar momentos complejos sin que se les complique el panorama. Aun así, lo mejor surge cuando eligen tocar simplemente Heavy Metal, tal es el caso de canciones como "Die Hard" o "…and So They Fueled These Veins with Chaos". En la vereda del frente tenemos algunos instantes en donde parecieran perder el rumbo, siendo "Children of the Night" el mejor ejemplo de ello: dicha canción es un engendro amorfo que me lleva a pensar si la incluyeron de relleno.
Volviendo al comienzo de la reseña, debo decir que no coincido con quien me recomendó la banda, no los considero tan buenos como me los pintaron. Pero tienen algo, llámese carisma, energía, o ambas cosas. No puedo regalarles muchos elogios, pero puedo decir que tienen lo suyo.

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Inner Odissey - Ascencion

Año: 2015
Sello: Looking For
País de origen: Canadá

Esto es lo que yo llamo un disco verdaderamente agradable. Fundados hace 9 años por el guitarrista Vincent Leboeuf Gadreau, Inner Odissey es una respetable banda de Rock Progresivo que, ocasionalmente, toma cosas del Metal más refinado e intrincado, pero que nunca se mete de lleno en dicho mundo (el del Metal). Junto a sus jóvenes colegas (Vincent tenía 17 años cuando formó la banda en Quebec, Canadá), Vincent se da el gusto de conjugar complejidad con calidez, sin dejar de lado un interesante y necesario grado de intensidad; aunque, cabe decirlo, la música de Inner Odissey es más introspectiva que intensa.
El ya mencionado Vincent, junto al tecladista/pianista Mathieu Chamberland (un verdadero virtuoso), se erigen como las columnas del sonido del grupo, mas no por eso podemos considerarlos las estrellas del disco. Si tengo que elogiar y tildar de figuras del álbum a algunos miembros del grupo, esos son Simon Gordeau, un bajista dueño de una técnica exquisita y un buen gusto descomunal (escuchen lo que toca en "A World of My Own" y en "Lifelong Misery"), acompañado por un baterista eximio como Étienne Doyon, otro talento de aquellos. Quizás sea Pier-Luc Garand Dion (cantante) lo menos destacable del grupo, aunque su performance es ajustada y acorde al estilo/sonido del grupo.
Siempre elegantes, éstos canadienses exhiben una creatividad a prueba de balas, incursionando por terrenos varios y dejando que la libertad y la inspiración hagan lo suyo. Así es que nos encontramos con un disco que es siempre ameno, que puede acariciar al oyente como así también sacudirlo (aunque con mesura, como todo en éste disco), y que siempre tiene alguna variante para impedir que la rutina o el hastío se apoderen del panorama y del oyente.
En líneas generales, "Ascencion" es un buen disco, aunque canciones como las ya mencionadas "Lifelong Misery", "A Wolrd in My Own" (los arreglos de Flamenco incluidos son una maravilla) y el derroche de ideas que es "Retrospection" superan la barrera de lo bueno y alcanzan el siguiente nivel de calidad.
Modernos pero claramente influenciados por las bandas Prog de los 70's. Virtuosos, pero sin caer en el exceso de técnica al cual son propensas muchas bandas del estilo. "Ascencion" es un disco para sentarse a escucharlo atentamente, para degustarlo detalle por detalle. No será EL DISCO de Rock/Metal Progresivo que el mundo esperaba, pero bien vale la pena aislarse un rato del mundo para disfrutarlo.

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Ad Vitam - Stratosfear

Año: 2016
Sello: Revalve Records
País de origen: Italia

Tanto la banda como los medios los clasifican como una banda de Progressive/Melodic Death Metal. Permítanme dudar un poco, pero acá hay algo más que eso, al punto tal de que hasta parece un poco injusto incluir la etiqueta Death Metal en todo esto. Hay voces rasgadas, pasajes realmente progresivos, mucha melodía y todo lo que quieran, pero, por momentos parecieran estar más cerca de una banda de Metal Progresivo y Melódico de contornos sinfónicos (ésto último es algo ocasional, un recurso) que de cualquier género o subgénero extremo. Pero bueno, hoy los límites parecen estar bastante difusos, sumado a que las etiquetas son más una cuestión generacional que otra cosa. Dicho esto, vayamos al primer disco full de esta banda italiana formada hace años en Sardinia, Italia.
Una imagen que me dice poco y nada, un título algo rebuscado (Stratosfear es un juego de palabras entre Estratósfera y Fear, o sea, Miedo en inglés) y una portada realmente atractiva, son los primeros aspectos que llegan a mi, antes que me ponga a escuchar el disco. El disco empieza y mis dudas comienzan con él. Demasiado pretencioso lo de estos italianos, aunque debo admitir que tocan realmente bien. No hay fisuras, todo está perfectamente ensamblado, cada integrante cumple con su rol sin desfasajes y el sonido es tan prístino como debe ser en éste tipo de discos. Pero exageran un poco en lo que buscan transmitir, siempre me queda la sensación de que están actuando, pretendiendo ser más profundos de lo que son. Musicalmente no lo gran expresar esa supuesta introspección a la cual hacen referencia en sus líricas, mostrándose reflexivos, contemplativos. En todo caso, en la faz musical hay tantos aciertos como vicios que amenazan con tapar a los citados aciertos. Los aciertos son los ya mencionados: pulcritud instrumental, muy buena producción, banda compacta y le sumo canciones muy bien trabajadas como "Under a Cypress Root" (la mejor) y "Spektrum Waltz". Pero también hay defectos puntuales y que tienen que ver con la mentada pretenciosidad.
Me da la sensación de que creen ser mejores de lo que son como banda, apoyándose en el innegable talento instrumental que exhiben en toda la placa. Pero, compositivamente, aun les falta madurar. Sin embargo, de a ratos superponen arreglos progresivos que no coinciden con el consiguiente extracto cuasi sinfónico y ahí se pierden. No es que lo hagan enteramente mal, pero dejan un gustito a Exceso de Confianza y autoindulgencia que voltea, provocando que algunas canciones suenen a rejunte de partes y no a canciones.
Así y todo, lejos están de ser una mala banda; de hecho, cuando ponen los pies sobre la Tierra y ponen a a trabajar sus cerebros en conjunto, salen cosas muy interesantes. Pero necesitan dejar de lado la pose (la foto promocional es tan horrible como indicativa de cuánta pose hay aquí, haciendo que uno piense más en bandas horribles como Drakkar que en un grupo de Progressive/Melodic Death, tal como ellos pretenden) y centrarse en sus virtudes. Las tienen y pueden llevarlos a realizar cosas muy interesantes. Está en ellos dejar de sobreactuar y enfocarse en lo bueno que tienen como banda.

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Angertea - Snakes in Blossom

Año: 2016
Sello: Inverse Records
País de origen: Hungría

Quinto álbum full de este trío húngaro claramente influenciado por Tool. Desconocía por completo la historia y la música de la banda nacida en Szentes, Hungría, hasta que la gente de Inverse Records me hizo llegar la correspondiente copia digital de esta nueva obra de Angertea. La verdad es que me ha resultado muy agradable escuchar "Snakes in Blossom", me he encontrado con una banda a la cual, tal vez, no le sobre personalidad, pero que posee un talento innegable.
Como ya dije, la influencia más clara es la de Tool, algo que surge a primera oída con tan sólo escuchar la voz de Gergely Mihály, cantante y guitarrista de una banda que ya lleva 20 años en la escena (sí, se formaron en 1996). Las texturas, los cortes rítmicos, el sonido, todo remite a la banda de Maynard James Keenan. Mas, hay que ser justos con los húngaros, saben cómo componer buenas canciones, no se limitan a seguir los pasos de Tool, aun a pesar de la influencia de los norteamericanos. Digamos que se sienten cómodos siendo una banda de Metal Progresivo, pero sin caer en la telaraña del virtuosismo estéril al cual son propensas muchas bandas del estilo. Además, lo hacen desde una perspectiva en la cual se privilegia la canción antes que el lucimiento personal, y no saturan con excesos tales como meter 500 arreglos por canción, canciones eternas y todos esos vicios típicos de las bandas progresivas. Todo lo contrario, lo de Progresivos viene más bien por el lado de la complejidad rítmica, usando patrones intrincados que sirven de base para que aparezcan armonías simples en su forma inmediata, pero a las cuales se les van descubriendo aspectos más complejos a medida que uno agudiza el oído.
Ahora bien, que compongan temas interesantes no significa que compongan grandes canciones. En todo caso, el buen gusto se encuentra más en los arreglos que en las composiciones. Inteligentes, pero no deslumbrantes, los Angertea dan en el clavo varias veces, pero no logran dar el golpe certero que les permita dar con esa gran canción, esa pieza memorable que se convierta en la joya del disco. Lo más cercano a eso es "Aquarios", una balada melancólica y elegante que se escapa de los parámetros dentro de los cuales la banda se mueve a lo largo de la placa, y que cuenta con un buen contrapunto vocal entre Gergely y Flóra Sarusi-Kis, además del acierto que resultó ser la incorporación de un Cello en esa misma canción.
Les falta identidad propia, pero les sobra capacidad instrumental y tienen buenas ideas (que saben cómo trabajar para convertir en canciones interesantes, como mínimo). Y se les nota la experiencia, acá no hay nada librado al azar, en "Snakes in Blossom" todo está en donde debe estar. No serán la octava maravilla del Metal Progresivo, pero está claro que no tienen 20 años de carrera porque sí.

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Opensight - Ulterior Motives

Año: 2015
Sello: Independiente
País de origen: UK

Sofisticación, precisión y un importante grado de audacia. El conjunto londinense Opensight tira esas cartas sobre la mesa para presentar su último trabajo hasta la fecha, un EP de 5 temas titulado "Ulterior Motives" y que viene antecedido por buenas críticas. No pude escuchar los trabajos anteriores de Opensight (un disco full, 2 maquetas y otro EP), pero este EP en cuestión me ha dejado algunas cosas interesantes para rescatar y destacar, por lo que creo conveniente indagar más a fondo en la vida y obra de este grupo.
No salen del común denominador de las bandas de Heavy Metal Progresivo que andan dando vueltas por ahí, y eso incluye el consabido grado de autoindulgencia que lleva a estas bandas a obviar ciertos aspectos que suelen resultar en arreglos innecesarios y cierto exceso de confianza; pero hay otros aspectos que no caen en dicha trampa y ahí es en donde ganan puntos. No le temen a la incorporación de orquestaciones (el primer track "Alibi" es una excelente prueba de ello), toman cosas de varios géneros (Funk, Rock Alternativo con gusto a Grunge, Hard Rock) y los amalgaman bastante bien, aunque les falta gancho, les falta carisma. Tienden a seguirle los pasos al cantante, quien posee una voz realmente insulsa y elige entonar melodías para nada memorables. Sin embargo, hay momentos en los que se salen de esa línea y ahí sí demuestran que son buenos en lo suyo. Por ejemplo, el ya mencionado "Alibi", el fabuloso "Ulterior Motif", con su formato de Chanson Française (lo mejor del disco), y los arreglos funkys en "Antagonist", se erigen como los grandes aciertos del disco. No, no son muchos los aciertos, hay detalles que restan antes que sumar, y la voz de Ivan David es el principal responsable, sumado a momentos en donde toda la banda se tienta a ir por el camino de una complacencia innecesaria (los tracks que completan la placa van por esa senda). Pero hay buenas intenciones, hay pasajes de alto calibre compositivo y técnico, el disco está bien grabado y, haciendo un balance general, el saldo es claramente positivo.
Les falta despegarse de los vicios antes mencionados, les hace falta explotar y dejar que fluya la energía natural. Por momentos da la sensación de que, como suele suceder con gran parte de las bandas Progresivas, piensan en exceso y no dejan espacio para las emociones. Si logran corregir eso y obtienen ese carisma que les falta en ciertos instantes, van a dar que hablar.

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Dewar PR

Nieumegon - So Far So Good

Año: 2015
Sello: Independiente
País de origen: Francia

Últimamente estoy muy enganchado con el costado más Progresivo de la música. Parte de la evolución del individuo, parte del crecimiento, tal vez. Antes prefería escuchar solamente ruido y, ocasionalmente, sumergirme en aguas más complejas. Hoy prefiero ambas cosas en dosis iguales y eso se nota en lo que es el blog hoy. Hoy hay muchas bandas Progresivas llenando este blog, no hace falta que me ponga ahondar en este hecho. Todo esto viene a cuento porque Nieumegon es una banda de Metal/Rock Progresivo, claro; de lo contrario, estaría hablando de otros géneros.
Dentro de los grupos Prog que he escuchado últimamente, esta banda francesa se posiciona entre lo más raro. Fluctúan demasiado entre lo bueno y lo desconcertante, y hasta hay cosas completamente aburridas, haciendo que el disco resulte difícil de agarrar, de disfrutar en su totalidad. Así como pueden sacar a relucir su talento con pasajes inspirados, inmediatamente meten algo bizarro y luego pueden caer en un bache compositivo. Creo que la razón es esta: exceso de arreglos, muchas ganas de componer y tocar la mayor cantidad posible de ideas en una misma canción. Y eso, amigos míos, no siempre trae aparejado un buen resultado. Claro, si digo esto es porque hay cosas realmente interesantes para destacar y una de ellas es por el lado de la versatilidad, instrumental y compositiva, de estos franceses procedentes de Paris. Y como buenos franceses que son, hay un aura artística que sobrevuela constantemente el disco, siendo éste uno de los aspectos destacables. Además, tienen en Charlie CHINE una cantante que brinda muchos matices al sonido del grupo. No todo lo que hace puede ser considerado como Bueno, pero siempre se las ingenia para aportar variedad y algunas entonaciones realmente interesantes. El resto del grupo hace lo suyo con mucha pericia, demostrando sus dotes como instrumentistas a cada instante, sonando siempre sofisticados y audaces. Pero, siempre hay un Pero, abusan del eclecticismo y eso deriva en una falta de definición que llega a agobiar.
Otro detalle negativo está en el sonido, flaco y seco, poco profundo, que quita intensidad al estilo del grupo. Pero también hay cosas que sobresalen, como el instrumental "Spectral", en donde muestran lo mejor de su repertorio, y momentos puntuales en los que uno se entusiasma ante el caudal de buenas ideas. Sin embargo, así como es evidente que tienen talento, también es evidente que les hace falta ajustar los engranajes para que la maquinaria funcione al 100%. Por lo pronto, esto es lo que hay y lo que hay tiene algunos instantes que merecen ser escuchados.

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The Under - Idem

Año: 2015
Sello: Independiente
País de origen: USA

¿Se imaginan a un ex- Disrupt y ex- Grief tocando Metal Progresivo? Yo, en principio, jamás hubiera esperado encontrarme a Randy Odierno, baterista de The Under y ex miembro de los grupos antes mencionados, haciendo algo tan alejado de lo que hizo en tan bestiales bandas. Pero aquí lo tienen a Randy dejando de lado los blast beats y los ritmos ultra-lentos para experimentar con ritmos complejos, prácticamente extraídos de un libro de matemáticas, acompañando a 2 virtuosos como Dan Costa (guitarra y voz) y Ben Sternbaum (bajo). The Under, así se llama el trío en cuestión, no tienen nada que ver con las cosas que yo suelo escuchar de Boston, y eso es bueno pues me permite (y nos permite) conocer otra cara de la música proveniente de esa ciudad.
Metal Progresivo, sí, con claras influencias de King's X, pero tomando elementos más modernos y hasta duros, algo que podemos reconocer en canciones como "Insidious", en donde una voz podrida emerge de repente para contrastar con la límpida voz de Costa, por citar un ejemplo bien claro. Pero también coquetean con el Indie Rock, aspecto que queda al descubierto en los lánguidos acordes utilizados para dar forma a "Apotheosis", uno de los picos del EP. Es decir, The Under son un grupo de Metal Progresivo hecho y derecho y poseen todas las virtudes y vicios de las bandas del género: autoindulgentes, virtuosos, variados, exigentes, pretenciosos, inteligentes, artísticos. Pero, lo que más sobresale dentro de esa gama de cualidades, es la variedad de elementos usados para darle forma al estilo de la banda, detalle que termina siendo el que le da un balance positivo a una placa que, por momentos, puede resultar un poco difícil de asimilar debido a otra de las características del grupo: pecan de ser un poco pretenciosos. Sin embargo, y a diferencia de muchas bandas Prog, The Under saben cómo salir del bache en el que ellos mismos se meten, y salen airosos, hay que reconocerles esa capacidad. Gracias a eso, este segundo EP del trío puede ser considerado un disco ameno, que permite al oyente encontrar nuevos matices ocultos a la primera oída, y que salen a la luz en las sucesivas sesiones que el oyente pueda llevar adelante.
"The Under" es el segundo EP de la banda, lleva por nombre el mismo título que la primera grabación de la banda y es el sucesor del único disco full que tienen los de Boston hasta hoy, un disco titulado "Mercurial" (2009). Fue producido por Dan Costa, mezclado y masterizado en New Alliance East, y quien se encargó de la grabación e ingeniería fue Joe Egan. Por cierto, el sonido obtenido es bastante más crudo de lo que solemos encontrar en bandas del estilo, algo que me llamó la atención. Y ya que hablo de lo que me llamó la atención, pues debo hacer mención a la espantosa portada, de lo más feo que he visto en mucho tiempo. Por cierto, y por lo que veo, es costumbre del trío editar sus discos con tapas realmente feas. En fin, ese defecto no opaca la calidad musical del grupo, más allá de que aun les falta sacar afuera lo mejor de sí mismos, estoy seguro de eso: aun no han dado lo mejor de ellos.

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Metal Detector

Arkentype - Disorientated

Año: 2015
Sello: Crime Records
País de origen: Noruega

Una aproximación bastante peculiar al mundo del Metal Progresivo es lo que llevan a cabo estos noruegos. En su primer disco, esta novel banda cuyo origen se encuentra en el Conservatorio de Música de Adger, sale al ruedo con un disco debut que, además de abordar con bastante inteligencia el estilo principal dentro del cual se mueven (Progressive Metal), toman influencias de estilos que muchos amantes del estilo ignoran o denuestan, pero que aquí se encuentran bien incrustados dentro de la propuesta de los noruegos.
A saber, este cuarteto busca introducir elementos más modernos dentro del complejo estilo que abarcan, tomando cosas de bandas como Meshuggah (quienes, no se puede negar, son bastante progresivos), vocalizaciones que encajarían a la perfección en alguna banda de Nü Metal y hasta algo de Pop en algún que otro estribillo. Ritmos entrecortados que coinciden con el trabajo de la guitarra de Simen Meland Handeland, quien combina acordes igual de entrecortados con armonías sumamente agradables. Por ahí aparecen sintetizadores que aportan un sabor edulcorado que le quita poder a la música del grupo, pero que encajan dentro del costado más Pop de la banda. La voz de Kevin no es ajena a todo esto, jugando con entonaciones prístinas y exquisitas, pasando a los gritos desgarradores propios del Nü Metal más agresivo y algún estribillo algo meloso que dice poco y nada, pero siempre cantando bien, realmente bien. Mas, no sólo son buenos instrumentistas, pues también son compositores y, de hecho ,se encargaron prácticamente de toda la grabación ellos mismos.
Produjeron y grabaron el disco ellos mismos, enviándose lo posteriormente a Daniel Bergstrand y George Nerantzis de Dug Out Productions (Meshuggah, In Flames, entre otros) para la masterización y mezcla. O sea, los muchachos quieren tener el control de todo o casi todo lo que hacen, y eso está perfecto pues demuestra que estos noruegos tienen personalidad. Y lo demuestran, además, en sus composiciones, las cuales tienen sus altibajos debido a que no todas las mixturas les salen tan bien como ellos quisieran. Hay canciones que no tienen desperdicio alguno ("Time Collapse" es casi perfecta, "Ignorant Child" le sigue de cerca y "Epiphany" parece compuesta por Devin Townsend). Luego, hay algunos tracks que dicen poco y nada, como así también hay momentos realmente agradables, aunque no por eso geniales. Incluso, hasta hay una canción que sobresale al margen de todo el disco gracias a la voz femenina (disculpen, en la gacetilla no incluyeron el nombre de esta chica), la dulzura de la canción en sí y los excelsos arreglos utilizados: "Disorientated", la canción que lleva el nombre del disco.
En resumen, estos noruegos tienen clase suficiente como para captar la atención de los fans del estilo, y atraer a gente ajena al Progressive Metal gracias a la mixtura de estilos uqe, habitualmente, no se encuentran dentro del radio de movimiento y aceptación de los fans del Prog. En lo personal aporto mi opinión: deben afinar la puntería en el rubro Mezcla de Estilos. A veces aciertan, pero en otros instantes le erran al centro. Es cuestión de trabajar un poco más en ese detalle, pues talento tienen, a no dudarlo.

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Metal Detector

Tylor Dory Trio - Carried Away

Año: 2015
Sello: Autoproducido/Independiente
País de origen: Canadá

Este EP del trío canadiense que ahora voy a reseñar me agarra en el instante justo. Desde hace un año, aproximadamente, vengo muy enganchado con todo lo que sea Progresivo: Metal (en todas sus vertientes), Rock, Stoner, lo que sea. Luego de muchos años alejado de todo lo que fuera Prog, últimamente estoy disfrutando, nuevamente, de las estructuras complejas y las grandes instrumentaciones; como cuando descubrí a bandas como King Crimson, Emerson Lake & Palmer y los viejos discos de Yes, hace varios años ya.
De todo lo dicho anteriormente se desprende que este Tylor Dory Trio tocan Metal y Rock Progresivo ¿cierto? Pues así es, y cabe acotar algo: hacen buen Metal/Rock Progresivo. Ahora bien ¿por qué la distinción entre Rock y Metal? Porque el trío juega moviéndose de un lado al otro de la línea divisoria entre el Rock y el Metal constantemente, sin quedarse mucho tiempo de un lado u otro. He allí el mayor acierto del grupo canadiense liderado por el guitarrista de los death metaleros Death Toll Rising: estar en constante búsqueda, en un movimiento sin fin que les prodiga esa capacidad para mantener al oyente pegado a lo que sucede en todo el disco.
Influencias de Opeth, Porcupine Tree, King's X (atentos a las armonías vocales, en donde también podrán encontrar algún toque a la Alice in Chains) y ese tipo de bandas, lo del Tylor Dory Trio es complejo pero sin caer en la exageración de Dream Theater, con quienes tienen su conexión en determinados pasajes, pero sin entrar en la pomposidad sofocante de la banda de John Petrucci.
Hay más canciones que exhibicionismo, hay más melodías que ejercicios masturbatorios. En otras palabras, las 4 canciones que integran el EP tienen cosas para resaltar, ya sea riffs, ya sea armonías vocales, cambios de ritmo y melodías instrumentales que, según el caso y el momento, logran hacer que el oyente se pegue al álbum y preste atención.
En el debe queda el hecho de que no toda la placa logra mantener la tensión a full. No todos los arreglos, no todos los instantes del disco logran ser cautivantes, aunque en ningún momento hacen agua. Digamos que e un disco equilibrado en el cual resaltan partes puntuales en las que el trío demuestra para qué están. Pero, en líneas generales, "Carried Away" es un disco muy, pero muy agradable, el cual requiere de mucha atención por parte del oyente y al cual hay que escucharlo muchas veces para poder encontrarle el punto justo. Tiene un equilibrio muy bien logrado, pero no surge en la primera oída sino en las sucesivas escuchas. Vale la pena tomarse el tiempo para encontrarle la vuelta a este breve pero interesante obra.

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Asher Media

Simulacrum - Sky Divided

Año: 2015
Sello. Inverse Records
País de origen: Finlandia

Segundo disco de la banda oriunda de Turku, Finlandia, integrada por 6 músicos bastante dotados desde lo técnico. 4 de los integrantes de Simulacrum son también integrantes de Chrism, una banda de Power Metal que cuenta solamente con un Demo en su haber. Algo de Power Metal hay en la propuesta de Simulacrum, creo que es casi imposible que así no sea pues en Europa hay cierta tendencia a que el Power Metal y el Metal Progresivo se crucen. Y con esto ya puse en claro qué tipo de música hace Simulacrum: Metal Progresivo. Con esto debería quedar en claro algo: estos tipos tocan bien ,realmente bien. Y poseen un sonido claro, contundente y elegante, tan elegante como sus ejecuciones.
"Sky Divided" oscila entre las -escasas- canciones en donde hay cierto tufo a Power Metal (aunque nunca se meten de lleno dentro del estilo), haciendo hincapié en las melodías y los arreglos sofisticados, y otro tipo de canciones en donde el componente Prog emerge con fuerza. Justamente, mientras más progresivos se ponen, mejor suenan. Mientras más compleja se torna la música del quinteto, mejores ideas salen a la luz, más y mejor exhiben sus dotes instrumentales y más redondo llega a ser todo. Sin ir más lejos, hay dos composiciones que descollan gracias a sus intrincados pasajes, arreglos cargados de buen gusto y una audacia a prueba de todo. "Broken", con un saxo omnipresente que le da al tema un aire de sensualidad y elegancia alucinantes, y la extensa "The Abomination", estupenda demostración de todo lo que pueden hacer estos tipos. Ambos tracks ponen de manifiesto que, mientras más elaboran las canciones, mejores resultados obtienen.
Líricamente, la banda elige la temática de la ciencia ficción, abordada desde una perspectiva filosófica -típico en las bandas Prog-, detalle que da el toque distintivo al disco, pues la placa es en sí una historia de ciencia ficción, a través de la cual el tecladista del grupo (Chrism) y el cantante (Niklas) nos introducen en un mundo dominado por la tecnología, además de reflejar su afición por la literatura de Ciencia Ficción.
Buen trabajo, en líneas generales. Lástima que no todas las canciones posean el mismo grado de complejidad, pues, tal vez, ahí estaríamos hablando de un gran disco. Pero con lo bueno que muestran en este segundo full lenght, les alcanza como para ganarse el respeto de los fans del estilo.

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