Bury The Machines - Wicked Covenant

Año: 2017
Sello: Midnite Collective
País de origen: USA

Apenas leí que Bury The Machines es la criatura de un ex integrante de Yakuza, mi interés por este proyecto creció y bastante. John E. Bomher Jr es ése músico que hiciera lo suyo en Yakuza, y que ahora lleva adelante este proyecto al cual no resulta nada fácil clasificarlo. Nada nuevo bajo el sol pues Yakuza ya era una banda difícil de clasificar ¿por qué habría de ser diferente con Bury The Machines o con cualquiera de los nuevos emprendimientos de los integrantes de aquella fabulosa banda?
He leído etiquetas que son adjudicadas a Bury The Machines y que encajan bastante bien con lo que hace John E. Bomher Jr aquí, pero que no le hacen plena justicia pues acá siempre hay algo más, constantemente hay una vuelta de tuerca. Stoner, Psicodelia, Metal, en cada comentario que se hace sobre éste álbum de tres temas, aparecen esas etiquetas inmediatamente, como buscando darle un marco definitivo a lo que hace este músico. Sin embargo, creo que hay otros elementos que no quedan ajenas a lo que escuchamos en los 28 minutos que dura la placa. Desde Postrock hasta Post-Metal, pasando por Shoegaze y algunas locuras llenas de emoción, pero a las que es mejor no buscarles etiquetas pues sería como cortar su fluidez.
El disco empieza con "Beneath my Wrath", en donde surgen ideas constantemente y Bomher Jr se permite jugar con ellas a lo largo de 11 minutos y 33 segundos que te permiten 1- reconocer el terreno por el cual vas a moverte a lo largo de 28 minutos 2- buscar la manera de encontrarte a vos mismos dentro de la densa bruma que envuelve al disco en su totalidad. Es que Bury The Machines es una creación en donde se conjugan los contrastes constantemente, en donde los matices se suceden y se combinan o diluyen para dar lugar a otros matices. Y el primer track, sin ser lo mejor del disco, merece todas las palabras previamente escritas.
En "A Victim's Tears" los componentes que dan forma a la canción se posicionan de forma un poco menos anticonvencional, pero sin caer en lo convencional. Más Stoner, más Psicodelia, pero las rarezas siguen fluyendo con naturalidad, aun cuando las estructuras son demasiado complejas como para hablar de naturalidad. Mas, el tipo se las ingenia para hacer que todo suene real, aun cuando hay pasajes que parecieran estar allí de manera forzada. Pero el hombre-orquesta se las arregla para hacer que todo cierre.
Cierra el EP con la mejor canción del trabajo: "Waterweapon", en el que las piezas logran encajar a la perfección. Y es aquí en donde entonaciones de ensueño, muy ligadas al shoegaze, logran darle a la canción el marco de melancolía que la misma exige. Profunda y desoladora, pero llena de belleza, esta canción marca la diferencia con el resto por su enorme carga de sensibilidad, pero sin perder jamás la singular dureza que contienen todas las demás pistas.
Un EP en donde la conciencia pareciera ser el vehículo que lleva hacia la superficie a estados tales como la depresión, la melancolía, la sensación de pérdida de algo valioso. Un disco en el cual cualquier atisbo de optimismo y/o alegría se ve teñido de tragedia y sufrimiento. Sin embargo, la calidad y el buen gusto que por momentos exhibe John E. no desaparecen nunca, ni siquiera cuando dichos estados llenos de dolor se erigen como fuente de inspiración central. Mas, este muchacho sabe cómo poner elementos opuestos en un mismo lugar y hacer que todo encaje. Por supuesto, que encajen no les quita su condición de extraño.

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Clawhammer PR

DDENT - آكتئاب

Año: 2017

Sello: Independiente

País de origen: Francia

Al Post Metal se le estaba acabando la gasolina, y eso se reflejó en la poca cantidad de ediciones que tuvimos de dicho estilo durante varios años. O al menos, y en todo caso, hubo poco relevante en materia de Post Metal tras aquellos años de gloria entre 2004 y 2007, cuando el estilo estuvo en su apogeo. Pero, como sucede con todo, ésto es cíclico, y así como tuvimos que asumir que el Post Metal estaba en una meseta creativa (salvo determinadas bandas, esas que ya conocemos y que nunca fallan), lo cierto es que podemos decir que el género (o subgénero) goza de muy buena salud, algo que podemos corroborar al ver -y escuchar- la cantidad de ediciones de buena calidad que aparecen constantemente. De hecho, hay sellos que están haciendo una gran labor en dicha materia.

Sin embargo, DDENT no pertenece a ningún sello, se manejan de forma independiente. Su EP del 2014 "Chien Noir" también fue lanzado de forma independiente, vale decirlo. Y de esa misma manera es que sale a la venta éste disco, cuyo nombre podría traducirse como Melancolía o Depresión en árabe. 

La banda conformada por el guitarrista y multiinstrumentista Louis Lambert y el baterista Marc Le Saux, nos trae un trabajo hipnótico, en el cual encuentro claras influencias de un muchacho llamado Justin Broadrick, tanto en su etapa con Godflesh como posteriormente con Jesu, sobre todo en el sonido gigantesco e inhumano de la batería. De hecho, salvo en "Kohol" y "Houri", el resto del disco cuenta con baterías programadas; es el señor Le Saux quien se encarga de la misma en las canciones recién mencionadas.

Se enfocan en el aspecto más etéreo, además de optar por el formato instrumental, del Post Metal, pero utilizando matices y armonías que parecieran provenir de otro Post (el Post-Rock), y algunos arreglos de guitarra que tienen una clara conexión en el shoegaze. Pero, repito, el sonido de la batería los coloca bien cerca del Metal Industrial.

Finos pero pesados a la vez, estos franceses logran deleitarnos con un cúmulo de composiciones de ensueño, pero que a su vez tienen un grado de intensidad que tiende a alejarse del costado más onírico de la música del grupo, sin que esto implique alejarse plenamente del estado de ensoñación que rodea al grupo cuasi constantemente. Y es en ese ámbito en donde desarrollan armonías que poseen un magnetismo enorme, sobresaliendo piezas como "Almée" y "Arzel", por su profundidad y encanto. Mas, a la placa no se la puede dividir en partes, no hay cómo diseccionarla: es un disco para ser escuchado en su totalidad, como si se tratase de un viaje onírico convertido en un relato musical, en el cual los colores se transforman en imágenes, y los sonidos dibujan movimientos lentos y difusos, pero encantadores, en la mente del oyente.

No es un disco para todo el mundo, y esto es algo que aclaro porque dicho estilo musical puede resultar un poco hermético para aquellos que buscan la urgencia antes que la paciencia. DDENT hacen un tipo de música que requiere de paciencia, que exige que el deseo de abstraerse del mundo exterior sea más fuerte que la necesidad de estar conectado a dicho mundo, y que pide al oyente un importante grado de concentración. No todos están dispuestos a hacerlo, mas, quien se disponga a hacerlo, encontrará en آكتئاب un disco muy atractivo.

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Purple Sage

True Cross - Pure Divorce

Año: 2016
Sello: Seeing Red Records
País de origen: USA

Existen medios especializados que de tan especializados que son, pierden de vista muchas cosas que no están dentro de sus especialidades. Un claro ejemplo de ello es ese estilo conocido como shoegazing o shoegaze, etiqueta(s) que está en uso desde fines de la década del 80 y que tuvo predicamento en los comienzos de la década siguiente. La aparición de bandas dentro de la corriente metalera más negra (el Black Metal, claro), que decidieron virar e incorporar cosas del Shoegaze -hasta terminar haciendo algo que poco y nada tiene de Black Metal, pero que se conoce como shoegazing black metal- y el hecho de que algunos de los miembros de estas bandas nombren a Slowdive como una influencia, hizo que algunos metaleros posasen sus oídos y miradas en parte de la movida conocida como Shoegaze (término que deviene de la costumbre los miembros de estas bandas de tocar mirando al piso o los pedales de efectos. Shoe: zapato y Gazing, del verbo gaze, que significa Mirar Fijo). Pues bien, esto no es novedad, el estilo en sí no lo es. Hablamos de música cuyo origen proviene de hace aproximadamente 25 años atrás, y al cual fui introducido por el señor Fabián Zurlo, quien me hizo conocer bandas como My Bloody Valentine (por cierto, Zurlo es uno de los tipos que más saben de música en todo el territorio argentino). Es por eso que este disco de True Cross no me sorprenden ni me provoca la admiración que sí ha provocado en los fans del Metal y el Hardcore; los fans más convencionales, claro, aquellos que no sacan sus narices de dichos estilos.
Nombro ese fabuloso género llamado Hardcore porque los integrantes de True Cross proceden de bandas del estilo, ya sean actuales o ex miembros de Trap Them (tremenda banda), Vehemence, Lamd-Mine Marathon y Transistor Transistor. Por supuesto, si has escuchado a alguna de estas bandas entenderás que True Cross se posiciona en una corriente que poco y nada tiene que ver con el Hardcore o el Metal Extremo.
Lánguidos, con las voces cargadas de reverb, detalle usado en pos de darle espacialidad al sonido, esa sensación de estar volando, más los consabidos pedales de chorus y algún que otro flanger por ahí, True Cross no logran provocar esa sensación de profundidad y estado alterado provocado por el consumo de substancias varias, algo típico en el shoegazing. Sí tienen algunos buenos momentos, como banda suenan realmente compactos y demuestran haber escuchado y aprendido el estilo con dedicación, pero nada más que eso. Salvo esa exquisita canción llamada "V: Blinded By Hindsight", con su melancólica melodía a la The Cure acongojando al oyente; acongojándolo, pero con clase. No encuentro más que eso para destacar, más allá de que "Pure Divorce" es un disco ameno, bien tocado, bien grabado, etc. Pero le falta carisma, no llega a ponerme en estado de ensoñación, no me hace sentir como si estuviera flotando en líquido amniótico. Además, le falta suciedad a las guitarras, esa bola de distorsión ruidosa que contrasta con las entonaciones melódicas de la voz. O sea, le falta bastante como para ser ese disco de shoegazing que muchos consideran uno de los grandes discos del estilo hoy.
Si lo tuyo pasa por leer No Clean Singing o Decibel, y "comprar" todo lo que venden esos medios sin chistar, tal vez este disco te parezca una maravilla. A mi me parece correcto y punto.

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Charming Timur - For The Duration of Psychiatric Treatment

Año: 2015
Sello: Autoproducido/Independiente
País de origen: Finlandia

Esto sí que es raro. Raro, pero interesante, pues hay muchas bandas y proyectos que pretenden hacernos creer que están locos, y disfrazan sus pésimas actuaciones bajo un manto de rareza que, al fin y al cabo, sólo sirve para desnudar sus mediocridades. Este no es el caso, pues Lauri Santeri Lohi (el único responsable de todo lo que se escucha aquí) hace música extraña, pero no transmite esa necesidad de parecer raro tan sólo para llamar la atención. En todo caso, la combinación de estilos y sonidos es lo que le confiere extrañeza a este singular disco.
Charming Timur es como tomar Metal Alternativo, cosas del Shoegaze (no, no me refiero al Shoegaze Black Metal, sino al Shoegaze en sí mismo), algo de Post Black Metal aquí y allá, y hasta algún ritmo y sonido que parece tomado de algún demo de alguna banda de Nü Metal de mediados de los 90s (hay algunos pasajes introspectivos que recuerdan vagamente a Deftones, pero como si estos hubieran sido pasados por una procesadora de sonidos vieja y en mal estado). A partir de ahí, de esa mezcla, Lauri comienza a jugar con sonidos, texturas, silencios, ritmos. La gacetilla dice que este disco es algo así como un filme blockbuster de verano (sí, de esos que podemos encontrar en cualquier sala, y que invitan a comprar popcorn en cantidades para ver la película en cuestión) y no está muy lejos de la realidad. No muy lejos, dije. El motivo por el cual no digo que es exactamente eso, es porque "For The Duration of..." suena a soundtrack de un filme de bajo presupuesto en el que la historia va por carriles un poco anormales, o cambiantes, en todo caso. Es decir, todo parece salir de una misma idea, de un punto fijo de partida (la salud mental parece ser ese eje), pero, a partir de esa idea, Lauri comienza a trazar líneas, colores, formas, etc, que van mutando según el momento, según el estado de ánimo.
Lo más destacable, a mi parecer, es la capacidad de este muchacho finés para manipular los sonidos ("Flangers Effects & Velafaxine" es un claro ejemplo). El punto más débil está en el casillero de las composiciones, porque no hay tracks que uno pueda citar como los mejores. Todo suena muy parejo, y no hay grandes momentos. Sin embargo, esta homogeneidad excesiva no conspira en contra del resultado global de un disco absolutamente distinto a todo lo que escuchamos diariamente. Y es justamente ese espíritu libre y atormentado a la vez, esa necesidad de expresarse jugando con las formas y los sonidos, eso es lo que resalta en este disco, y eso es lo que le permite diferenciarse del resto.

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A Light Within - Body Matter

Año: 2015
Sello: Static Tension Recordings
País de origen: USA

Un disco que no esperaba, pues no estaba al tanto de su lanzamiento, y no esperaba que una banda como A Light Within me fuera ofrecida para hacer una reseña. Pero aquí estoy, escribiendo acerca de un grupo que no encaja con la mayoría de los estilos musicales que abordamos en este blog, pero que sí encaja con lo que es el blog. Y, a fin de cuentas, eso es lo importante. Pero ¿por qué digo que A Light Within no entra en las categorías que habitualmente cubrimos en el blog? La respuesta es esta: A Light Within suena a cruza entre Deftones, Katatonia y The Cure, con aires de Post Metal sofisticado introduciéndose en contados momentos, y una faceta cercana al Post Rock que les insufla bríos etéreos.
"Body Matter" es un EP agradable, pero no confortante. ¿Cómo es esto? Las melodías son preciosas, profundas, llenas de melancolía y buen gusto. Pero no permiten que el oyente se ponga cómodo, pues hay un aura sombría revoloteando constantemente en todo el disco, y que tiene a Kyle Brandt, vocalista, como principal responsable. Torturado, pero melódico y talentoso, Brandt es la llave que nos abre la puerta al mundo de un grupo que usa la agresividad de una manera sutil, nunca directa. Es como si eligieran agredir al oyente a través de las emociones y de cuestiones más abstractas, antes que la violencia física. Así es este trabajo, oscuro y elegante, volado y terrenal a la vez. Las guitarras hilvanas armonías que pueden producir imágenes de ensueño, pero que también resultan ser tangibles, reales. La base se mueve con fluidez, y no descuida ningún aspecto inherente al estilo del grupo, aportando lo justo y necesario. El disco en sí, es un compendio de elecciones inteligentes por parte de los músicos, pero cargadas de sensibilidad, de emotividad. Me gustaría escuchar un disco full de la banda oriunda de Kansas, pues este EP me deja con gusto a poco. Sin embargo, el breve tiempo que la banda usa para expresarse, es aprovechado al máximo. Y sería bueno que ustedes aprovechen la chance de escucharlos, y de exprimir al máximo lo que expresan estos muchachos a través de su muy agradable música.

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