Wolfkhan - Cyber Necro Spirituals

Año: 2017
Sello: Arachnophobia Records
País de origen: Polonia

¿Pagan Black Metal con influencias Folk e Industriales? Disculpen ustedes, pero de entrada voy a disentir con esta etiqueta. ¿De dónde saqué esa etiqueta? De Metal-Archives, claro. Me pregunto ¿quién carajo supervisa dicha página? ¿Sabe algo de música esa persona, o esas personas? Pareciera ser que no, rotundamente no. En fin, vayamos al disco en cuestión, que está muy bueno.
Wolfkhan no es una banda nueva, por si te lo estás planteando. Este proyecto creado por Marcin Gasiorowski, líder de esa encantadora banda llamada Thy Worshipper (banda a la cual tengo pensado dedicarle su merecido espacio y tiempo), creó Wolfkhan en 1994, año en que grabó su primer Demo. Diez años más tarde, en 2004, Wolfkhan grabó un segundo Demo. Mas, el bueno de Marcin, alias Gonzo, decidió reactivar Wolfkhan en 2014, y tres años más tarde nos entrega lo que es su primer disco; un disco que, por cierto, es un verdadero placer para alguien como yo, tan metido en estilos tales como el Industrial, la Electrónica y el Avantgarde en general. Pues sí, Wolfkhan es un grupo (que se completa con el guitarrista Darius Kubala, también miembro de Thy Worshipper) al cual le calzan más que bien esas etiquetas, y que salvo la voz retorcida de Marcin, poco y nada tiene que ver con el Black Metal pagano. En todo caso, la conexión con el paganismo, que existe, es tangible, viene por el lado de las líricas.
Ritmos marciales, sonidos fríos y un aura mística que envuelve al oyente, así nos dan la bienvenida a través de "Kurwa", la primera canción, una pieza con ciertas reminiscencias de "Cannibal Song" de Ministry. Una voz femenina le da el toque mágico a la canción, y abre el abanico sonoro, abanico que ya no se cerrará hasta el final del disco.
Comienzan a echar mano a los elementos rítmicos tribales ya en la segunda canción ("Oczy"), aspecto que eleva el aire pagano a niveles realmente altos. Eso sí, en lo meramente musical, Marcin y su colega no se atan a nada, y el mismo Marcin lo explica mejor que nadie cuando dice que "No tengo ninguna dirección. La cosa completa simplemente viene así hacia mí, siendo lo que es", y nos entrega, de dicha forma, nueve composiciones variadas, subyugantes y desafiantes.
"Ognisko" incita a bailar en medio de las tinieblas, mientras la voz de Gonzo se torna furiosa y aporta el momento más extremo del disco. Y los ritmos sacuden, obligan al esqueleto a moverse frenéticamente con sus compases robóticos e hipnóticos. Seguidamente llega uno de los puntos altos del disco, la fabulosa "Pożeracz serc", con un contrabajo tomando el rol de eje de la pista, eje alrededor del cual Marcin construye una composición rica en arreglos, llena de capas de sonidos y texturas atrapantes que ponen al oyente en trance. La voz femenina, a mitad de camino entre Diamanda Galas (salvando las diferencias, claro) y Gudrun Snake (L'ahka Múza), cautiva con sus entonaciones prístinas pero endiabladas, y permite al resto del grupo concentrarse en un crescendo encantador, jugar con los matices del tipo tensión-distensión, y dale que va con la experimentación.
Los demás tracks siguen la misma senda de sonidos entre intensos y mesmerizantes, contrastando con el frío viento que entrecruza a cada pieza, además de la constante búsqueda a la que se somete Marcin para no caer en lugares comunes. Incluso cuando el oído pueda encontrar melodías o texturas familiares, estas lo son siempre dentro del vanguardismo y no dentro de lo simple y común. Pues si hay algo que éste disco no es, es común. Por suerte, pues ya estoy realmente harto de los clones de clones que solamente se limitan a reciclar ideas ajenas. Pulgares arriba para una de las revelaciones del 2017, aunque Wolfkhan esté lejos de ser una banda nueva.

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Triplezero - 000

Año: 2016
Sello: Antinomia Records
País de origen: España

Esta banda estaba destinada a aparecer en este blog. Por su estilo, y por la forma de encararlo, Triplezero era una banda que iba derecho a ser reseñada. Claro, el hecho de que la gente de Sepulchral Silence Records me haya facilitado el material ayudó muchísimo, eso es necesario decirlo. Pero, de una manera u otra, la obra inicial del trío barcelonés iba a pasar por aquí.
Yendo al comienzo de la historia, debo acotar que el trío fue formado por Pablo Selnik en flauta, Vasco Trilla en batería, y Dènys Sanz en lo referente a la parte electrónica del sonido del grupo. Según he leído, los tres músicos tienen una vasta trayectoria sobre sus espaldas, trayectoria que, debo reconocerlo, desconozco. Ahora bien, a juzgar por lo hecho en "000", pues debo ponerme al día con los anteriores trabajos de estos tipos pues me han dejado bastante caliente, con ganas de más. Y si uno quiere más, hay que investigar.
Inspirados en "The Elder Ones" del enorme Lovecraft, pero enfocados también en las perspectivas ocultistas de Asenath Mason y S. Ben Qayin, el trío desanda los sinuosos caminos del Dark Ritual Ambient, pero sin encerrarse en dichos márgenes. Toman cosas del Noise (escuchen la primera pista del disco), el Industrial, Avantgarde y Drone, incorporando un vocalista de voz reventada y endemoniada cuyo nombre es Eric Baule (del grupo de Progressive Death Metal Moonloop), quien aporta aires metálicos gracias a su voz; en otras palabras, Baule se encarga de darle el toque blacker al grupo, un grupo que poco y nada tiene de metalero, por cierto.
Juegan constantemente con las texturas, llegando a construir composiciones monstruosas en base a capas de sonidos que se superponen, generando un ruido infernal que ayuda a que la pista se eleve hasta umbrales cuasi insoportables para el oído humano no entrenado, como así también se calman de forma inquietante, y generan temas más calmos, pero notablemente más retorcidos, tal es el caso de "V", una pieza que pareciera ser más la música de fondo de un ritual ocultista que una canción en sí misma.
No se apegan a una fórmula y eso es digno de elogio. Manipulan los sonidos a su antojo (en "00" la experimentación los lleva a parecerse, aunque sea un poco, a Einsturzende Neubauten), buscan constantemente cómo combinar los sonidos y jamás, pero jamás se acercan si quiera a los parámetros convencionales de la música. O sea, ni Rock ni Metal hay acá, sino experimentación perversa, hipnotizante y siempre improvisada, o al menos dando la sensación de improvisación.
No, no es un disco para andar recomendándolo a todo el mundo. Ya saben, ninguna de las etiquetas dentro de las cuales podemos incluir a Triplezero se caracterizan por ser muy convencionales. Por ende, la música de este trío no está exenta de estar dentro de dichos parámetros de anti-convencionalismo. Mejor así, pues el día que éste tipo de música se torne convencional, yo dejaré de escucharla...tal vez.

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Arnwald - Primal Expurgation

Año: 2016
Sello: Abstruse Eerie Radiance
País de origen: Bélgica

Para aquellos que gustan de escuchar solamente sonidos convencionales, estilos musicales como el Industrial, Noise o Dark Ambient representan la anti-música o No Música. Claro, la ausencia de parámetros tradicionales que sostengan las estructuras compositivas, la carencia de márgenes bien definidos y la búsqueda constante de la ruptura con todo tipo de convencionalismo que le permita al oyente agarrarse de algo, hacen que estos estilos, claramente hermanados entre sí, no sean del agrado de las masas de personas que escuchan, todo el día, Heavy Metal o Punk en sus formas más tradicionales. No es mi caso, cabe acotarlo. Crecí disfrutando de la música desafiante y destructora de los límites que imponen el conservadurismo y la cordura forzada hasta lo insoportable. Es por eso que los estilos mencionados al comienzo de la reseña figuran entre mis favoritos.
Arnwald es un proyecto unipersonal que se sitúa en el centro del triángulo conformado por los estilos que cité antes: Industrial, Dark Ambient y Noise, pirámide musical que no todos se animan a recorrer. Además de eso, Arnwald es el proyecto de...Arnwald, cuyo nombre es Arnaud Vansteenkiste, a quien probablemente hayan escuchado en su rol de baterista junto a bandas consagradas como Enthroned, o bien junto a bandas menos conocidas, pero igual de atractivas, tal es el caso de Necroblaspheme, Humanitas Error Est o Lost God. Él mismo se encarga de describir a su proyecto con una claridad asombrosa, que me exime de hacerlo utilizando mis propias palabras:
"He tratado de crear algo personal, alejado de mis otros proyectos, algo puramente egocéntrico, pero aun conteniendo resabios de mi carrera como baterista". Esto es, entonces, un cúmulo de sonidos completamente alejados del Metal Extremo, aun cuando haya conexiones subyacentes con lo más experimental de dicho mundo sonoro (el del Metal Extremo), algo que puede reflejarse someramente en el tratamiento vocal; por cierto, las voces no están presentes en todo el disco, sino en pasajes puntuales y diseminados aquí y allá. Por supuesto, hay un trabajo percusivo que merece ser destacado. Arnwald, al ser percusionista, ha cuidado en detalle tal menester, otorgándole al álbum una gama de ritmos fríos, inhumanos, pero para nada cercanos a los convencionalismos del Metal Extremo. Minimalista, robótico y tribal a la vez, el trabajo rítmico es apenas una de las patas del primer disco de éste artista en su faceta más experimental. El eje no está allí, sino en las atmósferas, tan opresivas, sombrías y desequilibrantes como el estilo de Arnwald exige.
Los sonidos no pueden representar otra cosa que no sea lo que sucede dentro de la mente del responsable de dicha creación, es por eso que suenan a una especie de exorcismo espiritual, una purga de emociones y sensaciones atormentadoras que dependen pura y exclusivamente del estado emocional en el que se encontraba Arnwald al momento de engendrar cada una de las piezas que integran la placa.
Como ya dije, esto no es música para todo el mundo. Es algo más bien selectivo, música para gente dispuesta a abandonar su cordura (fingida o no), y dispuesta a entregarse a un viaje interior que puede llegar a transformarse, casi subrepticiamente, en un viaje cósmico. O sea, un desafío que no todos están dispuestos a afrontar. Yo, por si hace falta decirlo, siempre esto deseoso de imbuirme en tal situación.

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Author & Punisher - Melk En Honing

Año: 2015
Sello: Housecore Records
País de origen: USA

Recuerdo que hace 4 años atrás, cuando los sellos, agencias de promoción y varias bandas comenzaron a fijarse en Puro Ruido, mientras escuchaba un disco de una banda espantosa de Power Metal (que no voy a nombrar. Ya suficiente tuvieron con la reseña que les hice), en mi interior se instalaba y repetía el siguiente pensamiento: "¿por qué carajos no me toca reseñar a una banda como Author & Punisher? Crecí escuchando Música Industrial, no Power Metal. Sin embargo, debo reseñar esta basura". El tiempo puso las cosas en su lugar, y hoy casi no recibo material de clones de Rhapsody ni ninguna de esas bazofias, y sí me encargan reseñar lo último (hasta ahora) de una de las mejores bandas del siglo 21: Author & Punisher.
Con esto dejo en claro, o al menos adelanto, que "Melk En Honing" me encanta de principio a fin, y confirma lo que dije renglones antes: Author & Punisher es de lo mejor que hay en el mundo actualmente. Es que Tristan Shone entiende absolutamente todo en éste terreno, conoce al dedillo los detalles, las características, la esencia de un estilo que viene atormentando cerebros desde hace 40 años ya. Lo hizo ya en su primer disco, el demoledor "The Painted Army", lo hizo 10 años después con esta preciosa obra del horror y el odio.
Como dije antes, Shone entiende todo respecto a la Música Industrial, y lo desarrolla a la perfección. 1- Uso de sintetizadores y manipulación del concepto de Antimúsica, cualidad que se explica por sí sola.
2- Tácticas de shock, algo inherente al género, y que Tristan desarrolla magistralmente ya desde el asfixiante sonido que envuelve al grupo, y que le da un marco de furia y destrucción incontenibles.
3- Autonomía organizativa, pues Author & Punisher es, ante todo, un grupo independiente, que hoy cuenta con el apoyo de un sello como Housecore (sí, el sello de Phil Anselmo), pero que no pierde de vista su esencia de autogestión y la mantiene a rajatabla, aun cuando sus discos ya sean editados por sellos que no sean de su propia marca.
A todo esto hay que sumarle el amplio bagaje musical de Shone, quien no pierde el tiempo e incorpora todo lo que él considera óptimo para su propuesta. Así, al ambiente pesado y claustrofóbico generado por su música, le agrega lentitud Doom, matices Drone (con notas que se repiten y perpetúan hasta la eternidad), algunos ribetes provenientes del Noise, y hasta armonías vocales que se acercan al Pop, tal es el caso de la genial "Shame". Y, por supuesto, la estridente voz emitiendo gritos cargados de rabia, el ruido blanco inundándolo todo, samples, un bajo que abruma con su pesadez, ritmos aplastantes, sonidos inhumanos y un minimalismo omnipresente, aun cuando las cuasi infinitas capas de sonidos parecieran decirnos lo contrario.
¿Mejores temas del disco? No lo sé, éste es, a mi entender, un disco de 10 puntos. Y con esto quiero decir que todo el disco me parece fabuloso. Aun así, el comienzo con "The Barge", sentando las bases de lo que será toda la placa, o bien la antes citada "Shame", y en particular "Future Man", con su densidad a la Godflesh oscureciéndolo todo, se me antojan como los momentos más orgásmicos dentro de un disco que me provoca un placer exagerado en todo momento.
En otras palabras, sí, soy fan de Author & Punisher y me hace feliz reseñar sus discos, en lugar de tener que soportar voces agudas entonando versos inspirados en Tolkien.

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Housecore
Earsplit PR

Gridfailure - Further Layers of Societal Collapse

Año: 2016
Sello: Independiente/Autoproducido
País de origen: USA

La traducción del título de este disco sería algo así como Capas Adicionales del Colapso Societal. Podría decirse que tanto la música como la portada, nos indican claramente por dónde viene la crítica, y cómo es que vamos llegando a ese colapso como sociedad. Dave Brenner, mente y cuerpo tras Gridfailure, nos entrega un disco que sería algo así como el soundtrack de su visión del mundo moderno, decadente, sombrío y mediocre, colapsando en cada rincón y socavando los cimientos de un mundo perdido por la idiotez y el consumismo.
Para dicha expresión del mundo, Brenner ha elegido valerse de las tenebrosas atmósferas de ese estilo conocido como Dark Ambient, manipulando las capas de sonido de manera tal, que resulta fácil para el oyente imaginar un mundo bajo toneladas de polución, calles saturadas de vehículos conducidos por gente ansiosa e irracional, carteles de publicidad vendiendo cosas innecesarias y los ojos de millones de estúpidos enfocados en sus teléfonos celulares. Así de oscuro y desolador es el mundo que nos muestra Brenner a través de su creación; desolador pues dicho adjetivo nos indica la ausencia de vida en un Planeta lleno de vida. Tan contradictorio como aterrador.
La placa se compone de 7 temas que actúan de forma encadenada. Si no estás atento, es casi imposible saber cuándo comienza uno, cuándo termina otro, y así hasta el final. "Further Layers..." es un todo, con principio y final, con un desarrollo y todo lo que implica una historia relatada a través de sonidos. Mas, las escenas y secuencias se funde entre sí, y eso permite que la continuidad no se corte jamás, que el relato sea denso, asfixiante y sin cortes. Eso sí, de manera inteligente, Brenner usó solamente 30 minutos para expresar su perspectiva de lo que le rodea, un tiempo que es justo para lo que él hace en Gridfailure.
Usando sonidos que capturan las sensaciones contrastantes de los sonidos que están ahí fuera, tanto en la naturaleza como en la civilización, Gridfailure apuesta darle al oyente la chance de abstraerse del mundo exterior para pensarlo. Por cierto, no es sólo Dark Ambient lo que tenemos aquí, pues, como suele suceder, hay bastante de Industrial (la atmósfera opresiva), algo de Power Electronics (los momentos más tensos), y mucha electricidad biomecánica induciendo el movimiento de las piezas que integran el todo.
Buen trabajo, el cual es algo así como el enlace entre "Ensuring The Bloodline Ends Here", primer disco de Gridfailure, y "Hostile Alchemy", el nuevo opus de su proyecto. Antes de escuchar ambos discos, recomiendo escuchar éste "Further Layers..." con suma atención, sin interrupciones ni distracciones, así la película se desarrolla en la mente del oyente sin cortes innecesarios.

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The Compound
Earsplit PR

Rune - Solaroïds

Año: 2016
Sello: P.O.G.O Records
País de origen: Francia

1 hora y 30 minutos de experimentos electrónicos es lo que tenemos aquí. Un compilado de remixes hechos por otros artistas, auto-remixes, tracks creados para compilados y creaciones perdidas en el tiempo y espacio, y recuperadas para la ocasión. Sí, parece ser que estamos ante un compilado que aglutina material de Rune creado y grabado entre 1998 y 2016, mas, no puedo dar demasiada información al respecto pues la misma escasea. Por lo tanto, mejor me centro en la música.
Desde el costado experimental de la Electrónica al Industrial, y de ahí al Ambient, y de ahí al llamado Darkhop (siempre hay una etiqueta nueva ¿no?), con algún que otro coqueteo con el Drum & Bass, IDM, Dub y varias cosas más metidas en medio de los sonidos que convergen en el centro sonoro de la banda, y que provienen desde distintos ámbitos, aunque dichos ámbitos estén íntimamente ligados entre sí.
Es todo muy hipnótico, aunque de a ratos se hace necesario sentir un poco más de intensidad. O sea, si bien la música contenida en esta placa hace sentir al oyente como un espectador de un futuro en donde ha cesado la vida humana, y las formas de vida tienen un origen gaseoso/eléctrico, con todo lo frío y lejano que eso conlleva para nosotros, lo cierto es que también podría haber un poco más de turbulencia, pequeños arrebatos de caos entre tanta experimentación concienzuda.
De cualquier manera, esto que digo es para resaltar el único aspecto que me resultó poco atractivo, pues el disco en sí me parece bastante agradable de principio a fin. Hay una interesante variedad de recursos en casi todo el disco, haciendo que las imágenes contrastantes entre la fría oscuridad del Espacio Exterior y los destellos de vida futura no humana, confluyan en un punto intermedio en el cual le facilitan al oyente poder interpretar y disfrutar de las imágenes generadas por la música.
21 pistas, de las cuales 19 fueron creadas y grabadas por Rune entre 1998 y 2016, en Studio del Ombre (sí, así como lo leen), a excepción de los 9 y 11, masterizados en La Péranche en 2016.
¿Pistas destacables? "Muslim Raga", "Bad Dreamer (Rune Remix)" y su aire Noise, "Trash Control Vocals" (remix de NE555) y "Les Brochets (Rune vs [PUT])". De cualquier manera, "Solaroïds" es de esos discos que no contienen hits, sino experimentos. Si elijo dichas canciones es por esas son las que más me han llegado, es subjetividad pura. Es por eso que recomiendo escuchar éste disco sin la idea de encontrar grandes canciones, y sí hacerlo con las ganas de escuchar buena y experimental música Electrónica.

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Diapsiquir - 180º

Año: 2016
Sello: Necrocosm Productions
País de origen: Francia

No puedo resistirme al encanto de la música cuando ésta es el fruto de la autenticidad y la audacia. Claro, no todo lo que posee dichas cualidades logra atraparme, pero, en muchos casos, estas características, desarrolladas por artistas talentosos, suelen hacer estragos en mi cerebro. Y Diapsiquir, el trío francés al cual, probablemente, conozcan gracias al split que hicieron junto a Peste Noire, es una de esas bandas que derrochan tres cosas que combinadas, resultan infalibles para éste servidor: talento, audacia y autenticidad.
Siempre al borde la locura, y a veces, traspasando dicho límite sin temor alguno, la banda integrada por T.H., SxC y Rats, se libera de la demencia (momentáneamente) delineando composiciones cuyos límites son difusos, cuyas formas no son nunca definitivas, y con parámetros musicales y sonoros que no cualquiera sabe alcanzar ni combinar. Claro, hablamos de gente que absorbe y transforma todo lo que llega a ellos, reciclando sonidos e ideas de géneros y estilos como el Hip Hop francés, Avantgarde, Industrial, Rock de corte experimental, elucubraciones musicales cargadas de esa melancolía tan francesa, astucia para incorporar elementos electrónicos, y algún coqueteo con las guitarras crujientes y electrizantes de su colega Famine (sí, me refiero a Peste Noire); mas, por favor, no se les ocurra usar una etiqueta como Black Metal para clasificar a esta banda. Ese género les queda chico a tamaños artistas.
"180º" es el fruto de improvisaciones llevadas a cabo por los franceses, dejándose llevar hasta alcanzar un climax compositivo tan libre y tan de ellos (la banda suena con una personalidad única, fácil de identificar), que uno puede imaginarlos, verlos, en el momento exacto en que cada idea comienza a surgir, hasta continuar su senda natural en dicha improvisación. Por cierto, si bien todas las canciones nacieron de la improvisación, posteriormente fueron re-arregladas para ser puestas en el disco.
"Credo", "Vitriol" y "Dangeureuse onction" son lo más parecido que uno puede encontrar a una canción en éste disco, sin que ello implique que las mismas posean algún acercamiento al formato convencional de lo que conocemos como Canción. Aquí todo suena a Diapsiquir, y Diapsiquir aborrece las maneras ortodoxas de crear música. Apelan a fuentes de inspiración que parecieran alterar sus estados mentales naturales, y sacando provecho de dicha alteración para dar vida a un compendio de creaciones que descolocan al oyente de a pie, a ese que sólo piensa en Rock convencional de guitarras.
Por cierto ¿sabían que acá hay un ex miembro de Arkhon Infaustus? ¿No? Bueno, tampoco es tan importante. Lo realmente importante es saber abandonar los prejuicios al momento de escuchar el cuarto disco full de una banda que nadie debería ignorar.

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Against PR

Dutch Futurismo - Festival of Misfits

Año: 2016
Sello: Ektro Records
País de origen: Hungría

De la tierra de Bela Bartok nos llega éste fantástico dúo de experimentadores del sonido, quienes han creado, para ésta ocasión, un encantador trabajo en homenaje al aniversario número 100 de Dada. O sea, una obra inspirada en el manifiesto y creaciones dadaísta, a cargo de los audaces artistas llamados Éva Polgár y Sándor Vály.
En la tradición de dicha corriente de pensadores y artistas vanguardistas, el dúo húngaro, junto a Nea Lindgren y Mikael Jurmu, nos invitan a un paseo en donde no hay estructuras convencionales, en el cual el proceso creativo está basado en la improvisación, abordando los formatos de las ¿canciones? con arreglos y búsquedas tan peculiares como cautivantes, y capturando buena parte de los sonidos aquí registrados usando solamente un micrófono como testigo de tamaña exhibición de arte.
Al mejor estilo de maestros como John Cage, Dutch Futurismo, quienes están claramente influenciados por el Manifiesto Futurista escrito por Filippo Tommaso Marinetti a fines de 1908 (además de usar "instrumentos" improvisados, objetos de la vida cotidiana, que los posicionan dentro del llamado Arte Povera o Arte Pobre), Polgár y Vály rompen estructuras para crear nuevas formas, manipulando la música que hay en el ambiente, en los objetos, pero que no muchos logran percibir dentro del caudal de sonidos que la gran mayoría jamás consideraría como potables para hacer música.
El disco comienza con tres piezas tan indescifrables como llenas de un magnetismo inmenso. "Dutch Futurismo" (la canción), "Manifeste Cannibale" y "Enemy Alien", muestran al conjunto en un estado de trance absoluto al instante de parir y darle forma a sus obras, aunque pareciera que nunca las formas son definitivas. Siempre dejan espacio para que la mente llene esos espacios silenciosos, los silencios que dicen tanto o más que los sonidos, para que el oyente juegue con la imaginación y los llene usando la misma.
En cuanto al trabajo vocal, pues consiste en recitados de poemas dadaístas de Hans Arp, Hugo Ball, Kurt Schwitters y Francis Picabia, todos entonados de manera cuasi inexpresiva, pero, nuevamente, manipulando esa supuesta inexpresividad en pos de lograr una atmósfera que desafía la lógica, lo convencional. Dicho todo esto, debo admitir que me encanta éste disco, al punto de que voy a empezar a seguir a estos húngaros de ahora en más, sin perderles pisada alguna.

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Ironhand - Hello, Operator

Año: 2016
Sello: Xperiment XIII Records
País de origen: USA

Me gustaría saber por qué surge la etiqueta Black Metal tan a menudo, en ámbitos musicales en donde poco y nada hay de Metal, más allá de la etiqueta del subgénero que sea y que pertenezca al mundo del Metal. Leyendo diferentes reseñas de esta banda creada por Jarod Summers (alias Heretic Prime), me di con que muchos críticos usan la etiqueta antes citada (Black Metal) para incluir dentro del bagaje musical de éste proyecto con raíz en New Jersey. Sinceramente, el hecho de que la voz de Jarod pueda emparentarse mucho o poco con la voz de bruja tan típica en el Black, no implica que se deba imponer dicha etiqueta con tanta liviandad. Ok, tal vez en algunos otros trabajos haya metido algo de Metal en su música, no lo niego. Mas, en éste disco en particular, hay tanto Metal como en mi cuerpo (o sea, nada).
Ironhand es música Industrial, o Dark Electro, y hasta Música Electrónica de impronta retorcida y oscura, en todo caso, pero no Metal. Acá ni siquiera hay Metal Industrial, más allá de algún momento en donde pareciera querer acercarse al mismo, pero no más que eso. Lo de Ironhand está más cerca de God Destruction, Alien Vampires y hasta un poco de Skinny Puppy en instantes puntuales (y aspectos puntuales...como la voz, por ejemplo), con sonidos fríos y mecánicos inundando todo el universo musical del proyecto de Summers, uniendo lo humano (desde una perspectiva diabólica y psicótica) con lo inhumano (la máquina creciendo en su dominio hasta casi reemplazar al hombre).
Sintetizadores como instrumentos-estrellas del disco, bases programadas, sonidos digitales, atmósferas futuristas post-apocalípticas y una voz perversa, con ese toque de ruido blanco rodeando la voz, algo típico en éste tipo de bandas.
El disco puede dividirse en dos partes: la primera contiene las canciones creadas para la ocasión, y la segunda parte es la que nos trae los remixes realizados (por otros artistas) de las mismas canciones previas. Un total de 16 pistas de Electro inquietante y bailable a la vez, aunque no de la manera en que uno puede entregarse a la danza como sucede con el EBM, poniendo mucho énfasis en las atmósferas antes que los ritmos, pero sin descuidar ésto último (aunque el remix de "Speak Silence" sea 100% EBM moderno).
Lo mejor del disco es, a mi parecer, la versión original de "Der Wald" y su ritmo marcial propiciando el crecimiento de armonías y sonidos que ponen al oyente ante imágenes de un poder totalitario erigiéndose como un Todo indestructible, mientras la masa se divide entre la obediencia y la rebelión (hay una buena versión remixada también).
Ironhand lleva en la ruta un poco más de 10 años ya, aunque éste es mi primer acercamiento a la obra de dicho proyecto. Pues ha sido más que interesante éste primer acercamiento, al punto de ponerme a buscar más material de Summers y su criatura. Si bien no es lo que más escucho dentro de este estilo específico, la combinación de atmósferas y sonidos fríos e inhumanos con el contrapunto humano, han hecho de éste trabajo algo muy entretenido para éste servidor.

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Fullblast! PR

Gnaw Their Tongues - Hymns for the Broken, Swollen and Silent

Año: 2016
Sello: Crucial Blast (CD) / ConSouling Sounds (Vinilo) / Tartarus Records (cassette).
País de origen: Holanda

Una de mis bandas/proyectos predilectos en lo que va del siglo 21, es la criatura engendrada por Mories, a quien probablemente conozcan por su trabajo en otras creaciones como Cloak of Altering, Black Mouth of Spite, Mors Sonat, y la lista sigue. Como buen enfermo que soy del ruido, la experimentación y la locura devenida en sonidos industriales y demás, lo de Moires me resulta absolutamente encantador, además de estremecedor. Es por eso que espero con ansias cada trabajo realizado por éste vanguardista/terrorista año tras año, algo que ya no me sucede tan seguido (tal vez me esté volviendo viejo, o tal vez la música haya decaído demasiado en cuanto a calidad y audacia en éstos últimos años). Así que, no voy a negarlo, me puse realmente feliz cuando Dave de Earsplit PR me envió la promo del, hasta ahora, último disco full de Gnaw Their Tongues.
Ya en el 2015, éste artista me había hecho eyacular con su fabuloso "Abyss of Longing Throats", una de las mejores obras de Gnaw Their Tongues hasta la fecha. Pues resulta que éste nuevo trabajo es más de lo que uno espera de él, y sin bajar la calidad ni la violencia, ni mucho menos la demencia, a la cual nos tiene acostumbrados. Por cierto, y antes de seguir, necesito aclarar algo: no creo conveniente seguir usando la etiqueta Black Metal para rotular lo que Moires hace aquí. Sus influencias más fuertes vienen por el lado del Industrial, el Dark Ambient, el Noise/Power Electronics y cosas así, y el Black Metal no es más que un recurso que Maurice de Jong (quien en realidad nació en Surinam) utiliza para incorporar más ruido y negrura a su macabro mundo sonoro. Ahora sí, continúo.
De entrada, la cosa se pone turbia, inquietante, con esos sonidos que de Jong usa para explorar los rincones menos convencionales del espectro sonoro, esos sonidos que la mayoría de la gente busca evitar. Y es que dichas frecuencias, dichas capas de sonidos y tonalidades varias, que van desde los cuasi imperceptible -y bajo- a lo extremadamente filoso y penetrante (con agudos que perforan los tímpanos), permiten al oyente vislumbrar horrores indecibles e indeseables, esas mórbidas ideas que suelen alojarse en mente tan peligrosas como inteligentes, y tan impredecibles como todo lo otro. Así es la música de Gnaw Their Tongues: terrorífica, impredecible e inteligente, y ahí reside su oscuro encanto. Encanto que comienza ya con la sinuosa "Hold High the Banners of Truth Among the Swollen Dead", un comienzo lleno de disonancias y exploraciones sonoras tan meticulosas como insidiosas. Todo lo que sigue es una exhibición de atrocidades varias, pergeñadas por una mente brillante...y perturbadora.
No es música de hits y eso está claro. Mas, en un panorama aterrador y anticonvencional, debo decir que hay piezas como "Your Kingdom Shrouded in Blood" y la que da nombre al disco, que son capaces de ponerme al borde de la demencia absoluta, listo para el manicomio. Y para aquellos que gustan de usar la etiqueta Black Metal para clasificar a GTT, pues ahí está "Silent Burned Atrocities", lo más "cercano" al Black que hay en un disco en donde todo lo que suene oscuro, horroroso y endemoniado, es usado magistralmente para crear una obra que desafía, como de costumbre, a todo aquel que pretenda mantenerse eternamente cuerdo.
¿Si yo estoy cuerdo o no? Pues de estarlo, de ser un tipo convencional y normal, no estaría disfrutando, nuevamente, de una obra de GTT ¿no?

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God in a Cone - Agrypnia

Año: 2016
Sello: Independiente/Autoproducido
País de origen: Grecia

En los 90's la Música Industrial tuvo un pequeño, pero fructífero momento de gloria. Mientras que en sus albores el estilo conocido como Música Industrial fue todo un hallazgo, una verdadera revolución. en los 90's se coló en el mundo del Rock y el Metal, gracias a bandas que mixturaron los sonidos fríos y futuristas de la música Industrial con elementos más convencionales, tomados, obviamente, del Rock y el Metal. God in a Cone tiene cosas de esa era de la música Industrial, de cuando se tornó más accesible, o menos caótica, si se quiere, y lo fusiona con elementos extraídos de subgéneros muy cercanos, como el Coldwave o el Synthpop, más toques góticos que me recuerdan a la era más Pop/bailable de algunas bandas metaleras que en la segunda mitad de los 90's optaron por abandonar las filas del Metal.
Por cierto, y esto no es información al vicio, la banda no es una banda en sí, sino que es la obra de una sola persona: Nikos Marinos, un músico versátil e inteligente, quien se hace cargo de todo de forma más que respetable.
Sonidos mecánicos, notas lánguidas y frías, algún que otro arrebato de guitarras pesadas colándose en medio de las texturas robóticas, y una voz nada sobresaliente, pero bien usada. Argumentos que Marinos usa para dar rienda suelta a su segundo opus, en el cual hay una gama variada de melodías y sonidos, pero siempre dentro del ámbito en donde lo electrónico predomina por sobre lo "humano" (el uso de las comillas no es casual: todo instrumentos electrónico obedece a las órdenes del humano).
No es un disco para arrancarse los pelos, no me provoca esa locura opresiva y casi incontenible que aun me provocan los discos que se hicieron en los 90's, y parte de eso se debe a que el sonido no posee la espacialidad, esa dimensionalidad que le confiere cualidades envolventes a la música. Pero Nikos compensa esa falencia (pues el sonido es débil, más allá de que su frialdad es inherente al estilo en sí) con un buen puñado de ideas, nada espectaculares, pero bien trabajadas desde su concepción hasta su realización.
Dentro de las canciones que más me gustan, están "DWN" y su sensualidad absorbente, y la rockera "30 Days", lo más intenso del disco, con un claro parecido a lo que hicieron bandas como Tiamat o Moonspell a fines de los 90's. Pero, insisto, "Agrypnia" (término médico que se le da al insomnio) es un álbum más bien agradable antes que cautivante, sin sobresaltos ni grandes momentos. En todo caso, es un disco para ser escuchado en momentos de soledad...o bien, cuando te dedicás a coger toda la puta noche. Ustedes eligen.

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The Black Scorpio Underground - Necrochasm

Año: 2016
Sello: Husk/Prison Tatt Records
País de origen: USA

Joe Truck es el padre de The Black Scorpio Underground. No es un novato éste muchacho, lleva décadas metido en el mundo del terrorismo sonoro, además de ser un afamado tatuador. En 1982 formó la banda de Deathrock Scarecrow, y en varias ocasiones compartió escenario con miembros de Swans, Einsturzende Neubauten, Samhain, entre otros. Un artista que ha dedicado buena parte de su vida a la oscuridad hecha arte, al horror convertido en arte, al caos engendrando arte. Ahora nos atormenta con su nueva criatura, una bestia llamada TBSU, con la cual llega al tercer disco.
Erik Danielsson, el mismo de Watain, no ha escatimado elogios para ésta nueva pesadilla sonora, y motivos para justificar la admiración de Danielsson por esta banda no faltan. TBSU mantienen viva la llama del Harsh Noise norteamericano más insano, ese que se nutre de la flamas infernales que abrazaron y engulleron a los asesinos seriales más afamados, esos que solamente pueden nacer y reproducirse en una sociedad tan enferma como la norteamericana. "Necrochasm" es un viaje por los sectores más turbios de la mente humana, y es, a su vez, un viaje por los rincones más tenebrosos de una sociedad decadente y enferma. Y qué mejor que recurrir a toneladas de ruido, a capas de sonidos monstruosos que se superponen, que se reemplazan por otros más atronadores; qué mejor que crear una obra negra como el fondo de un abismo, pero exquisita en su putrefacción. Es que Truck y sus compañeros no son improvisados, no son personas que se limitan a hacer ruido y solamente eso; ésta gente sabe cómo manipular los sonidos, cómo llevarlos de aquí para allá, y sacar provecho de cada matiz, de cada arreglo o estruendo para convertir al álbum completo en algo tan asfixiante como atrapante.
7 piezas que parecieran ser 7 habitaciones en donde se han cometido crímenes horrendos, eso pareciera ser "Necrochasm". Y Truck es el anfitrión/asesino que nos pasea por dichas habitaciones, mostrándonos los resultados de sus ataques furtivos, como si las "canciones" fueran herramientas de tortura y muerte.
Ya sabemos, en discos así resulta muy difícil encontrar canciones para destacar, pues no es así como funcionan las cosas en éste tipo de música. Pero, si me dan a elegir, la atmósfera corrosiva y opresiva de "Venereal Liturgy" me pone en un estado de trance más obscuro aun que las otras 6 creaciones. De cualquier manera, a "Necrochasm" hay que escucharlo completo, pero estando uno en un estado mental adecuado para afrontar tamaña exhibición de locura y terror. Terror sonoro, claro, eso no se discute. Es esa clase de terror que, de una manera u otra, inspiró el nacimiento de éste blog, cabe decirlo.

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Steel Hook Prostheses - Calm Morbidity

Año: 2016
Sello: Malignant Records
País de origen: USA

El nuevo trabajo del dúo norteamericano Steel Hook Prostheses no podía tener un título más adecuado. Es que su música posee el estremecedor encanto de una calma mórbida, que contiene en su interior la ira contenida de aquel cuya mirada mórbida acerca del mundo, se mantiene en calma, explotando en furibundos ataque de ira ocasional...y devastadora. Como un asesino serial cuya tranquilidad esconde lo peor de lo peor. "Calm Morbidity" es eso, y el formato elegido proviene de un universo sonoro que yo amo: la Música Industrial. Ahora bien, aunque las raíces del sonido de la banda de John Stillings y Larry Kerr estén en lo más puro y corrosivo de la Música Industrial, lo de ellos recibe (adecuadamente) otras etiquetas. Noise, Power Electronics, Dark Ambient y/o Death Industrial, por ahí va la cosa.
De entrada, ya desde la imagen exhibida en la portada (obra de Maurice De Jong, quien hace de las suyas en horrores adorables como Gnaw Their Tongues o Cloak of Altering, entre otros), el dúo de Texas nos advierte acerca de la clase de espanto que nos espera una vez que hayamos dado comienzo a la audición. Un torrente de sonidos morbosos y corruptos, producto de la febril imaginación de estos dos dementes, procesados a través de ordenadores, pedales y todo lo que tengan a mano para llevar a cabo su acto terrorista. Sí, esto es Terrorismo Sonoro y no joda.
Alusiones a enfermedades terminales que, a su vez, son conectadas con la ideología oscura y tenebrosa del grupo, enfatizando el hecho de ver al hombre en sí mismo como si fuera (o lo es) una enfermedad. Y la música del grupo así lo demuestra con claridad asombrosa, aun en medio del caos desatado por los texanos, de manera oscilante entre la calma y la tormenta.
"Calm Morbidity" es como transitar por oscuros y húmedos pasillos de algún hospicio mental abandonado. En la piel se puede sentir la inmundicia de los desaparecidos internos del manicomio, en el sonido del grupo residen los gritos y espantos proferidos y experimentados por los mismos, y en su aura se esconde El Mal en persona.
Para aquellos que solamente conciben la música como una combinación de armonías y ritmos perfectamente amalgamados, lo del dúo formado en 1999 les va a resultar insoportable. Pero, para aquellos que adoramos al Industrial, y que nos mantuvimos al tanto de todo lo que fue sucediendo en la escena Industrial/Noise a lo largo de la historia, lo del dúo norteamericano (claramente influenciado por el Industrial terrorífico y extremo que azotó a Europa en los 90's), este nuevo trabajo de SHP va a resultar un oscuro y gratificante viaje a lo más peligroso de la mente humana.

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The Black Yo)))ga Meditation Ensemble - Asanas Ritual Vol.1

Año: 2015
Sello: Screaming Crow Records
País de origen: USA

Peculiar y muy atractiva propuesta la de este ensamble de artistas procedentes de varias bandas, quienes abordan el costado oscuro de la música como vehículo para meditar. Desde Drone hasta Doom, pasando, claro está, por el Ambient (de hecho, esto es lo que más hay, además de Drone), Industrial, y algún que otro estilo de la galaxia Pesada, además de tomar mucho de la música tradicional para meditar, siempre pasando todo por un filtro ambiental relajante y espacial que termina siendo el eje y envoltorio de la música del grupo.
Este ensamble nació cuando Kimee Massie y su esposo Scott conversaban en su auto escuchando a Bohren & der Club of Gore. Dialogando acerca de la posibilidad de ensamblar el tipo de música de la banda recién mencionada, con cosas de otras bandas que escuchaban mientras viajaban (Locrian y Sleep, puntualmente), este proyecto comenzó a tomar forma. Por supuesto, si hablamos de tomar forma es porque comenzaron a aparecer otros actores en la historia (Chad Hammit fue el siguiente)  y la cosa fue encaminándose hacia lo que Black Yo)))ga es hoy: una entidad creativa que aporta algo diferente a la escena, sobresaturada de clones de clones, sin ser la mar de originales, pero expandiendo, o ayudando a expandir horizontes a través de su arte.
Loable lo de la banda con su decisión de usar éste tipo de música para ayudar a quienes sufren de problemas de alcoholismo, drogadicción, ansiedad, depresión y otros traumas que afectan a la conducta del individuo, imposibilitando a quienes padecen estos problemas a llevar una vida plena, o aportando herramientas para alejarse de las turbulencias que dichos problemas acarrean.
"Un espacio de música pesada para la meditación", eso nos dicen en su gacetilla. ¿Cómo sería, en éste caso, lo que aportan estos audaces músicos con su música y en la misma? Indudablemente, saben bien qué es la Meditación y cómo se lleva a cabo; de lo contrario, no hubiera sido posible crear algo tan profundo e hipnótico. "Asanas Ritual Vol.1" condensa los estilos que mencioné al comienzo, pero siempre evocando imágenes espaciales que invaden al oyente y lo ponen en estado de trance. Es música extracorporal, para experimentar sensaciones abandonando el cuerpo y entregándose a la búsqueda de un balance extraordinario que se logra tras varios viajes fuera de uno mismo. Les aseguro por experiencia propia, tras entregarme sin problemas a lo que propone esta banda de Pittsburgh, que es otra la perspectiva que uno tiene de su entorno cuando, tras escuchar y volar con el disco en cuestión, se puede "regresar" el cuerpo.
Claro, hay que estar predispuesto a realizar dicha tarea sin prejuicios, vaciando de resistencia al propio ser para que las poco convencionales piezas que conforman la placa surtan el efecto deseado en el oyente. O sea que no es un disco para escucharlo mientras realizas otras tareas, ni para ponerlo de fondo mientras hablas con amigos ni nada por el estilo: es para escucharlo solo, a oscuras si es posible, y totalmente concentrado en la música. No es música fácil de digerir, mas, no se supone que lo sea. Como bien dije varias veces ya, es música para meditar, no para tomársela a la ligera. Es por eso que éste viaje no es para cualquiera.

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Autokrator - The Obedience to Authority

Año: 2016
Sello. Godz ov War Productions / Krucyator Productions
País de origen: Francia

Obediencia a la autoridad. ¿Acaso no hay similitudes con lo que llamamos conformismo? El conformista es obediente y encuentra en la imagen de la autoridad un protector, alguien se hará responsable de todo aquello que el conformista prefiere evitar con tal de no asumir más responsabilidades. Mas, el precio a pagar es obedecer ciegamente, y ello lleva a la persona a empequeñecerse, a volverse un ser diminuto, aplastado. Su existencia es peligrosa para el resto, claro, pues no sólo permite el avance totalitario de la autoridad, sino que justifica dicho avance bajo el pretexto de que "es lo mejor para todos". Y así, y gracias a estos energúmenos, la sociedad se vuelve un lugar opresivo, sofocante, falto de libertades reales y plagado de libertades ficticias.
Autokrator, la banda que hoy reseño, han logrado capturar todo eso y más con su música. También han logrado representar el horror del aplastante poder de la autoridad sobre una masa inerte de seres débiles y pasivos. Han logrado convertir en sonidos los terroríficos crímenes cometidos por las autoridades en pos de un sueño que, más que sueño, es una pesadilla. Y para concretar esa creación tan horrenda y atractiva a la vez, se han valido de géneros que, desde sus orígenes, han convivido con el horror, la opresión y la violencia (además de una subyacente oscuridad que termina siendo parte esencial de los mismos). Me refiero a la música Industrial, el Death Metal y el Drone, todos estilos musicales que contienen una carga negativa realmente grande.
"The Obedience to Authority" es el segundo disco del dúo francés integrado por L.F. (guitarra, bajo y samplers) y David Bailey (voz), sucesor del no menos sofocante debut autotitulado del 2015. Un segundo disco en el cual la producción juega un rol esencial en esto de aplastar al oyente, de oprimirle el pecho hasta dejarlo sin aire. Una guitarra enterrada en la mezcla, puesta a la altura de la batería para generar una confusión sonora enorme, dejando poco espacio para la claridad y, de paso, potenciando la oscuridad. Volumen no tan alto, distorsión saturada, bajan los graves y ponen los medios a tope, logrando un sonido ruidoso al mejor estilo del Napalm Death de "Scum". La batería va bien al frente, con un sonido gordo y pesado, resaltando cada arreglo, cada detalle (ya sean blast beats, ya sean cortes, o el repiqueteo del bombo o quiebres alienantes), nada queda en segundo plano y por eso los golpes pegan tan duro en el oyente. Y la voz bien de ultratumba, cavernosa, saturada de reverberancia y dueña de una profundidad abismal, tan al frente como la batería.
A ellos les gusta autodefinirse como Suffocating Death Metal, pero acá hay más, mucho más que Death Metal. Industrial en casi todo momento, este elemento resalta en tracks como "Chapter III" y "Chapter VIII", en donde los experimentos sonoros cobran fuerza y dejan salir a la luz la otra parte de la identidad del grupo: el Drone, componente que usan para ambientar cada momento en el que este elemento aparece con el fin de borrar de la mente del oyente la sensación de estar pisando tierra firme.
Ahora bien, más allá de las descripciones que he hecho acerca del disco ¿cuál es mi opinión sobre la calidad del disco en sí? ¿me gusta o no? Me encanta, a decir verdad. Las razones están detalladas en la reseña, por lo que no creo que sea necesario explayarme más de lo que ya me explayé. Ahora está en ustedes hundir sus cabezas en este turbulento universo sónico llamado Autokrator.

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Institution D.O.L. - 17 Shameless Years

Año: 2015
Sello: Klanggalerie
País de origen: Austria

Un tormento sonoro cargado de sensaciones y emociones negativas y destructivas. Un torrente de ruido y sonidos caóticos. Institution D.O.L. viene pariendo esta música estridente y malvada desde 1998, aunque a Barbie B. (mente maestra detrás de esta banda) la gusta separar la historia de la banda en dos eras bien definidas. Una, abarca desde el comienzo (1998) hasta el año 2008. La otra comienza en el año 2014, por lo que este disco que hoy reseño entraría en esa segunda era.
"17 Shameless Years" es uno de los ataques sonoros más enfermizos que he escuchado últimamente en contra del mundo occidental y su decadente estilo de vida. Cada sonido, cada ruido, cada atmósfera y cada grito proferido, no hacen más que irradiar asco y odio en contra de un mundo consumista, un mundo devenido en un gran comercio, en una especie de shopping center en donde todo está a la venta: ideas, imágenes, sentimientos, personas, todo. Para transmitir su desagrado, para expresar cuánto le irrita estar en medio de tanta decadencia, Barbie B. y su co-equiper MK Vermin, nos taladran el cerebro con esa atronadora mezcla entre Noise, Power Electronics, Industrial, todo de primera línea. Institution D.O.L. puede ser puesta, como banda, a la altura de lo mejor que hay en dichas escenas hoy, sin lugar a dudas. Y este disco es la prueba más contundente (y retorcida de lo que digo).
Ya desde el comienzo con "With Burning Heart" (mi gran favorito del disco), el dúo arremete contra el oyente hasta someterlo y apoderarse del mismo, torturándolo y obligándolo a pensar a la vez, en medio de la tortura sonora a la que es sometida y con la cual es sometido. A partir de ahí, y a través de 17 tracks, la luz es devorada por una oscuridad gigantesca, la carne se descompone ante las abominaciones que penetran en la mente del oyente, y los oídos se convierten en un torrente de sangre que no deja de fluir hasta pasado unos minutos después de haber finalizado el disco.
Whitehouse, los primeros Throbbing Gristle, Genocide Organ, esos son los nombres que vienen a mi mente en primer término y que uso para darle como ejemplo al oyente desprevenido. Mas, acá no importan las influencias, en este disco lo importante pasa por otro lado: lo que Barbie y su compañera de banda dicen a través del cúmulo de sonidos y abominaciones descritas.
Según leí, este año podremos recibir una nueva y furiosa descarga bajo el nombre de "Exzess". No suelo ponerme ansioso ante futuros lanzamientos, pero, en este caso, y teniendo en cuenta que estoy hablando de una banda que me gusta mucho, pues debo admitir que hay un cierto grado de ansiedad ante la edición del nuevo opus de estos adalides del terrorismo sonoro.

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Abdomens - I am Not Programmed

Año: 2015
Sello: P.O.G.O. Records / NO Records
País de origen: Francia

Formados en 1992, Abdomens es toda una institución en el Punk francés y en países cercanos, mas Abdomens es una banda que se caracterizó (y caracteriza) por transgredir los límites del Punk y meterse en terrenos más amplios y menos convencionales que le han permitido al grupo abrir su espectro musical y llevarlo hasta límites insospechados por algunos. "I Am Not Programmed" no sólo es un homenaje más que merecido a este gran grupo (atentos, que no dije disco tributo. Ya hay un disco tributo, aunque este álbum que hoy me toca reseñar podría ser calificado de tal manera, pero de manera diferente), en el cual podemos encontrar remixes, variaciones realmente audaces, versiones pasadas por el filtro de la banda de turno y hasta una versión de "Welcome to the Machine" de Pink Floyd (aquí titulada "W2TM") a cargo de los mismísimos Abdomens.
Entre lo más destacable tenemos a N.F.H.C. y la canción "Elastic Mood", muy en la línea de Killing Joke, a NE555 y la Industrial "Lamber Jack Roots remix", el viaje psicodélico de Transmecanic Black Dawns en "Zepa" (una versión hipnótica de principio a fin), Daarklight y su cover a la Godflesh de "Open The Door" -un clásico de Abdomens- y el corte funky en "Atmospher" a cargo de Quimbokat. El resto del disco ,aun sin llegar al nivel de estas versiones, es altamente adictivo y, por supuesto, recomendable.
Acá brilla la variedad, la cantidad de recursos puestos al servicio de la música de una banda de culto que merece ser conocida y reconocida por los amantes de estilos como el Punk, Post Punk, Industrial, Ambient, Noise, Dark Ambient y la Música Electrónica. Así de ecléctico y movedizo es el espíritu de estos franceses, por eso sus canciones se amoldan sin ningún tipo de problemas a los formatos antes mencionados y utilizados aquí con una naturalidad asombrosa, como si las canciones hubieran nacido para ser ejecutadas en estos formatos. De hecho, el nombre del disco es una clara representación de la falta de ataduras en Abdomens, de esa cosa tan libre y para nada programada que los caracteriza. Pueden gustar o no, pero esta banda es una verdadera oda a la libertad de expresión musical, un culto a la experimentación y a la necesidad de derribar barreras. Es por eso que "I Am Not Programmed" es un muy buen disco.
Por cierto, este año salió "Open The Door (25th Anniversary EP)", el cual consta de 18 versiones diferentes de la misma canción. No se lo pierdan, ni dejen pasar este "I Am Not Programmed".

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Kill The Thrill - 1989

Año: 2015
Sello: Atypeek Music
País de origen: Francia

Señoras y señores, he aquí el primer álbum nunca editado de una de las bandas francesas de Metal Industrial más importantes de todas, si no es que son la banda más importante de dicho estilo en ese país.
Formados en 1989, Kill The Thrill nunca recibieron el reconocimiento tan merecido, siempre estuvieron en una segunda -e imaginaria- línea, detrás de los grandes del género como Godflesh, Ministry, Nine Inch Nails, Killing Joke, etc. Quizás sus orígenes, mucho más cerca del Post-Punk que del Industrial en sí, haya hecho que algunos opten por no ponerlos en la lista de los grandes grupos del Metal Indusatrial, pero ¿acaso Ministry no comenzó como una banda de Synthpop? Cómo sea, no vamos a encontrar aquí la razón por la cual KTT no han logrado ser reconocidos como lo que son (una banda de primera línea), así que voy a decir lo siguiente para luego meterme de lleno en la reseña: alcanzaron el status de banda de culto y al menos con eso alcanza como para que aquellos que gustamos de vivir en las profundidades (en lo artístico, claro está) los conozcamos y los disfrutemos.
Como ya dije, "1989" es ese primer disco que jamás salió a la luz, y que ha sido lanzado de manera independiente por la banda en el transcurso del año pasado. El mismo nos muestra a un grupo mucho más cerca del Post-Punk más oscuro, incluso más cerca de eso que conocemos como Dark o Deathrock, que del Metal Industrial. Crudo, sensible, oscuro todo el tiempo ("Hesitation" resume toda la oscuridad subyacente en el estilo del grupo), de espíritu Punk ("Fire" es el más claro ejemplo), el trío saca a relucir su estado más primitivo y urgente. Más, todo esto que digo no implica que estemos ante un disco en el cual el estilo más clásico del grupo, ese que se sitúa adentro de los márgenes del sector más rockero de la Música Industrial, esté ausente. Escuchen "I Hate Your World" y sáquense cualquier duda.
De cualquier manera, insisto, acá predomina la influencia más gótica y mortuoria en la música del grupo, con algún pincelazo macabro a la Christian Death o Fields of the Nephilim ("Feel", uno de los mejores temas del disco), con la voz de Nicolas Dick exalando odio, desesperación, rabia y sarcasmo a más no poder. Efectos de guitarra como el delay o chorus están omnipresentes, aportando ese toque espacial que amplía el espectro sonoro y dota a la música del grupo de un aura de desequilibrio que se complemente con los acordes extraños y disonantes. Una batería programada y un bajo firme, simple y acorde al estilo del grupo terminan por darle forma a los primeros pasos de un grupo con una trayectoria de 25 años, con algunos discos estupendos en su haber ("Tellurique", año 2005, editado por Season of Mist y Atypeek Music) y con una claridad de concepto asombrosa a la hora de llevar a cabo cada idea que logran plasmar.
"1989" es de escucha obligatoria para conocer lo que fue esta banda en sus comienzos, y de paso, para disfrutar de una banda que nunca bajó los brazos y que siempre hizo buena música, siempre.


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Poterna - Fate

Año: 2015
Sello: Status Prod.
País de origen: Rusia

De la mente de Shilov, líder de la banda de Martial Industrial/Neofolk Order of Victory, nos llega este nuevo proyecto en el cual también está metido Antuan Graftio como productor y masterizador (el mismo hombre detrás de proyectos como Theory y Sacris Tandem). En este caso, Shilov abandona el estilo de su banda madre (Order of Victory), pero se mantiene dentro de los parámetros del Ambient e Industrial, abordando esa corriente que hoy se conoce como Post-Industrial, estilo que tiene en Letonia su mayor y mejor epicentro (de la mano del sello Sturm). Mas, aquí no estamos para hablar de la escena letona sino de Poterna, la nueva criatura de Shilov.
Para escuchar y comprender esta obra es necesario que el oyente lo haga entendiendo que debe dejar su mente en blanco, tal como si fuera un lienzo sobre el cual un pintor va a desarrollar su arte. es que este tipo de música crea y evoca imágenes por doquier, las genera en la mente del oyente cual filme de cine/arte vanguardista. Es decir, si estás acostumbrado a que te muestren imágenes y así ahorrarte el esfuerzo que supone crear las mismas en tu mente, pues es mejor que sigas de largo, Poterna no es para vos. Pero si sos de los que disfrutan de entregarse a los sonidos ambientales y atmosféricos que emanan del álbum en cuestión, o sea, un álbum de este tipo de música, y te gusta jugar con las imágenes que nacen en tu mente mientras los sonidos se suceden, pues estás en el lugar y momento justo: "Fate" es ideal para dejar que la imaginación vuele.
Como todo trabajo hecho por Shilov, "Fate" es un disco conceptual. En este caso puntual aborda la idea del apocalípsis creado por el hombre de su propia mano, llevando al ser humano a una especie de suicidio global y irreversible. Para ello, el ruso se ha valido de sonidos tomados de fábricas de acero y demás elementos ideales para hacer este tipo de música, además de la ya clásica inclusión de samples de distintas películas para enmarcar las capas y capas de sonidos que emergen desde lugares fríos y lúgubres. Y sí, "Fate" es un disco frío, no hay calor alguno que provenga de las texturas congelantes que usa este artista para dar rienda suelta a su lenguaje sonoro. Y si eso es lo que transmite a través de los 4 tracks que conforman el disco, pues entonces hay que decir que estamos ante un disco que cumple con su cometido ¿cierto?.
No, "Fate" no es un disco para todo el mundo. Es un trabajo complicado de asimilar, más aun si sos una metalero o punkie ortodoxo que sólo acepta música hecha con guitarras y con formatos convencionales. Ahora bien, si te gusta relajarte y sumergirte en un mundo de sonidos inhumanos y sofocantes, tal vez este disco sea de tu agrado. Al menos a mí me ha resultado muy agradable escucharlo y reseñarlo.

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Casus Belli

Irklis - The Plague Year

Año: 2014
Sello: Sturm
País de origen: Alemania

¿Alguien se acuerda del grupo Audioscope? Pues bien, si los recuerdan, esta banda que hoy les traigo no es otra cosa que el renacimiento de Audioscope bajo otro nombre. Y, en caso de que no los recuerden, ni sepan quienes son estos tipos, pues sería bueno que se pongan a buscar material de dicha banda germana de Electrónica/Industrial/Coldwave, etc. Robin Brüning, Roman Alexander Brüning y Aleksandrs Olgerts Berzins, otrora integrantes de Audioscope, fueron parte de la reunión del grupo 2003/2004, y de ahí viene la idea de crear esta banda llamada Irklis, o mejor dicho, la idea de dar vida a este álbum conceptual cuya historia sonora nos transporta (a su manera) hacia la Inglaterra de 1665-1666, plena época de La Gran Plaga de Londres (epidemia que se llevó la vida de entre 70.000 y 100.000, mayoritariamente en Londres. Se la conoce como Peste Bubónica a la epidemia que arrasó con tantas vidas).
Sonidos fríos de sintetizadores antiguos, pero no por eso menos efectivos, nos ponen en un lugar entre el futuro que este tipo de bandas siempre vislumbran en sus obras, con el pasado de la música electrónica y los comienzos del Industrial, con ciertos flirteos con el Krautrock y ese tipo de sonidos vanguardistas de parte de los 70s y principios de los 80s. Para lograr esa atmósfera y, por sobre todas las cosas, obtener esos sonidos tan peculiares y propios de un momento histórico dado, los músicos de Irklis se valieron de un Roland TR-808, un Moog Source, un Yamaha SS30, un Roland Alpha Juno, equipamiento como el EMS VCS 3, ARP 2600, Doepfer A-100, Doepfer Vocoder, Roland Space Echo RE-201, entre otros. O sea, una búsqueda de equipos e instrumentos idóneos para ponernos en sintonía con lo que hicieron bandas como Kraftwerk, Cabaret Voltaire y ese tipo de glorias de la experimentación sonora. El resultado final es un disco absolutamente atrapante, de principio a fin. Al menos para aquellos que como yo, disfrutamos de los sintetizadores siendo usados como herramientas para generar relatos sonoros que permiten viajar en el tiempo hacia distintas direcciones espacio-temporales, jugando con las texturas y provocando que el oyente entre en distintos estados mentales, pues este disco es una verdadera joya. Pasan de cosas más bien ambientales ("Dire Overture") a otras en donde las frialdad hedonista de las bandas electrónicas de fines de los 70s/principios de los 80s se hace presente como si se tratase de una grabación de la época ("A Sallow Sign in the Sky", "No Hope No Limit"), pasando por composiciones que podrían haber isdo parte de la banda sonora de "Blade Runner", "The Plague Year" pareciera querer ser una interpretación libre de lo sucedido en la Inglaterra de los años de La Gran Peste. Es como si las máquinas hubieran sido parte esencial de aquel trágico momento negro en la historia de dicho país. La frialdad de las máquinas y sus sonidos mecánicos e inhumanos, le confieren al paisaje (negro, dramático, sádico y decadente) descrito por Irklis un aire de desolación y un tinte gris extremadamente despiadado, que nos permite imaginar las pilas y pilas de cadáveres apilados en torno a fosas comunes, sí, pero que también podemos imaginar como si esos cadáveres estuvieran dentro de una fábrica abandonada en la Inglaterra de finales de los 70s o en la Alemania pre-Hitler (se me viene a la mente una especie de adaptación morbosa y negra de la genial "Metropolis" de Fritz Lang).
Sturm no se cansa de lanzar grandes discos, de descubrir grandes bandas, de aportar muy buen material al mundo del Industrial y estilos hermanados con el mismo. Y yo, no me canso de disfrutar de las ediciones de este sello. "The Plague Year" es una de esas gemas.

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