1914 - Für Kaiser, Volk und Vaterland!

Año: 2016
Sello: Independiente
País de origen: Ucrania

La vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida. Por bandas como 1914 es que vivo hurgando en el underground mundial, con la esperanza de encontrar propuestas desafiantes, sorprendentes, qué más da. Bandas así, con su valentía para experimentar, para fusionar, para desarrollar una personalidad única, son las que me motivan día a día a no frenar mi búsqueda. Pero, dejemos de lado las loas y vayamos al disco en sí, que también se merece elogios a granel.
1914 se formaron exactamente 100 años después del comienzo de la llamada Gran Guerra, es decir, la Primera Guerra Mundial. Inspirados en acontecimientos sucedidos en dicha guerra, incorporando marchas militares, imaginería y demás aspectos propios del Universo bélico (ligado, en éste caso, con la WWI), el grupo oriundo de Lviv sale al ruedo con una propuesta que toma cosas del Black Metal más bélico (obviamente), del Death Metal más dramático, pasajes de Doom Metal asfixiante y pesado como el que más, pero, al menos en éste disco que hoy les traemos, jugando con sonidos extraídos del mundo de la Música Industrial, metiendo remixes y capas y capas de sonidos alienantes que son usados para representar los horrores de la guerra con una claridad increíble.
El disco (o EP) comienza con una Intro que nos pone a tono con lo que vendrá, centrándonos en la Gran Guerra, con una voz en alemán que es cubierta, poco a poco, por sonidos Ambientales/Industriales que ennegrecen el panorama. Inmediatamente nos tiran las primera sorpresa: una versión alucinante de "Something in the Way" de Nirvana, aquí rebosante en sonidos corrosivos e inhumanos, con explosiones de ira que son expuestas por una voz rabiosa y una banda prendida fuego, mientras los sonidos Industriales siguen sucediéndose uno tras otro.
Luego viene la versión remixada de "Zeppelin Raids", canción grabada originalmente para el primer disco del grupo, un muy buen álbum llamado "Eschatology of War" (2015), y que aquí se encuentra convertida en una pieza lánguida, Industrial hasta la médula, intimista e inquietante, que apenas si conserva algo del Doom Metal ultra-pesado de la versión original.
Luego vienen tres tracks en donde florece la personalidad más Metalera del grupo, sacando a relucir cuan buenos son cuando se meten en el terreno del Black, el Death y el Doom. Justamente en ésa vena está la mejor canción del grupo (la mejor dentro de la faceta metalera de la banda), que no es otra que la ya mencionada "Zeppelin Raids", una pieza del mejor y más oscuro Doom Metal, formato que les sale de maravillas.
Blast Beats, momentos de una calma dramática, voces rasgadas, riffs memorables y explosiones que podrían simular a la de un misil, todo eso encontramos cuando 1914 se convierten en una banda de Metal, que es lo que en definitiva son. Sucede que no se quedan con eso y van más allá de lo que los límites del Metal Extremo permiten, y ahondan en aguas menos convencionales, más complicadas de asimilar para las mentes tradicionalistas. Es por eso que los valoro y aprecio tanto a estos ucranianos, porque se salen del molde cuando lo desean, porque no se apegan a una sola fórmula. El final del disco, con un outro digno de una banda de Noise/Industrial, me exime de hacer mayores comentarios.
Gente, a estos ucranianos hay que seguirlos de cerca. Aun no son una gran banda, pero tienen todo como para serlo. Y tienen audacia, muy buenas ideas, y el talento necesario para llevarlas a cabo. No son simplemente Black Metal, ni son un banda más de Death Metal. Ni siquiera se puede decir que son un grupo de Doom Metal, como así tampoco es cosa de decir "1914 hacen Metal Extremo". Acá hay algo más, y a ése algo más hay que descubrirlo, procesarlo y disfrutarlo de forma completamente subjetiva. Como lo estoy haciendo yo ahora mismo.

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Cut The Navel String - Takis

Año: 2015
Sello: Atypeek Music
País de origen: Francia

Un disco fabuloso que, a 20 años de su lanzamiento original, fue recuperado del ostracismo por el genial sello Atypeek Music. Originalmente, "Takis" fue editado por Roadrunner Records, cuando éste sello era una garantía de buena música pesada. El único disco de la banda francesa, por cierto, el cual se convirtió rápidamente en una pieza de culto y de colección para los fans de este tipo de música, quienes ahora tienen la chance de volver a escucharlo, o de volver a tenerlo (en caso de que ya no tengan su copia original, la de Roadrunner), y de paso, para que aquellos que nunca los escucharon puedan hacerlo y delirar mientras el frenesí sonoro se apodera de ustedes.
Un par de renglones más arriba hablé de "éste tipo de música", pero no dije nada acerca del estilo en sí. Miren, pongamos las cosas de esta manera: Cut The Navel String sonaban como si hubiera habido una orgía entre Killing Joke, Fudge Tunnel, Unsane y Pitchshifter, incluyendo en la orgía las disonancias del Voivod más espacial. O sea, algo así como mezclar Industrial, Noise Rock, los ritmos sincopados de los 90's, algo de psicodelia y mucha locura, mucha. Y violencia, pero a granel. Es que Cut The Navel String no necesitaban ser una banda de Metal Extremo para sonar violentos, puesto que, indudablemente, parte del bagaje sonoro de la banda procedía del Hardcore y del, por aquel entonces, incipiente Post-Hardcore (aunque en aquella época se solía usar la etiqueta neocore), todo dentro de un marco de caos y angustia desesperantes, fuentes de inspiración de la banda.
Producido por el genial Alex Newport (sí, el mismo de Fudge Tunnel y Nailbomb), "Takis" posee la impronta de aquella década gloriosa para la experimentación dentro de las vertientes más duras, de cuando no importaban tanto las etiquetas y sí importaban las ganas de romper parámetros, con la (in)sana idea de despegarse de lo hecho en los 80's. Filoso y desesperante en todo momento, el primer y único disco de los franceses estos agarra al oyente del cuello y lo aporrea a base de guitarras cortantes, ritmos sincopados que se potencian con el uso de la percusión, una voz llena de rabia, y sonidos industriales que son insertados en momentos puntuales, en lugares selectos.
No hay manera de elegir un tema por sobre otro, pues "Takis" ronda la perfección. Pero, si me apuran, debo decir que la arremetida final con "Linear Correction Magnets", "Bloody Stains", "No" y "Hopeless Case", me dejan al borde de romper todo, pero sintiendo que voy a eyacular en dicho éxtasis violento. Pero, no me hagan caso en mi selección, y escuchen el disco completo, de principio a fin y sin alterar el orden de las pistas. "Takis" demanda al oyente que se ponga en estado de alteración mental y que se entregue, sin preámbulos ni resistencia, al desbordante descontrol creado, y recreado, por esta fantástica, y tristemente olvidada banda. Por suerte. Atypeek Music nos lo traen de vuelta al mundo, así que ya no hay excusas para ignorarlos. Y si deciden hacerlo, pues lo siento por ustedes.

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DDENT - آكتئاب

Año: 2017

Sello: Independiente

País de origen: Francia

Al Post Metal se le estaba acabando la gasolina, y eso se reflejó en la poca cantidad de ediciones que tuvimos de dicho estilo durante varios años. O al menos, y en todo caso, hubo poco relevante en materia de Post Metal tras aquellos años de gloria entre 2004 y 2007, cuando el estilo estuvo en su apogeo. Pero, como sucede con todo, ésto es cíclico, y así como tuvimos que asumir que el Post Metal estaba en una meseta creativa (salvo determinadas bandas, esas que ya conocemos y que nunca fallan), lo cierto es que podemos decir que el género (o subgénero) goza de muy buena salud, algo que podemos corroborar al ver -y escuchar- la cantidad de ediciones de buena calidad que aparecen constantemente. De hecho, hay sellos que están haciendo una gran labor en dicha materia.

Sin embargo, DDENT no pertenece a ningún sello, se manejan de forma independiente. Su EP del 2014 "Chien Noir" también fue lanzado de forma independiente, vale decirlo. Y de esa misma manera es que sale a la venta éste disco, cuyo nombre podría traducirse como Melancolía o Depresión en árabe. 

La banda conformada por el guitarrista y multiinstrumentista Louis Lambert y el baterista Marc Le Saux, nos trae un trabajo hipnótico, en el cual encuentro claras influencias de un muchacho llamado Justin Broadrick, tanto en su etapa con Godflesh como posteriormente con Jesu, sobre todo en el sonido gigantesco e inhumano de la batería. De hecho, salvo en "Kohol" y "Houri", el resto del disco cuenta con baterías programadas; es el señor Le Saux quien se encarga de la misma en las canciones recién mencionadas.

Se enfocan en el aspecto más etéreo, además de optar por el formato instrumental, del Post Metal, pero utilizando matices y armonías que parecieran provenir de otro Post (el Post-Rock), y algunos arreglos de guitarra que tienen una clara conexión en el shoegaze. Pero, repito, el sonido de la batería los coloca bien cerca del Metal Industrial.

Finos pero pesados a la vez, estos franceses logran deleitarnos con un cúmulo de composiciones de ensueño, pero que a su vez tienen un grado de intensidad que tiende a alejarse del costado más onírico de la música del grupo, sin que esto implique alejarse plenamente del estado de ensoñación que rodea al grupo cuasi constantemente. Y es en ese ámbito en donde desarrollan armonías que poseen un magnetismo enorme, sobresaliendo piezas como "Almée" y "Arzel", por su profundidad y encanto. Mas, a la placa no se la puede dividir en partes, no hay cómo diseccionarla: es un disco para ser escuchado en su totalidad, como si se tratase de un viaje onírico convertido en un relato musical, en el cual los colores se transforman en imágenes, y los sonidos dibujan movimientos lentos y difusos, pero encantadores, en la mente del oyente.

No es un disco para todo el mundo, y esto es algo que aclaro porque dicho estilo musical puede resultar un poco hermético para aquellos que buscan la urgencia antes que la paciencia. DDENT hacen un tipo de música que requiere de paciencia, que exige que el deseo de abstraerse del mundo exterior sea más fuerte que la necesidad de estar conectado a dicho mundo, y que pide al oyente un importante grado de concentración. No todos están dispuestos a hacerlo, mas, quien se disponga a hacerlo, encontrará en آكتئاب un disco muy atractivo.

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Purple Sage

Author & Punisher - Melk En Honing

Año: 2015
Sello: Housecore Records
País de origen: USA

Recuerdo que hace 4 años atrás, cuando los sellos, agencias de promoción y varias bandas comenzaron a fijarse en Puro Ruido, mientras escuchaba un disco de una banda espantosa de Power Metal (que no voy a nombrar. Ya suficiente tuvieron con la reseña que les hice), en mi interior se instalaba y repetía el siguiente pensamiento: "¿por qué carajos no me toca reseñar a una banda como Author & Punisher? Crecí escuchando Música Industrial, no Power Metal. Sin embargo, debo reseñar esta basura". El tiempo puso las cosas en su lugar, y hoy casi no recibo material de clones de Rhapsody ni ninguna de esas bazofias, y sí me encargan reseñar lo último (hasta ahora) de una de las mejores bandas del siglo 21: Author & Punisher.
Con esto dejo en claro, o al menos adelanto, que "Melk En Honing" me encanta de principio a fin, y confirma lo que dije renglones antes: Author & Punisher es de lo mejor que hay en el mundo actualmente. Es que Tristan Shone entiende absolutamente todo en éste terreno, conoce al dedillo los detalles, las características, la esencia de un estilo que viene atormentando cerebros desde hace 40 años ya. Lo hizo ya en su primer disco, el demoledor "The Painted Army", lo hizo 10 años después con esta preciosa obra del horror y el odio.
Como dije antes, Shone entiende todo respecto a la Música Industrial, y lo desarrolla a la perfección. 1- Uso de sintetizadores y manipulación del concepto de Antimúsica, cualidad que se explica por sí sola.
2- Tácticas de shock, algo inherente al género, y que Tristan desarrolla magistralmente ya desde el asfixiante sonido que envuelve al grupo, y que le da un marco de furia y destrucción incontenibles.
3- Autonomía organizativa, pues Author & Punisher es, ante todo, un grupo independiente, que hoy cuenta con el apoyo de un sello como Housecore (sí, el sello de Phil Anselmo), pero que no pierde de vista su esencia de autogestión y la mantiene a rajatabla, aun cuando sus discos ya sean editados por sellos que no sean de su propia marca.
A todo esto hay que sumarle el amplio bagaje musical de Shone, quien no pierde el tiempo e incorpora todo lo que él considera óptimo para su propuesta. Así, al ambiente pesado y claustrofóbico generado por su música, le agrega lentitud Doom, matices Drone (con notas que se repiten y perpetúan hasta la eternidad), algunos ribetes provenientes del Noise, y hasta armonías vocales que se acercan al Pop, tal es el caso de la genial "Shame". Y, por supuesto, la estridente voz emitiendo gritos cargados de rabia, el ruido blanco inundándolo todo, samples, un bajo que abruma con su pesadez, ritmos aplastantes, sonidos inhumanos y un minimalismo omnipresente, aun cuando las cuasi infinitas capas de sonidos parecieran decirnos lo contrario.
¿Mejores temas del disco? No lo sé, éste es, a mi entender, un disco de 10 puntos. Y con esto quiero decir que todo el disco me parece fabuloso. Aun así, el comienzo con "The Barge", sentando las bases de lo que será toda la placa, o bien la antes citada "Shame", y en particular "Future Man", con su densidad a la Godflesh oscureciéndolo todo, se me antojan como los momentos más orgásmicos dentro de un disco que me provoca un placer exagerado en todo momento.
En otras palabras, sí, soy fan de Author & Punisher y me hace feliz reseñar sus discos, en lugar de tener que soportar voces agudas entonando versos inspirados en Tolkien.

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Housecore
Earsplit PR

God in a Cone - Agrypnia

Año: 2016
Sello: Independiente/Autoproducido
País de origen: Grecia

En los 90's la Música Industrial tuvo un pequeño, pero fructífero momento de gloria. Mientras que en sus albores el estilo conocido como Música Industrial fue todo un hallazgo, una verdadera revolución. en los 90's se coló en el mundo del Rock y el Metal, gracias a bandas que mixturaron los sonidos fríos y futuristas de la música Industrial con elementos más convencionales, tomados, obviamente, del Rock y el Metal. God in a Cone tiene cosas de esa era de la música Industrial, de cuando se tornó más accesible, o menos caótica, si se quiere, y lo fusiona con elementos extraídos de subgéneros muy cercanos, como el Coldwave o el Synthpop, más toques góticos que me recuerdan a la era más Pop/bailable de algunas bandas metaleras que en la segunda mitad de los 90's optaron por abandonar las filas del Metal.
Por cierto, y esto no es información al vicio, la banda no es una banda en sí, sino que es la obra de una sola persona: Nikos Marinos, un músico versátil e inteligente, quien se hace cargo de todo de forma más que respetable.
Sonidos mecánicos, notas lánguidas y frías, algún que otro arrebato de guitarras pesadas colándose en medio de las texturas robóticas, y una voz nada sobresaliente, pero bien usada. Argumentos que Marinos usa para dar rienda suelta a su segundo opus, en el cual hay una gama variada de melodías y sonidos, pero siempre dentro del ámbito en donde lo electrónico predomina por sobre lo "humano" (el uso de las comillas no es casual: todo instrumentos electrónico obedece a las órdenes del humano).
No es un disco para arrancarse los pelos, no me provoca esa locura opresiva y casi incontenible que aun me provocan los discos que se hicieron en los 90's, y parte de eso se debe a que el sonido no posee la espacialidad, esa dimensionalidad que le confiere cualidades envolventes a la música. Pero Nikos compensa esa falencia (pues el sonido es débil, más allá de que su frialdad es inherente al estilo en sí) con un buen puñado de ideas, nada espectaculares, pero bien trabajadas desde su concepción hasta su realización.
Dentro de las canciones que más me gustan, están "DWN" y su sensualidad absorbente, y la rockera "30 Days", lo más intenso del disco, con un claro parecido a lo que hicieron bandas como Tiamat o Moonspell a fines de los 90's. Pero, insisto, "Agrypnia" (término médico que se le da al insomnio) es un álbum más bien agradable antes que cautivante, sin sobresaltos ni grandes momentos. En todo caso, es un disco para ser escuchado en momentos de soledad...o bien, cuando te dedicás a coger toda la puta noche. Ustedes eligen.

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Wolfpack 44 - The Scourge

Año: 2016
Sello: Deadlight Entertainment
País de origen: USA

Un interesante rejunte de músicos consagrados, y otros que no lo son tanto, pero que tienen una respetable carrera, han logrado llevar a cabo estos 2 lunáticos con una trayectoria nada despreciable. Los 2 lunáticos a los que hago mención son Ricktor Ravensbruck de The Electric Hellfire Club, y Julian Xes de Kult ov Azazel. Unieron fuerzas para crear una banda que mistura lo más satánico del Metal Industrial con lo más moderno del Black Metal, invitando de paso a luminarias de la talla de Lord Ahriman y Chaq Mol (Dark Funeral), Phil Fasciana (Malevolent Creation), Dana Duffey (Demonic Christ), la legendaria Jinx Dawson (de los no menos legendarios Coven), entre otros. Hasta acá, todo pinta ser muy lindo, con invitados de lujo y líderes con un talento innegable. Pero ¿el disco en cuestión es un buen disco o no? A mi parecer, no lo es.
Voy a poner algo en claro: soy un fanático reconocido de la Música Industrial, creo que ya lo dije muchas veces. En cambio, el Metal Industrial, si bien me gusta, y si bien hay bandas que amo profundamente, en su totalidad no es la vertiente del Industrial que más escucho. Y da la casualidad de que The Electric Hellfire Club no se encuentra entre mis favoritos del estilo, como así tampoco siento una gran atracción por la música de Kult ov Azazel. De hecho, no tengo discos originales de ninguna de esas bandas. Y resulta que Wolfpack 44 suena a mezcla entre esas bandas, más la participación de músicos muy capaces en lo suyo. Es por eso que el primer álbum de Wolfpack 44 no me mueve un pelo, más allá de que yo sea pelado o no. No tienen carisma, todo suena muy satánico, pero poco atractivo para éste servidor. Es más un disco de Metal común y corriente al cual le metieron toneladas de sonidos industriales, que un disco de Metal Industrial hecho y derecho. Incluso, hay partes que son puro Heavy Metal con bases programadas y sonidos inhumanos, pero sin una cohesión firme y fina.
Sacando a "Dark Mountain", y algún que otro momento interesante, el resto del disco me resulta anodino, intrascendente. Ni las apariciones de Ahriman o Fasciana logran levantar el nivel, ni siquiera eso. Todo me resulta chato, predecible y completamente alejado del Industrial que yo tanto amo.
En otras palabras, y para darle un corte a esto, Wolfpack 44 me parece una banda olvidable.

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TOMetal

The Physicists - My Love is Dead

Año: 2015
Sello: Inverse Records
País de origen: Finlandia

Un disco inclasificable, tal como me gusta a mí. Muchos les ponen la etiqueta Industrial Metal, y la verdad es que hay mucho de eso, pero ¿es simplemente una banda de Industrial Metal? No, The Physicists recorren otras vías también, y no temen levantar elementos en su trayecto para incorporarlos a su extraño y amplio bagaje musical.
Nacidos como banda en la capital de Finlandia (Helsinki) hace 10 años ya, estos artistas entienden que el estudio de grabación, y mismo, la sala de ensayos, son un laboratorio dentro del cual los sonidos pueden llegar siendo una cosa para ser transformados en otra, mediante algo tan necesario y gratificante llamado Experimentación. Eso es lo que hacen estos fineses, experimentan, aunque están bastante bien definidos en lo musical y sonoro; es decir, no es que experimentan sin rumbo, los tipos saben hacia dónde van.
Como mezclar Mr. Bungle con Marilyn Manson, eso fue lo primero que me vino a la mente. La voz de MC Omega zero (quien además toca la guitarra y se encarga de los loops) recuerda al señor Brian Warner (sí, Marilyn Manson) cuando decide no cantar a los gritos. Pero ¿y la banda? En ese aspecto hay mucho más. Si bien hay una contable conexión con el material más sombrío y electrónico (o Industrial) de Manson y sus muchachos, lo concreto es que acá hay mucha más variedad, y ahí viene el nombre de MR. Bungle, pues los fineses toman cosas circenses, Avantgarde, Trip Hop (sólo en algún que otro ritmo), arrebatos de Noise y hasta dejos de Mathcore. Quizás sea "Sundae (XMP mix)" la composición que mejor resume la propuesta del grupo, pero es un Quizás y solamente eso; podemos sumar a mi gran favorito "Babylon (XMP mix)" a la lista de las canciones que logran sintetizar lo que es ésta banda, si quieren. Sin embargo, acá no hay nada definitivo, todo es difuso y para nada convencional, como era de esperarse.
Seguramente, aquellos que están acostumbrados a escuchar música de todo tipo, y que aman afrontar éste tipo de experiencias tan anormales, se sentirán familiarizados con lo que éstos audaces fineses ofrecen en muchos pasajes, a mí me ha pasado en cada sesión auditiva que le he brindado a éste disco. Pero ello no quita que la mayoría de la gente que vaya (o haya tenido) a tener acceso a este disco se vaya a sentir un poco, o quizás demasiado, perdida. Tal vez esa sea la idea, puede que a éstos Físicos les guste no sólo experimentar con los sonidos, sino también con las reacciones de los oyentes. Cómo sea, "My Love is Dead (cuarta grabación del grupo y segundo disco full) no es una obra maestra, pero es un encantador experimento.

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Mussorgski - Creatio Cosmicam Bestiae

Año: 2016
Sello: Godz ov War Productions
País de origen: Polonia

Con un nombre que rinde homenaje al fabuloso e innovador compositor -romanticista- ruso Modest Mussorgski, creador, entre otras cosas, de obras magistrales como "Cuadros de una Exposición" (versionada en su momento por bandas como Emerson Lake & Palmer y Mekong Delta), nos llega el tercer disco full de esta one man band polaca creada por Khorzon, a quien también podemos escuchar en Arkona (la banda blacker polaca y no los folk metaleros rusos).
Desconozco el material previo de Mussorgski, mas este "Creatio Cosmicam Bestiae" me ha dejado con un buen sabor de boca. La etiqueta Black Metal es usado con mucha asiduidad para clasificar la obra de este polaco, pero creo que debe aclararse algo: esto no es Black Metal convencional. Más propenso a la utilización de sintetizadores antes que poner guitarras filosas al frente, Khorzon crea un universo sonoro que tiende más a enfocarse en evocar imágenes cósmicas antes que terrenales. Por supuesto, la utilización de capas y capas de arreglos y sonidos ejecutados a través de los teclados no hacen más que reforzar esto que acabo de decir. No es que no haya guitarras, las hay como en todo buen disco de Black Metal. Sin embargo, al tratarse de un trabajo en donde las atmósferas de satanismo cósmico reinan a sus anchas, el instrumentos esencial en una banda de Metal (la guitarra), se ve desplazada a un segundo plano en donde puede aportar matices que aportan mayor sonoridad y riqueza, en lugar de estar llenando hasta el último recoveco.
Voces que dan la sensación de profundidad y vacío, elementos tomados de géneros "foráneos" (léase Industrial, Ambient, orquestaciones simuladas a través de los sintetizadores, samples), ritmos que nunca siguen un patrón predefinido (hay blast beats, lentitud Doom, partes netamente Industriales) y una producción que insufla frialdad a la oscura elegancia que impera en toda la placa; todo eso es lo que emerge a primera oída y ante cada nueva sesión auditiva. "Creatio Cosmicam Bestiae" es un disco que necesita ser escuchado varias veces antes de dar una opinión cuasi definitiva (si es que existe tal opinión), pues no es un disco tradicional, no es un álbum que le brinde confort al oyente. Exige una participación del mismo para recrear las imágenes que las canciones creadas por este multi-instrumentista dibujan en el oscuro y desolador paisaje que rodea a la obra.
Como buen fan que soy de la música Industrial, los tracks que más me gustan son aquellos en los que Khorzon deja que dicho estilo se apodere del horizonte. "Implanted Consciousnes" y "Key to the Universe" son esas canciones, aunque el resto no sólo que no me desagrada, todo lo opuesto, me resulta sumamente atractivo. Bueno, a decir verdad, "Creatio..." es un disco que me atrae de manera morbosa y en su totalidad. Tanto así que me he puesto a rastrear sus anteriores trabajos. Por cierto, el primer disco full de Mussorgski data de 1995 y la primera encarnación de este proyecto fue allá por por 1990. Para tener en cuenta.

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Kill The Thrill - 1989

Año: 2015
Sello: Atypeek Music
País de origen: Francia

Señoras y señores, he aquí el primer álbum nunca editado de una de las bandas francesas de Metal Industrial más importantes de todas, si no es que son la banda más importante de dicho estilo en ese país.
Formados en 1989, Kill The Thrill nunca recibieron el reconocimiento tan merecido, siempre estuvieron en una segunda -e imaginaria- línea, detrás de los grandes del género como Godflesh, Ministry, Nine Inch Nails, Killing Joke, etc. Quizás sus orígenes, mucho más cerca del Post-Punk que del Industrial en sí, haya hecho que algunos opten por no ponerlos en la lista de los grandes grupos del Metal Indusatrial, pero ¿acaso Ministry no comenzó como una banda de Synthpop? Cómo sea, no vamos a encontrar aquí la razón por la cual KTT no han logrado ser reconocidos como lo que son (una banda de primera línea), así que voy a decir lo siguiente para luego meterme de lleno en la reseña: alcanzaron el status de banda de culto y al menos con eso alcanza como para que aquellos que gustamos de vivir en las profundidades (en lo artístico, claro está) los conozcamos y los disfrutemos.
Como ya dije, "1989" es ese primer disco que jamás salió a la luz, y que ha sido lanzado de manera independiente por la banda en el transcurso del año pasado. El mismo nos muestra a un grupo mucho más cerca del Post-Punk más oscuro, incluso más cerca de eso que conocemos como Dark o Deathrock, que del Metal Industrial. Crudo, sensible, oscuro todo el tiempo ("Hesitation" resume toda la oscuridad subyacente en el estilo del grupo), de espíritu Punk ("Fire" es el más claro ejemplo), el trío saca a relucir su estado más primitivo y urgente. Más, todo esto que digo no implica que estemos ante un disco en el cual el estilo más clásico del grupo, ese que se sitúa adentro de los márgenes del sector más rockero de la Música Industrial, esté ausente. Escuchen "I Hate Your World" y sáquense cualquier duda.
De cualquier manera, insisto, acá predomina la influencia más gótica y mortuoria en la música del grupo, con algún pincelazo macabro a la Christian Death o Fields of the Nephilim ("Feel", uno de los mejores temas del disco), con la voz de Nicolas Dick exalando odio, desesperación, rabia y sarcasmo a más no poder. Efectos de guitarra como el delay o chorus están omnipresentes, aportando ese toque espacial que amplía el espectro sonoro y dota a la música del grupo de un aura de desequilibrio que se complemente con los acordes extraños y disonantes. Una batería programada y un bajo firme, simple y acorde al estilo del grupo terminan por darle forma a los primeros pasos de un grupo con una trayectoria de 25 años, con algunos discos estupendos en su haber ("Tellurique", año 2005, editado por Season of Mist y Atypeek Music) y con una claridad de concepto asombrosa a la hora de llevar a cabo cada idea que logran plasmar.
"1989" es de escucha obligatoria para conocer lo que fue esta banda en sus comienzos, y de paso, para disfrutar de una banda que nunca bajó los brazos y que siempre hizo buena música, siempre.


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[P.U.T] - Like Animals

Año: 2015
Sello: Cimmerian Shade Recordings
País de origen: Francia/Bélgica

Excelente idea la de reeditar este disco lanzado originalmente en el año 2012. En aquella ocasión, el álbum fue lanzado por el sello propiedad del grupo (P.O.G.O, en colaboración con Dismember Records). Ahora el disco nos llega de la mano del sello Cimmerian Shade Recordings e incluye 3 bonus tracks.
Para aquel que no haya escuchado al grupo cuyo origen oscila entre Paris y Bruselas, pues se están perdiendo de algo realmente inquietante. Lo de [P.U.T] es algo así como mezclar al primer Godflesh con lo más nocivo de Scorn, toques a la Killing Joke, machaques que recuerdan a Pitchshifter y momentos de densidad que tienen visos con Unsane. Claro, lo de esta banda va más allá de la simple fusión de estilos e influencias pues dicha mezcla es pasada por el filtro del grupo, y en dicho filtro entran a jugar estilos como el Sludge más arrastrado y el Punk menos convencional (Black Flag podría ser un referente). O sea, estamos hablando de un grupo que intimida al oyente con su personalidad, que lo sofoca  con los sonidos abrasivos que emergen de cada canción y que lo atropella con el peso de su sonido. Y cuando hablo del peso del sonido del grupo hablo de densidad, de lo espeso y negro del mismo, no hablo en términos de pesadez al estilo Heavy Metal. Lo de este conjunto se basa más bien en esos sonidos industriales que se van degradando hasta convertirse en otra cosa igual o más jodida aun. Lo de [P.U.T] se basa en la repetición de patrones rítmicos dolorosos, minimalistas y lacerantes. Se amparan en el sonido ruidoso de una guitarra perforado de tímpanos que se confunde con el pandemonium de sonidos que surgen de aquí y de allá y que ponen al oyente en un estado de alienación casi permanente.
Todo esto podemos encontrar en este disco, trabajo que es, al menos para mí, lo mejor que han hecho los Beyet hasta la fecha (además del excelente split junto a Grünt Grünt). Si bien no escuché toda la discografía del grupo, pude escuchar al menos 3 discos más de esta excitante y alocada agrupación. Y en la comparación con los otros discos que pude degustar, pues debo admitir que "Like Animals" es lo mejor de estos torturadores seriales, aunque haya otros trabajos altamente recomendables en la historia del grupo.
"Zoo", "There's a Mammoth in this Room", los remixes incluidos como bonus tracks y en particular el track que lleva el nombre del disco, son verdaderos atentados en contra de la cordura. Ok, este tipo de música es, casi en su totalidad, un atentado en contra de la cordura. Pero ¿acaso no se supone que deba ser así? Al fin y al cabo, esa es la razón por la cual empecé a escuchar Música Industrial (ne todas sus formas), Noise, Punk y demás estilos que tienen el caos y la locura como premisas casi esenciales. [P.U.T] parecen haber entendido eso a la perfección y este exquisito muestrario de canciones densas, atrapantes y demenciales demuestra que así es.

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The Metal Detector

Grünt-Grünt vs [P.U.T] - Split

Año: 2015
Sello: P.O.G.O Records/Bonobo Stop/Trashfuck Records/THC+DIY records/vleesklak records/Brutal Arratia/Kracht Macht Frei
País de origen: Francia

Un split caótico, ensordecedor, pero desafiante a la vez. Un disco que se mete bajo la piel como si fuera una costra de mugre. Una demencial, pero sumamente interesante, muestra de lo que son capaces estos 2 grupos. 2 grupos que paso a presentar inmediatamente.
Grünt-Grünt es un combo francés que practica un Grindcore epiléptico y desquiciado, con algún que otro arrebato sludgie otorgando lentitud exasperante a la ya de por sí inquietante música del grupo. Vienen haciendo ruido desde el 2002, mas yo los conocí recién ahora, con este material incluido en el split que hoy reseño. Y debo decir que la banda me ha gustado mucho, lo suficiente como para ponerme a escuchar el resto de las grabaciones 6 tracks virulentos y explosivos, dentro de los cuales se destaca el track número 6, composición que rompe con el molde del Grindcore insano que adoptan como vehículo de expresión en buena parte de su material. Este track, el número 6, es el momento en el que el grupo saca a relucir su costado Sludge, además de ser el tema más largo de los 6 aportados por estos oriundos de Angoulême, Francia. El trío francés incita a perder la cordura con su música, y realmente ponen al oyente al borde de la locura. Bien por ellos.
[P.U.T.] es un grupo de 3 hermanos que comenzaron en 1998, y que se han mantenido en movimiento entre París y Bruselas, indistintamente, según cuenta la gacetilla. Lo que hacen es una exquisita y oscura fusión entre Industrial, Noise, Doom y lo más oscuro del Post-Punk, con claras influencias de mis amados Godflesh, Killing joke, los primeros Pitchshifter y similares. Asfixiantes en todo momento, los 3 hermanos irradian una energía negativa que fluye bajo nubes de radiación densa, pesada. Tienden a crear composiciones que parten de un riff monolítico y una base repetitiva, y sobre esa estructura es que van introduciendo sonidos apocalípticos y alienantes, elementos que se van incrementando hasta unirse y conformar una sola turbulencia sonora sostenida por capas y capas de sonidos. Por cierto, aquí toca uno de los integrantes de Missiles of October, banda que adoro.
Escuchar este split me ha dejado con una sonrisa de oreja a oreja, pues ambas bandas se mueven dentro de los carriles que más suelo frecuentar: el Grindcore y el Metal Industrial. Y, no sólo eso, lo hacen muy, pero muy bien. En especial [P.U.T}, mis favoritos en este álbum en particular. O sea, me encanta Grünt-Grünt, pero lo de [P.U.T] apunta a mi sensibilidad, juegan con una de mis debilidades. Pero, vamos, que este split es excelente de principio a fin. De hecho, lo estoy escuchando mientras escribo esto, y seguramente seguiré haciéndolo una vez que haya terminado de escribir.

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Black Pestilence - Outsiders

Año: 2015
Sello: Independiente/Autoproducido
País de origen: Canadá

Tomamos Black Metal del más directo, ese que Venom nos dejó como legado. Le echamos una importante dosis de Punk Rock sucio y desprolijo, y en medio de todo eso metemos una pizca de Metal Industrial de finales de los 90s, un poco, sólo un poco. El resultado de dicha mezcla es Black Pestilence, la criatura de Valax, mente y cuerpo detrás de esta banda. Ayudado por músicos de sesión como Little V (batería, samples y coros) y Viktor Seremetkoski (guitarra), Valax se las ingenia para sacar a la calle un disco que le hace honor al nombre de la banda, e incluso, al nombre del disco también. Sin embargo, lo más destacable no está justamente en esa pestilencia diabólica emanada a través de la mayoría de las canciones, sino en el hecho de arriesgarse a salir del molde convencional, aunque sea por momentos. A ver, que la sinceridad debe ir siempre por delante. Por momentos, el tipo se aleja del Black Punk sucio y callejero que aborda en casi todo el disco para meterse en un terreno que, para los puristas, es zona de riesgo. Más precisamente en una canción ("Unseen Force") Valax y los suyos optan por tocar una canción que encajaría a la perfección en un disco de The Kovenant o de Pain antes que en un álbum de una banda que, mayoritariamente, transita por el sendero del Black/Punk. Desconcierta la canción en sí, pues no encaja dentro del contexto general del disco, pero aporta algo diferente, más allá de si el resultado final es de mi agrado o no. De hecho, en otra canción también juega de nuevo con ese formato, aunque, en este caso, las cosas suenan bastante mejor; el track en cuestión es "Voiceless Generation", mucho más oscuro y fresca que la canción antes mencionada, con arreglos muy bien puestos, sonidos que se transforman en una muralla sonora que brinda firmeza y una atmósfera fría y post-apocalíptica que les calza como un guante.
Claro, gran parte del disco va por otro camino, y se nota que esa faceta le queda más que bien a la banda, pues lo mejor del disco es justamente cuando pisan el acelerador y machacan sin freno. En esa línea está "Horns for the Devil", lo mejor del disco junto a la ya mencionada "Voiceless...".
Quizá le vendría bien tener un sonido más variado, pues tener el mismo sonido para encarar las 2 caras del grupo (2 caras de un mismo grupo, mejor dicho) no es lo mejor para la banda. El sonido del grupo (fuerte pero claro, moderno e intenso), se potencia cuando Black Pestilence sacan a relucir su costado más sombrío y arriesgado, pero pierde poder cuando se ponen el traje de ruidosos adoradores de Satán que aman pisar el acelerador a fondo. Si Valax logra darle mayor movilidad a esa cualidad (la de tener un sonido que sea acorde a todo lo que la banda hace, sin que una de las facetas quede desprotegida), entonces ahí será el momento de decir que BP es una gran banda. Mientras tanto, puedo decir que lo de este canadiense es muy, pero muy interesante.

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Alexanred - Always Active

Año: 2014
Sello: Inverse Records
País de origen: Finlandia

Aleksi Susi es miembros de 2 Wolves, banda que ya hemos reseñado. Bien, 2 Wolves no es una banda que me guste, sinceramente. Pero ahora nos tocar escribir acerca de Alexanred, banda de la cual también hemos escrito aquí, en este blog. Y resulta que Alexanred sí me gusta, y paso a decir los motivos. Su música es ágil, directa, fresca y poderosa; te hace mover, tiene buenas melodías que se adhieren al cerebro, y combina varias influencias, las amalgama bien, y las transforma en algo diferente a lo que son, todo gracias a la personalidad de Aleksi. Por eso me gusta Alexanred, me gusta el Ep que lanzó a principios de este año, y me gusta este full lenght. A ver, esto es Metal Industrial, con una notable influencia de las bandas que marcaron el camino en la segunda mitad de los 90s, y a principios de este siglo también. O sea que Alexanred se acomoda dentro del lote más melódico del Metal Industrial, con aires Pop, teclados siempre presentes, y ritmos bailables que aportan luminosidad al frío y la oscuridad urbana que impera en determinados pasajes del disco. Hay tanto Rock como Metal, pero siempre dentro del espectro Industrial. Alguno leerá la palabra Industrial y pensará en música difícil de asimilar, de atmósferas opresivas y estructuras para nada convencionales. Como ya dije antes, esto no va por ese camino, por eso la música de este finlandés es tan agradable, sin perder su halo de oscuridad en el intento. Además, Aleksi es un buen compositor, y los 4 tracks que suenan promediando el disco son un claro ejemplo de ello. "The Ship Have Left", "Rest After Result", "Effective" y "No Stop Non Stop" son lo mejor de un disco muy parejo y agradable. Nada del otro mundo, nada deslumbrante, pero siempre efectivo, siempre prolijo y bien hecho. "Always Active" entretiene, y a la vez pinta paisajes de urbes frías y decadentes. Creo que voy a empezar a seguirlo de cerca a este muchacho.

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Dimenzion: Psychosphere - Collapse

Año: 2014
Sello: Crime Records
País de origen: Noruega

La gente del sello Crime Records parece no perder el tiempo. Si encuentran una banda que les guste, la contratan y le lanzan el álbum. Y no sólo eso: los apoyan, difunden su música alrededor del mundo. Muy buen trabajo el de este sello noruego. Y muy disco el de esta banda noruega, de quienes sabía poco y nada. Qué mejor manera de abandonar dicho estado de ignorancia escuchando el disco en cuestión. Un disco que combina el Industrial Metal que tuvo su momento de fulgor en la mitad de los 90s, mezclado con Groove y buenas melodías, con lo cual obtienen resultados variados y sofisticados, además de sonar pesados. He ahí la mayor virtud del grupo: siempre buscan matices, siempre incorporan variantes, nunca aburren. Si bien se mueven dentro de un espectro más o menos estructurado, con un sonido y parámetros compositivos definidos, tampoco caen en la trampa del conformismo, y se mueven, juegan con las melodías y los ritmos. Y saben lo que hacen, de eso que no queden dudas. Claro, hay un detalle que no es para nada menor: aquí hay un integrante de Communic (Erik Mortensen, bajista), y un ex Trail Of Tears ((Frank-Roald Hagen, tecladista), acompañados de otros dos talentosos músicos: Tov Aanonsen (guitarra y voz) y Jan Vigeland (voz), Los 4 juntos aportan cada uno lo que es necesario para que la banda suene compacta, futurista y aguerrida, y los 4 se las ingenian para que las canciones tengan un hilo conductor, pero que no se parezcan entre sí.
El álbum consta de 7 tracks, todos buenos temas, al punto de que entre los 6 primeros tracks cuesta elegir a uno por sobre otro. Dije entre los 6 primeros porque hay una canción que deslumbra. Esa canción es la que da nombre al disco, la que cierra el álbum, una verdadera obra maestra en donde los noruegos logran unir todo lo bueno que posee la banda, lo amalgaman, y lo transforman en una pieza excepcional de casi 8 minutos, imperdible de principio a final. Justamente al final del disco llegan al éxtasis para el cual nos vienen preparando, poco a poco, desde el principio del álbum. O sea, talentosos e inteligentes. Poco prolíficos tal vez (se formaron en 1999, y hasta la fecha han lanzado dos discos full), y quizás no sean la mar de originales. Pero con discos como éste, resulta una herejía criticarlos de manera negativa.

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Star Insight - Messera

Año: 2014

Sello: Inverse Records

País de origen: Finlandia

Lo primero que me vino a la mente tras escuchar este primer disco full de Star Insight fue lo siguiente: esto no es Black Metal. Aunque algunos medios y/o páginas especializadas se empecinen en ponerles la jodida etiqueta, disfrazada de distintas maneras. Space Black Metal, así se autodefinen los músicos estos, y tampoco estoy de acuerdo con ellos. Star Insight están más cerca de bandas como The Kovenant (de la era “Animatronic” en adelante) que de otra cosa. Eso sí, lo que no puedo negar es que su música es variada, que hacen uso de una inventiva para nada despreciable, y entre ese cúmulo de influencias, cada tanto surge alguna idea interesante. Lejos están de ser un grupo innovador o valiente; en todo caso, Star Insight parecen un grupo fuertemente apegado al formato de Metal futurista que tuvo su auge a finales de los 90s/principios de este siglo. Combinando toques de Gothic Metal con cosas tomadas de lo más melódico del Metal Industrial, más melodías que los emparentan con el Power Metal, los finlandeses fluctúan entre lo entretenido y lo aburrido a lo largo de todo el disco.

Veamos, ya sea que adopten una postura romanticista a lo Edgar Allan Poe, o bien paseándose por paisajes del futuro (en línea con la imagen del grupo), las líricas reflejan lo que refleja la música de la canción correspondiente, algo que puede ser considerado como un acto de coherencia o de previsibilidad, según el punto de vista. Yo creo que ambas visiones son correctas, pues ambas miradas reflejan lo que es el disco: un álbum lleno de altibajos. “Emanuela” es la composición que más me gusta, ya que creo que es la que muestra al grupo compenetrado, sin fisuras. De las demás canciones puedo rescatar tantas cosas agradables como intrascendentes. A decir verdad, “Messera” pasa de lo agradable a lo intrascendente como si nada, de principio a fin.

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Alexanred - Rest After Result

Año: 2014
Sello: Inverse Records
País de origen: Finlandia

A finales del siglo/milenio pasado, hubo un crecimiento sostenido por parte de ciertos estilos dentro del Metal, o mejor dicho, subgéneros que son parte del Metal. Uno de esos subgéneros fue el Metal Industrial, pero con claras diferencias respecto al Metal Industrial que explotó a finales de los 80s/principios de los 90s. El que supo cautivarnos a muchos de los fanáticos de los sonidos más duros era opresivo, oscuro, retorcido, y tenía a bandas como Ministry, Godflesh y Nine Inch Nails comandando al resto de la tropa de terroristas. Pero luego vinieron otro tipo de bandas, con el foco puesto en los ritmos que reinaban en la movida Rave, tan en moda a finales de los 90s. Pues bien, los ritmos machacantes y las atmósferas negativas dieron paso a otro tipo de Metal Industrial, más bailable, más fácil de digerir, y con un énfasis más marcado en el gancho que le imprimía a las composiciones. Mucho de esto fue tomado de los discos que los geniales Killing Joke grabaron en los 90s, eso está fuera de duda. Pero también fue propiciado -el crecimiento de esta movida en particular- gracias al éxito de bandas como Rammstein, The Kovenant y White Zombie/Rob Zombie, y la incursión por dicho estilo de bandas como Paradise Lost. Pues bien, este proyecto unipersonal de Aleksi Susi (integrante de 2 Wolves, en donde toca la guitarra y los sintetizadores) va por esos carriles, con las consabidas modificaciones sonoras que le permiten adaptarse a los tiempos actuales. Es decir que lo que encontramos acá es música que invita al baile, pero que también dibuja escenas de un futuro frío, dominado por la tecnología, deshumanizado y frívolo hasta decir basta. O sea, música que representa lo que imaginamos podría ser el mundo en un futuro no muy lejano. Esas escenas se hacen visibles a través de dos canciones interesantes, bien compuestas y bien tocadas por Aleksi, quien cumple al pie de la letra con los mandatos que legó de los popes del subgénero. Por un lado tenemos al track que da nombre al single, con riffs intensos que se suceden sobre un beat de batería que provoca que el esqueleto se sacuda hasta el final de la canción. En cierto modo, me hizo pensar en KMFDM, aunque lejos está de ser una copia de aquella legendaria banda.
Luego viene "Effective", canción que se sitúa en la misma senda que su antecesora, pero con arreglos que denotan un manejo más variado de las texturas sonoras con las que Aleksi encuadra sus creaciones. Y listo, eso es todo. Lamentablemente no puedo dar una opinión cabal acerca de la obra de Alexanred, pues tan sólo conozco estas 2 canciones, las cuales me resultan entretenidas y frescas, pero que no me permiten hacerme de una visión más completa de lo que es el proyecto unipersonal de Susi. Pero eso no me impide aceptar que el trabajo en sí me agrada, y que me ha llevado a tomar la decisión de buscar más material de Alexanred. Estoy seguro de que no voy a encontrar nada novedoso ni desafiante; pero seguramente voy a encontrarme con canciones que me provoquen lo mismo que me han provocado estas 2 canciones. Y eso me parece positivo.

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OnO - Path

Año: 2011

Sello: Independiente/Autoproducido

País de origen: Eslovaquia

Cuando comenzó el primer track pensé “si el resto del disco es así, probablemente me aburra”. No es que sea un mal tema, todo lo opuesto. Pero no soy muy propenso a escuchar escalas demenciales, casi sin sentido, ejecutadas sobre una base veloz (de batería programada) y una voz podrida que escupe odio sobre esos riffs y escalas algo…extrañas. Suena como si un esquizofrénico se hubiera puesto a tocar Death técnico con toques Industriales. Para empezar, está bien. Pero no hubiese aguantado un disco entero de tanto caos casi sin sentido. Pero es tan sólo un comienzo que deja cierta incertidumbre. Con el segundo track la cosa cambia, y mucho. Aparece la influencia de Godflesh, los ritmos se vuelven más lentos (Doom, por momentos), las atmósferas dejan de lado lo esquizoide y se vuelven más opresivas, netamente Industriales. Aparece la melodía, pero siempre dentro de un marco de oscuridad claustrofóbica digna de la banda de Justin Broadrick. “Sleepless Slumber” se llama el tema que da vuelta la página, y a partir de ahí, todo comienza a tomar forma. Una forma que para nada resulta digerible para el oído no entrenado. Si no te van los sonidos negros y agobiantes, si no te gusta el Metal Industrial más denso, difícilmente llegue a gustarte esto. Pero, si lo tuyo es Godflesh/Jesu, más cortes Drone/Ambient, vas bien orientado, entonces.

El responsable de todo esto es el señor Twisted (retorcido), quien se encarga de prácticamente todo. Compone, toca, canta, hace las veces de ingeniero de sonido, productor y todo lo que se te ocurra. Salvo en “Feed The Flame”, en donde un tal Kamil Adamik mete un solo, el resto es obra del tal Twisted, un tipo obsesionado con las alucinaciones y “lindezas” por el estilo. Un tipo que se las ingenió para dar vida y forma a una placa que me hizo pensar y sentir casi lo mismo que me hace pensar y sentir el gran Justin Broadrick, salvando las –por ahora- enormes diferencias. Pero ONO es un buen proyecto, con un buen disco bajo el brazo, y con un futuro bastante promisorio. Eso sí, un futuro promisorio dentro de este tipo de música tan jodida.  

Twisted Ono

Brainchild - Mindwarp

Año: 1992

Sello: R.E.X. Records

País de origen: USA

Si en los 90s perdiste la cabeza por el Metal Industrial, seguramente escuchaste a Circle Of Dust. Fueron un grupo muy respetado dentro del ámbito en el que se movían, y llegaron a tener sus 15 segundos de ¿gloria? No, en realidad, obtuvieron cierto reconocimiento, más nunca alcanzaron la gloria. Pero eran un buen grupo, realmente buenos. Pues resulta que en 1992, Klayton y Doug Mann de Circle Of Dust, crearon un proyecto paralelo llamado Brainchild. La diferencia con Circle Of Dust no era grande, pero se notaba. Mientras que COD sonaban más cercanos a Skinny Puppy, en Brainchild la influencia de Ministry era evidente. Ambos combos estaban notablemente influenciados por Killing Joke, pero las influencias antes citadas se daban de esa manera antes descrita. La cuestión es que bajo el nombre de Brainchild, los muchachos se mandaron un discazo de la puta madre. Oscuro y opresivo, “Mindwarp” es, a la vez, agresivo y dinámico. O sea, es un disco que contiene básicamente todos los elementos que un buen disco de Metal Industrial debe tener. Sin ser tan oscuros ni opresivos como Godflesh, pero conteniendo en su seno esas cualidades. Sin llegar al nivel de violencia de Ministry, ni sonando tan pesados cono el primer Pitchshifter, pero imprimiéndole a las canciones una fuerza que hace que resulte casi imposible permanecer impertérrito ante la sucesión de canciones de excelente factura, tal es el caso de “Cranial Tyrant”, “Telltale Crime” y “Enshrined”, temazos que de haber sido grabados por Ministry, hoy serían incluidos en algún compilatorio de clásicos.  

Posteriormente, este disco sería editado por Circle Of Dust, con algunos retoques. ¿Por qué fue lanzado por los COD? Resulta que el sello que tenía a COD en su catálogo, les pidió a los muchachos nuevo material para lanzar un nuevo disco. Pasó lo siguiente: los COD no tenían dinero para afrontar un nuevo álbum, así que hicieron esto: tomaron el disco de Brainchild, cambiaron el nombre del grupo por el de COD, y Brainchild pasó a llamarse el disco, en lugar de “Mindwarp”. Las diferencias son leves, y se encuentran más que nada en los simples, y nada más. Por ejemplo, la portada es exactamente la misma. Así que hoy, sin quererlo, te llevas 2 discos, de alguna manera. Es decir, te damos el disco de Brainchild, y la vez, te damos uno de Circle Of Dust. En ambos casos, es un muy buen disco.

Circle Of Dust

KMFDM - Blitz

Año: 2009
Sello: Metropolis

KMFDM es todo un clásico. Si te gusta el Industrial, o más precisamente el Rock y el Metal insertados dentro del Industrial, no podés no conocerlos. Ese Beat realmente duro pero bailable, con riffs demoledores y repetitivos, con voces que lanzan proclamas anti-todo, y los riffs repitiéndose infinitamente otra vez. Sascha Konietzko, líder indiscutibe del combo de terroristas, alguna vez dijo que lo que más le gustaba del Metal, eran los riffs con los cuales empezaban los temas, pero que luego esa energía inicial se perdía por la cantidad de arreglos que metían, además de la utilización del formato tradicional de una canción que terminaba quitándole fuerza al tema. Entonces el tipo decidió usar ritmos bailables, voces procesadas y agresivas, y meter esos riffs iniciales que tanto le gustaban del Metal, pero manteniendo el riff casi inalterable, salvo algún que otro cambio. Y así, y desde hace más de 20 años, KMFDM viene sacando discos que son una marca registrada, desde el sonido hasta la estructura de las canciones.
Con este grupo podés sacudir la cabeza como un Thrasher, pero también podés bailar como un poseído en una disco Industrial/Goth. Con KMFDM podés pensar, pues sus letras son realmente comprometidas e interesantes. KMFDM es una experiencia distinta, sin ser unos virtuosos, pero haciendo de su originalidad un estandarte. "Blitz" tiene todo esto citado anteriormente, o sea, tiene todo lo que un buen disco de KMFDM debe tener. A disfrutarlo 

Clawfinger - Use Your Brain

Año: 1995
Sello: Wea Music


Los 90´s nos depararon geniales sorpresas. Muchos moldes fueron rotos por músicos que, sin renegar de sus raíces pesadas, se metieron a incursionar en terrenos que en los 80´s eran considerados malditos, totalmente ajenos al Metal. Entre esos irreverentes que se atrevieron a empujar los límites, y con ello, ampliar el espectro de la Música Pesada, está Clawfinger, uno de los grupos más influyentes e infravalorados de la historia. ¿Alguien me puede explicar, como puede ser que grupos menos talentosos y originales (algunos una reverenda mierda), y que encima le robaron a estos suecos, hayan tenido más éxito y reconocimiento que Clawfinger? La mayoría de los grupos que fusionaron Rap y Metal con cosas Industriales, no le llegan ni a los talones a Clawfinger. De hecho, la mayoría de los grupos de Rap Metal y/o Nü Metal, jamás han grabado (ni grabarán) un disco tan bueno como este. Es más, Rammstein deberían pagar regalías por varios de los mejores riffs de su carrera, pues son calcados a varios riffs de Clawfinger.
Escuchen "Do What I Say" , "Pay The Bill", "It", o cualquiera de los temas que componen este clásico atemporal, y pierdan la cabeza ante tamaña demostración de poder, huevos y clase. Y por sobre todas las cosas, Originalidad.
Un disco infaltable en cualquier discografía pesada.

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