Escribir este informe era algo que debía hacer. El Punk Rock fue el género musical que cambió algo más que mis gustos musicales, cuando recién entraba en la pubertad. Fue el género que me hizo ver la necesidad de tener una ideología propia, de ser yo mismo y de hacer las cosas yo mismo. Fue el género que me empujó a descubrir todo lo que sea Extremo (sea Metal, Grindcore u otros estilos). Es el género que cambió mi vida, así de simple y sencillo. Por eso decidí hacerlo, dedicándole todo el tiempo que fuera necesario (comencé a escribirlo hace meses), y contando con la siempre impagable ayuda de mi pareja (Laura Serviän).
En esta primera parte abordamos los comienzos del Punk, las bandas que dieron el puntapié inicial, como así también las bandas que crearon la escena Punk allá por el 76/77, y algunos de los más encumbrados sucesores, grupos éstos que, en definitiva, son los que permitieron que la furia Punk siga sacudiendo los cimientos de una sociedad pacata e hipócrita. Casi no hay espacio para el Hardcore y todo lo que vino a partir de los 80s aquí. eso irá en la segunda parte. En esta, la primera parte, sólo hay espacio para los responsables de que el Punk Rock se geste, nazca y crezca como tal. Y espacio para losque, más adelante en el tiempo, hicieron lo que debían hacer para que el Punk siga siendo peligroso. O sea, esta parte está dedicada a los progenitores del Punk y tan sólo algunos de sus hijos dilectos. En resumen, esta dedicada a los tipos crearon la música más rebelde de toda la puta historia: el Punk Rock.
MC5:
Origen:
Detroit, USA. 1963/1972; 1992; 2003/Presente?
Un informe dedicado al Punk tenía que comenzar por donde
tenía que comenzar: MC5. Hubiese resultado poco serio dejar a semejante banda
para otro momento del informe, siendo que, a partir de ellos es que podemos
hablar de Punk. Ok, podemos hablar de Punk y de Heavy Metal, pues la primera
vez que la prensa utilizó dicha etiqueta para rotular a un grupo, fue con MC5.
Pero, y más allá de que MC5 tienen una importancia innegable en la historia del
Metal, y de toda la música dura en general, lo cierto es que el Punk le debe
todo a estos salvajes de Detroit, Michigan. Primero que nada, el sonido de los
de Detroit fue la piedra angular sobre la cual todas, pero todas las bandas de
Punk Rock construyeron su sonido. Con ese sonido de garage, sucio y caótico, en
el cual se entrometían acoples aturdidores, solos de guitarras que parecían
grietas abriéndose en la tierra, una batería estruendosa y un bajo que arrasaba
todo, los MC5 demostraron que la cosa, sí o sí, iba, y debía, venir por el lado
salvaje. Sobre ese electrizante sonido, el gran Rob Tyner, con su voz que
mezclaba Blues, Garage, Rock & Roll, algo de Gospel y hasta cosas que
rememoraban a Dave Clark Five, ponía en claro que los rudos de Michigan no iban
a callarse nada, y que lejos iban a pararse del hippismo pasivo (no pacifista)
que prefería sentarse en son de protesta, antes que lazar su voz con rabia y
escupir verdades en la cara del sistema. Entre los 5 integrantes dieron vida a
un monstruo gigantesco que abrió las puertas de un mundo que aun era
absolutamente nuevo y desconocido, pero que, a partir de ellos, creció hasta
transformarse en el grito de rebeldía de generaciones enteras. No hay en el
mundo ni un solo joven rebelde y enojado que alguna vez no haya sentido que su
piel se eriza al escuchar el himno eterno de los Motorcity 5: Kick Out The Jams, clásico que parece no
entender de tiempos, edades ni nada. Clásico que inspiró a los primeros punkies, a los que vinieron en la
segunda generación, y los que aun están por venir. Ese tema es tan sólo una
muestra del poderío de un grupo innovador y glorioso. El disco Kick Out The Jams, grabado en vivo en
1968 en el Grande Ballroom de Detroit, más precisamente el 30 y 31 de octubre
de ese año, es el disco que fundó todo, pero todo. Punk, Metal, cualquiera de
las variantes de estos géneros, todo. Sin MC5, tal vez, no habría nada. Ellos
fueron, en términos musicales, el Big Bang que dio vida a la música más dura y
transgresora, y nadie lo puede discutir. Ellos, mezclando Rock & Roll a la Check Berry
Los problemas que las ideas políticas trajeron a estos
Dioses, hicieron que su carrera quede trunca. La CIA , el FBI, el gobierno de USA, claro, e incluso
buena parte de la prensa, hicieron todo lo posible para silenciar a estos
blancos que bregaban por las libertades de los negros, de los marginales, y de
todos aquellos que no estuvieran a favor del sistema capitalista. Luego, la
muerte golpeó las puertas de MC5, se llevó a Rob Tyner primero, y a Fred
“Sonic” Smith luego (guitarra, junto al eterno Wayne Kramer). Este año también
nos dejó Michael Davis, bajista original del grupo. Pero la máquina sigue
rodando y y pateando culos. Hoy ya es más que nada un ejercicio nostálgico.
Pero ¿a quien le importa eso cuando hablamos del grupo por el cual todos
nosotros escuchamos Punk, Metal y asociados? Nadie puede decirles nada. Ellos
fueron, son y serán los responsables de todo esto.
Influenciados por:
Chuck Berry, The Who, John Coltrane, Gospel, Rock de Garage, The
Trashmen, The Rolling Stones, Jimi Hendrix Experience.
Líricas: Política,
libertad, sociedad, existencialismo, rebelión.
Discografía
esencial: Kick Out The Jams
(1969); Back In The USA (1970); High Time (1971).
También
escuchar: Wayne Kramer: The Hard Stuff (1995); Sonic's
Rendezvous: Sweet Nothing (1998); Los Saicos: Wild Teen-Punk From Peru 1965
(1999); The Sonics: Introducing The Sonics (1967).
The Stooges:
Origen: Michigan,
USA. 1967/1971; 1972/1974; 2003/presente.
Nada comienza con el aporte de un solo grupo. Si bien suele
suceder que es un grupo el que da el puntapié, siempre hay otro detrás,
apoyando o continuando. O bien hay varios grupos siguiendo el camino,
permitiendo que ESE ALGO surja. MC5 no estaban solos: también estaban sus
hermanitos, unos chiflados oriundos de Ann Arbor que metían ruido a lo bestia.
Respondían (y aun hoy responden) al nombre de The Stooges, nombre tomado de The
Three Stooges. A diferencia de MC5, politizados y con una gran conciencia
social/política que se exteriorizaba tanto en las líricas como en sus actos,
The Stooges eran el costado nihilista y desenfrenado de algo que aun estaba por
venir: el Punk. Para ello se apoyaban en la imagen y voz de un tipo sin igual: James Newell Osterberg, mundialmente
conocido como Iggy Pop. Él, quien tras ver un concierto de The Doors decidió
ser el frontman/cantante más sacado de la historia, se puso al frente del grupo
y dio rienda suelta a actitudes desaforadas que hicieron época. Obvio, solo no
podría haber logrado lo que The Stooges lograron. Ron Asheton, Scott Asheton y
Dave Alexander metían todo el ruido del mundo, y lo hacían como nadie (o casi
nadie) lo había hecho hasta el momento. Disonancias, acoples, riffs simples
pero sucios y escabrosos, machaques ensordecedores, ritmos febriles y mucha
furia, mucho frenesí. MC5 eran rudos y quilomberos, pero The Stooges fueron más
allá aun. Claro, la relación entre ambas bandas existía, no era casual que
hubiese tanta conexión entre el sonido de unos y otros. Más allá de las
diferencias, había cosas muy puntuales que hacían que se hable de EL SONIDO DE
DETROIT, y que este fuese sinónimo de un sonido fuerte y estremecedor. Pero,
mientras Tyner y los suyos le ponían intelecto al caos, The Stooges le tiraban
kerosene al fuego, y el caos se convertía en algo gigantesco e irrefrenable.
Por eso son referencia obligada cuando se habla del costado más lascivo y
jodido del Punk, pues Iggy y sus secuaces forjaron su estilo a base d4e sexo,
excesos, delirios varios, descontrol absoluto y una música que destrozó todo
con su rabia y urgencia, cosas que nada tenían que ver con la mayoría de la
música de la época. Época de flower power, de paz y amor y demás cositas que
muy lejos estaban de la actitud desafiante de uno de los grupos más influyentes
de la historia. Con la formación antes citada, estos adalides del desorden,
grabaron 2 discos enormes, decadentes y perversos, en los cuales prácticamente sentaron la base definitiva de lo que sería el Punk, y, de paso, legaron unos
cuantos clásicos a las generaciones venideras. Luego, y tras un pequeño receso
provocado por razones varias (entre ellas, el abuso de drogas), The Stooges fueron
resucitados por David Bowie, se rebautizaron como Iggy & The Stooges, y
grabaron el enorme Raw Power, disco
tan fundamental como sus antecesores, aunque más duro y directo aun que
aquellos. Luego de nuevo al ostracismo, la separación que parecía definitiva,
la carrera de Iggy como solista dejando a The Stooges en el recuerdo, y la
posterior reivindicación y glorificación de un grupo que se adelantó a su
tiempo. Esa glorificación tardía hizo que el nombre del grupo crezca como
nunca, lo que terminó en un gran regreso. El gran regreso se confirma cuando
uno ve las performances del grupo en vivo, más no cuando escuchamos el disco
grabado por los reformado Stooges. Pero en vivo los tipos demostraron estar
intactos, tanto los hermanos Asheton, como la Iguana (siempre vigente el genio), como Mike Watt
en bajo (ex Minutemen), demostraron que el nombre de la enorme banda de
Michigan jamás podrá ser olvidado ni ensuciado ni nada: The Stooges no tienen
ni época ni espacio que resista sus demoledoras explosiones de Rock reventado
de Garage, con una actitud tan Punk que da miedo. Ni la muerte de Ron Asheton
(guitarrista original del grupo, padre del sonido tan identificable de la
banda. Reemplazado por otro histórico: James Williamson) pudo frenar esta
furiosa vuelta al ruedo, la cual comenzó hace casi 10 años, y que aun hoy los
tiene girando por el mundo, dejando en claro que The Stooges son lo que son
porque nunca imitaron a nadie. Que están en el sitio en el que están porque
ellos crearon ese lugar, ellos sembraron la tierra. Ellos son The Stooges, y no
hay más nada que decir.
Influenciados por: The Doors, The Rolling Stones, MC5, The Who, Iron
Butterfly, Chuck Berry, Gene Vincent, Eddie Cochran.
Líricas: Sexo, decadencia, excesos, violencia, locura.
Discografía esencial: Idem
(1969); Funhouse (1970); Raw Power (1973).
También
escuchar: New Bomb Turks: Destroy-Oh Boy! (1993); Suicide: Idem (1977); Iggy Pop:
Lust For Life (1977); Betty Blowtorch: Are You Man Enough? (2001).
New York Dolls:
Origen: New York, USA. 1971/1976; 2004/presente.
Siempre se habló
de la relación que hay entre el Punk más tradicional y el Glam Rock de finales
de los 60s y principios de los 70s. Es inevitable hablar de esa relación, pues
existe tanto en lo musical como en lo estético. Y de entre todas las razones
que permiten que xista esa relación entre ambos estilos, hay una que sobresale
por peso propio: New York Dolls. Hasta la aparición de esta gran banda, el Glam
tenía ciertos visos de lo que luego iba a ser cierto costado del Punk, pero no
tenía una relación directa. Ni siquiera se podía decir que grupos como Sweet,
T.Rex, Gary Glitter y similares pudiesen ser considerados como influencias
absolutas en la historia del Punk. Sí, influenciaron a los Punks primerizos,
eso no se puede ocultar. Pero no lo hicieron en la manera en que sí lo hizo
NYD. Es que los otros grupos no contaban con un guitarrista como Johnny
Thunders, a quien tanto Johnny Ramone como Steve Jones (Sex Pistols) le deben
demasiado. Su sonido, urgente y caliente. Sus solos, tan poco elaborados como
puros y sinceros, carentes de toda pretensión y llenos de pasión minimalista.
Su guitarra (el modelo), incluso, fue utilizada por varios músicos de Punk
Rock. Ejemplo, Steve Jones no sólo utilizó durante décadas ese modelo, sino que
Malcolm Mc Laren (el famoso manager de los Pistols, fue también manager de los
Dolls) consiguió que Thunders le regalé una de sus guitarras al –por aquel
entonces- novato Jones. ¿Y qué decir de su colega, Sylvain Sylvain? Un
guitarrista dueño de un ritmo encendido, preciso pero desprolijo a la vez, algo
que muy pocos supieron apreciar en su momento. O la voz de David Johansen, una
especie de Mick Jagger más glamoroso, más reventado y más exagerado y
decadente. O la base conformada por Arthur “Killer” Kane, un bajista supremo,
pero con esa impronta salvaje y quilombera tan propia de los punkies por venir,
acompañado/acompañando ya sea a Billy Murcia (un baterista realmente salvaje, y
uno de los tantos ex miembros fallecidos) o Jerry Nolan, más speedico que su antecesor, o sea, más
acorde al caos que eran los Dolls tanto arriba como abajo del escenario (Nolan
también murió). Y la imagen, exagerada, provocadora, ambigua y para nada convencional rebelándose contra los límites morales impuestos por una sociedad tan
inmoral como la yanki. Recuerdo que Sylvain Sylvain escribió en el booklet del
disco Red Patent Leather “En Estados
Unidos podes ser drogadicto, travesti y alcohólico pero no podes ser
comunista. Pues bien, nosotros somos drogadictos, nos transvestimos, somos
alcohólicos y somos comunistas”. Vaya declaración de principios!. Vale aclarar
que en su época, los Dolls fueron apreciados por pocos, pues su música y su
estética resultaban muy chocantes para un mundillo rockero plagado de snobs
pretenciosos y aburguesados. La música de los Dolls, combinando el Rock de
Garage más reventado, con melodías Pop de los 60s y ese toque tan negro que le daba la influencia de los
sonidos de la Motown ,
resultaba poco digerible para los amantes de las zapadas eternas y el virtuosismo
autoindulgente. Por suerte, y pocos años después de su primer separación, llegó
el Punk y los Dolls se convirtieron en héroes de una generación que vino para
romper todos los esquemas.
Hoy los Dolls
sólo cuentan con 2 integrantes originales, pero al menos se los reconoce y, en
algunos casos, se los reverencia. De una manera u otra, se les hizo justicia.
Influenciados por: The Rolling Stones, MC5, Steppenwolf, Sonido
Motown, Slade, Ten Years After, The Beatles, Eddie Cochran. T. Rex, Muddy Waters.
Líricas: Sexo, drogas, Rock & Roll, fiestas.
Discografía esencial: Idem
(1973); Too Much To Soon (1974); Red Patent Leather (1984).
También
escuchar: Johnny Thunders & The Heartbreakers: L.A.M.F. (1977); Hanoi Rocks:
All Those Wasted Years (1984); New York Loose: Year Of The Rat (1996); Slade:
Slade Alive! (1972).
The Ramones:
Origen: New
York, USA. 1974/1996
El nacimiento del Punk Rock tal como lo conocemos. Antes de
Ramones hubo varios grupos que aportaron cosas esenciales para que el Punk
naciera. Pero quienes hicieron del Punk lo que es desde que el Punk salió a la
luz, tal y cual lo conocemos, fueron los fabulosos neoyorkinos, quienes tomaron
su nombre (Ramones, claro) de un seudónimo utilizado por Paul McCartney. Fueron
ellos quienes adoptaron un formato compositivo/musical al cual se lo identificó
mundialmente como Punk Rock. Fueron ellos quienes revivieron la esencia del
Rock & Roll de finales de los 50s, quienes trajeron de regreso toda esa
salvaje locura adolescente, y le dieron una vuelta de tuerca, convirtiéndolo en
algo más salvaje, rápido y excitante aun. Fueron ellos quienes comenzaron a
definir la actitud que hace del Punk lo que es. The Ramones aportaron el
sonido, la actitud, la manera de tocar y componer. La forma de subirse a un
escenario y tocar como un grupo Punk debe tocar sobre el mismo. Eso de tocar un
tema tras otro sin dar un respiro. Eso de ir lo más rápido posible, con
urgencia, como si se les fuera la vida en ese instante en el que están tocando,
tratando de meter la mayor cantidad de canciones en el menor tiempo
posible.Ellos y su eterna postura de adolescentes, aun cuando ya eran
cuarentones, ellos, siempre ellos. The Ramones, el grupo de los integrantes que
comparten el mismo apellido (Ramones). Los del inmortal one-two-three-four! Los
de gritos de guerra como “Hey, ho, let´s
go!” o “Gabba gabba hey!”. The Ramones, los que sobrevivieron durante
décadas, sin ganar un puto billete, girando por el mundo entero y grabando
disco tras disco, sin obtener jamás el éxito merecido. Reconocimiento, sí.
Éxito, no. Pero nunca importó el éxito, porque Ramones siempre estuvieron por
encima de eso tan fugaz llamado éxito. The Ramones, como todos los grandes de
verdad, estaban destinados a la gloria, a trascender el tiempo y el espacio. Estaban
destinados a ser inmortales. Aun con 3 de los 4 miembros originales ya muertos
(Joey, Johnny y DD), The Ramones son inmortales. The Ramones, los que vieron
como grupos muy inferiores a ellos se llenaban de dinero robando descaradamente
lo que ELLOS INVENTARON. The Ramones, los que sobrevivieron a las feroces
peleas entre Joey y Johnny, peleas que llegaron a salir a la luz, incluso, a
través de canciones (The KKK Took My Baby
Away habla sobre una chica que salía con Joey, y que le fue sacada por Johnny. Lo de usar las siglas
del Ku Klux Klan es una gran ironía de Joey en contra de Johnny, famoso
ultraderechista republicano). Sí, The Ramones, los responsables de que el Punk
sea Punk. En definitiva, y parafraseando al gran Ginger (The Wildhearts),
hablamos de Ramones, una banda con más huevos que un millón de bandas juntas.
Influenciados por: The Who, The Beach Boys, Slade, New York Dolls,
Dr. Feelgood, Rock & Roll de los 50s, MC5, The Stooges.
Líricas: Adolescencia,
amor, sexo, nihilismo, excesos, humor.
Discografía esencial: Idem
(1976): Rocket To Russia (1977); It´s Alive (1978).
También
escuchar: Redd Kross: Born Inocent (1982); Hard-Ons: The best Of...(1998); The
Adicts: Sound Of Music (1982); Green Day: Dookie (1994).
Sex Pistols:
Origen: Londres,
Inglaterra. 1975/1978; reuniones: 1996, 2002,2003, 2007, 2008.
La gran estafa del Rock & Roll tenía ser realizada por
un grupo Punk. Un grupo que hizo de los escándalos y los excesos (excesos de
todo tipo: desde drogas y alcohol hasta excesos verbales, de autoindulgencia,
soberbia y desfachatez, entre otras cosas) un culto, con el cual emergieron
como una entidad única e irrepetible en la historia del Punk y de la música en
general. Así como The Ramones dieron vida y forma el Punk tal como lo conocemos
hoy, Sex Pistols crearon el movimiento Punk, lo llevaron un paso más allá y lo
convirtieron en una ideología, una filosofía de vida. Trajeron la anarquía y la
impusieron como ideología preponderante dentro del género. Hicieron de la rabia
un motor creativo. Insultaron a medio mundo y se cagaron en la otra mitad. Apoyados
en la cínica (e inteligente) mirada de Johnny Rotten (o Johnny Lyndon, es lo
mismo),los londinenses aparecieron con la fuerza de los grandes, se llevaron
todo por delante en 3 años y se autoconsumieron a causa del exceso de desmadre,
locura y personalidades opuestas. Pero ellos inventaron el movimiento Punk y
nadie lo puede discutir. Incluso aquellos que durante décadas despotricaron
contra ellos, acusándolos de ser un invento, nada pueden objetar cuando se dice
que el movimiento Punk le debe la vida a estos irreverentes 4 audaces. Dije 4,
pero en realidad fueron 5, y ninguno está por encima del otro. Podemos decir
que Johnny Rotten fue el cerebro del grupo, aportando sus sarcásticas e
incisivas líricas, despertando la conciencia de jóvenes desahuciados, apuntando
sus cañones en contra de un sistema enfermo y burlándose despiadadamente de
todo aquello a lo que él considerase SU enemigo. Pero sin la energía de Steve
Jones en las 6 cuerdas, poco y nada podría haber hecho Johnny, pues Jones fue
quien dotó al grupo de un sonido de guitarra caliente y extasiante, el cual
sirvió de marco para riffs memorables que perduran hasta el día de hoy. Sin
embargo, y más allá de las virtudes de éstos 2, su labor no hubiera servido de
nada de haber estado Paul Cook en la batería, pegándole con el alma, tocando
con simpleza y fiereza al mismo tiempo, tal como debe tocar un baterista de
Punk Rock. O Glenn Matlock, cerebro creativo del grupo, quien desde su rol de
bajista aportó melodías y armonías, coros y bases gloriosas que permitieron que
esas grandesw canciones se transformasen en himnos. Y no nos olvidemos de Sid
Vicious, reemplazante de Matlock en los 70s. Si bien Vicious era un pésimo
bajista, él aportó lo que faltaba para que el combo resultase explosivo a más
no poder: su imagen, símbolo del Punk autodestructivo y nihilista, y su
actitud, siempre al borde y más allá. Irresponsable y bastante descerebrado,
Sid se convirtió en el ejemplo a seguir para cientos, miles de Punks alrededor
del mundo, especialmente dentro del círculo de punkies que tomaron el slogan no future como estilo de vida. Tampoco
podemos dejar de lado al controvertido Malcolm McLaren, otrora manager de los
New York Dolls y, en cierto modo, mentor del fenómeno Sex Pistols (fenómeno que
nos es lo mismo que la banda en sí).
Pero los Pistols fueron mucho más que un grupo de jóvenes
enojados destruyendo todo a su paso. Fueron un grupo seminal, algo que queda
demostrado en el único disco de estudio que grabaron: el enorme Nevermind The Bollocks: Here´s The Sex
Pistols, disco cuya historia detrás de la grabación y edición merecería un
informe aparte. De hecho, cada anécdota, cada situación o historia en la vida
de ellos, merecería un apartado. Por lo pronto, este espacio sirve para
homenajearlos y dejar en claro algo: si los Pistols fueron una estafa, pues qué
placer da ser estafado por ellos!
Influenciados por: New York Dolls, MC5, The Stooges, Dr. Feelgood,
The Who, The Dictators, Rock & Roll de los 50s.
Líricas: Anarquía,
la sociedad, desocupación, el no tener futuro, la clase alta.
Discografía esencial: Nevermind
The Bollocks: Here´s The Sex Pistols (1977); The Great Rock & Roll Swindle
(1979).
También escuchar: Sid
Vicious: Sid Sings (1979); The Professionals: Idem (1980); Rich Kids: Ghost Of
Princes In Towers (1978); Public Image Limited: First Issue (1978).
The Clash:
Origen:Londres,
Inglaterra. 1976/1986.
Una década, tan sólo una década de existencia necesitaron
estos ingleses para romper todos los moldes del género. Una década necesitaron
para demostrar que el Punk es más, mucho más que tres acordes tocados con toda la
rabia. Si The Ramones fueron el Punk en su estado más puro, y los
Pistols la imagen simbólica y descarada del mismo, The Clash fueron los
intelectuales por excelencia. Desde la imagen, netamente punk pero no por eso
apegada a las modas del género, pasando por sus incisivas y pensadas líricas,
hasta la música, rica en emociones y variada como pocas, la banda de Joe Strummer
y Mick Jones siempre fueron los distintos. Mezclando el clásico formato Punk con
el Reggae, el Ska,
el Rockabilly, y hasta la música Disco, los Clash le
hicieron ver al mundo que para ser Punk basta con la actitud, y que, en este caso, el
formato de la música no debe ser necesariamente el tradicional. Nutriéndose de
estilos tan rebeldes y contestatarios como el Reggae, y teniendo como referentes a
lideres ideológicos de izquierda, filósofos existencialistas como Sartre y a
músicos como Bob Marley
como referentes, The Clash se abrieron de las hordas Punks
más recalcitrantes, hicieron su propio camino y dejaron una huella imborrable. The Clash fueron mucho más que música, y eso quedó en claro
a través de la intencionalidad contenida en sus obras, algo que les permitió
convertirse en un mundo dentro de otro. Contrarios al estereotipo del Punk
autodestructivo a la Sid Vicious
10 años y los márgenes dejaron de ser rígidos, estrechos. 10
años e influenciaron a músicos y bandas que les rinden culto hasta el día de
hoy. 10 años para trascender al género que ellos ayudaron a crear. 10 para
hacer historia. Sin pensarlo dos veces, The Clash es el 3r grande.
Influenciados por: Dr. Feelgood, The Who, Bob Marley, Peter Tosh,
Ska, Rockabilly, The Rolling Stones, MC5.
Líricas: Política,
sociedad, represión policial, libertad, desempleo, la vida en los barrios
bajos.
Discografía esencial: Idem
(1977); Give´em Enough
Rope (1978); London Calling (1979).
También
escuchar: Dropkick Murphys: The Warrior´s Code (2005); Rancid: ...And Out Come The
Wolves (1995); Street Dogs: Saving Hill (2003); X: Los Angeles (1980).
The Dictators:
Origen: New York, USA. 1973/1975; 1976/presente.
El eslabón que unió a los primeros grupos de espíritu Punk
(ya saben, MC5, The Stoges, etc) con The Ramones. No sólo eso: el eslabón que tira por la borda toda esa estúpida discusión acerca de la rivalidad y las
–supuestamente- enormes diferencias que hay entre el Punk y el Metal. The
Dictators son un eslabón exacto, absolutamente necesario e imprescindible para
comprender muchas cosas. Para empezar, estuvieron antes que The Ramones, y
fueron una de las fuentes de inspiración de los monchos. En segundo lugar,
fueron esenciales (junto a los New York Dolls) para que la escena Punk
neoyorkina surgiera y se convirtiera en lo que se convirtió. Además, hicieron
del CBGB y del Max Kansas lugares de reunión de las hordas de punkies que
comenzaban a asomar sus cabezas, deseosos de conseguir algún antro en donde
reunirse a escuchar esa nueva música que pronto destrozaría todo. Por si esto
fuera poco, grabaron un disco de culto, The
Dictators Go Girl Crazy!, el cual es considera no sólo un disco de culto,
sino que, actualmente, es considerado por muchos como el disco de Punk
neoyorkino más importante de la historia.
En cuanto a eso de que The Dictators derriban el mito de que
el Metal y el Punk no tienen nada que ver, bueno, es cierto. Basta con saber
que entre las filas del grupo estuvieron/están músicos como Mark “Animal”
Mendoza (bajista de Twisted Sister) y el enorme Ross “The Boss” Friedman, aquel
fabuloso guitarrista que fue parte de la mejor formación de Manowar; sí,
Manowar, los creadores de cositas tales como “Muerte al Falso Metal”, los
autoproclamados “Reyes del Heavy Metal”, etc. ¿Así que no hay conexión entre un
género y otro?
Por otro lado, no conocer a The Dictators es ignorar una
parte fundamental en la vida de un género que pateó el tablero en el momento
justo, y que le devolvió la peligrosidad al Rock, cuando esté se aburguesaba a
pasos agigantados. Y es que The Dictators aparecieron en el momento justo,
estuvieron en el lugar justo, e hicieron lo que tenían que hacer para que la
llama encendida por grupos como The Stooges, MC5, NYD y el primer Slade no se
apagase. Y fueron los que le pasaron la posta a The Ramones. Y son el grupo en
el cual genios como Handsome Dick Manitoba (voz) y Andy Shernoff (bajo y,
alguna vez, vocalista) se dieron a conocer con sus grandes canciones, con sus
personalidades únicas y entrañables, y con todo lo que representa ser partes
fundamentales en la vida de un grupo seminal.
Y, ya que estamos, ahí va una anécdota que sirve para dar
una leve idea de lo que fueron/son estos salvajes: durante la gira del
controvertido Manifest Destiny (disco
considerado por sus autores como el más flojo de su carrera) a The Dictators se
los comienza a conocer bajo el nombre de The
´Taters (término coloquial para Patatas). ¿Por qué? Porque durante la gira
que hicieron junto a Uriah Heep y Foreigner, los ayudantes de esta última
banda, pusieron una red llena de patatas sobre el escenario, las cuales dejaron
caer durante la performance de The Dictators. Obviamente, la cosa terminó en
escándalo. Ah! Y un tal Bruce Springteen mete su voz en el segundo disco (sí, Manifest Destiny), además de ser un
reconocido fan de la banda. Banda de
culto a full.
Influenciados por: The Stooges, Amboy Dukes, Blue Oyster Cult, Slade,
MC5, Steppenwolf, The Sonics.
Líricas: Sexo,
humor, Rock & Roll lifestyle, el negocio de la música.
Discografía esencial: The
Dictators Go Girl Crazy! (1975); Bloodbrothers (1978); D.F.F.D (2001).
También
escuchar: D-Generation: Idem (1994); Neurotic Outsiders: Idem (1996); The Nomads:
All Wrecked Up (1989); The Real Kids: Idem (1977).
The Dead Boys:
Origen: Ohio, USA. 1976/1979; 1987; 2004/2005.
Aunque a los Dead Boys se los relacioné (no en vano) con la
escena Punk de New York, lo concreto es que son de Cleveland, Ohio. Pero, y más
allá del lugar de origen ¿cómo nació esta banda seminal? Nació gracias a que
Cheetah Chrome (guitarra) y el baterista Johnny Blitz se hartaron de su
anterior grupo, llamado Rocket From The Tombs, más inclinado hacia el Art Rock,
algo que no llenaba a Chrome y Blitz. Pero las cosas suceden por algo. Y ese
algo se llamaba Stiv Bators, a quien conocieron en el verano del ´75. Bators,
fanático de Iggy & The Stooges, tenía 2 amigos que tocaban instrumentos:
Jimmy Zero (guitarra) y Jeff Magnum (bajo). Las 5 almas perdidas unieron
fuerzas y decidieron ir en contra de lo establecido en la aburrida y
conservadora ciudad de Cleveland, lugar que no era el adecuado para que 5
drogones ansiosos por hacer ruido se destaquen. Pero allí comenzaron, y allí
dejaron en claro lo que The Dead Boys serían: una entidad que llenó todos los
requisitos, desde el primer minuto de vida, para ser una banda esencial en la
historia de un género que recién comenzaba a gestarse como tal. Para ello, se
valieron de los excesos y locuras del enorme Stiv Bators, un cantante único en
todos sus aspectos. Algo así como una especie de Iggy fusionado con David
Johansen (aunque menos glamoroso), Jim Morrison y el Mick Jagger más lascivo,
pero con una personalidad intimidante e incomparable. A su vez, tenían a dos
guitarristas que lanzaban llamas a través de sus instrumentos, rockeando hasta
quedar exhaustos, y dejar exhaustos a los oyentes/espectadores. Y una base tan
sólida como caliente, poco afecta a los grandes arreglos, pero absolutamente
poderosa; algo lógico, pues hablamos de Punk. Así comenzaron en Cleveland, y
cansados de dar vueltas al vicio, la banda desapareció por un tiempo. Eso fue
hasta que Bators, amigote de Johnny Thunders (New York Dolls, Johnny Thunders
& The Heartbreakers) lo invitó a trasladarse a New York, en donde todo
comenzaba a explotar. New York era el lugar ideal, y eso motivó a Bators a
convencer a sus compañeros de Frankenstein (nombre original de The Dead Boys) a
mudarse hacia “la tierra prometida”. Ya en NY la banda cambió de nombre, más no
de actitud, ni mucho menos de propuesta musical. Y allí explotó el grupo,
llevando todas las decadentes posturas de sus ídolos hacia un nuevo nivel de
inmundicia, nihilismo, vulgaridad, violencia y provocación. Así hicieron que el
Punk le devolviera al Rock esa sensación de peligro inminente que había
perdido. Así grabaron un disco enorme y revoltoso, el genial “Young Loud &
Snotty”, y su sucesor, el entrañable “We Have Come For Your Children” un disco
menos ruidoso que el debut, pero igual de adorable e influyente. Y así se
separaron, se reunieron, se separaron y volvieron varios años después. Y así la
leyenda se agigantó tras la muerte de Stiv Bators en 1990, en Paris. Así llegó
el revival Punk de los 90s, y los Dead Boys vieron como su legado era
revalorizado, y vieron como artistas a quienes ellos influyeron, salieron a
reconocer el legado de un grupo que puso toda la carne en el asador con un sólo
propósito: hacer del Punk Rock algo temible pero encantador. Lo lograron.
Influenciados por: New York Dolls, The Stooges, The Rolling Stones,
Slade, T. Rex, The Dictators, The Damned, Sex Pistols.
Líricas: Masoquismo,
violencia, decadencia, excesos, nihilismo, desesperación.
Discografía esencial: Young,
Loud & Snotty (1977); We Have Come For Your Children (1978).
También escuchar: Demolition
23: Idem (1994); Michael Monroe: Not Fakin´ It (1989); The Black Halos: The
Violent Years (2001); Lords Of The New Church: Idem (1982).
The Damned:
Origen: Londres, Inglaterra. 1976/presente.
A la par de los Sex Pistols y The Clash estuvieron, y aun
están, estos verdaderos pioneros del Punk inglés, y, como no, mundial. De
hecho, The Damned dieron señales de vida aun antes que sus colegas británicos
lo hicieran. A saber, el primer single de Punk inglés que se editó fue New Rose, y el primer disco británico de
Punk Rock en salir a la venta fue el seminal Damned Damned Damned, debut de la banda de Dave Vanian y Captain
Sensible. Y no sólo eso: los ritmos ejecutados por el primer baterista del
grupo, el hiperkinético Rat Scabies, fueron fuente de inspiración para la
venidera camada de bandas de Hardcore. Pero hay más, claro que sí.
Prácticamente es un hecho que The Damned abrieron las puertas para la llegada
del llamado Post Punk o, como se lo conoce mundialmente, Dark o Gothic. El
principal responsable fue el señor Dave Vanian, con su oscura voz a la Elvis , pero dotada de una
profundidad fría y agresiva a la vez, que lo convertía en una especie de Elvis
de ultratumba. A eso hay que sumarle su look de vampiro, elegante pero perverso
al mismo tiempo, y listo, tenemos el génesis del Gothic.
Pero la cosa no queda ahí, pues a todo lo dicho hay que
agregarle el toque glamoroso que siempre estuvo presente en The Damned, tanto
en la estética como en la música, más cierto aire a la Alice Cooper
Influenciados por: MC5, The Stooges, Alice Cooper, Elvis Presley, The
Doors, T. Rex, The Pirates, The Who.
Líricas: Sexo,
juventud, romanticismo, vampiros, humor, la sociedad.
Discografía esencial: Damned
Damned Damned (1977); Machine Gun Etiquette (1979).
También
escuchar: Naz Nomad & The Nightmares: Give Daddy The Knife Cindy (1984); The
Vibrators: Pure Mania (1977); Elton Motello: Victim Of Time (1978); Captain
Sensible: Live At The Milky Way (1994).
Buzzcocks:
Origen: Bolton,
Inglaterra. 1976/1981; 1989/presente.
Me resulta un poco gracioso leer comentarios de algunos
fans/seguidores de la música Punk despotricando en contra de la melodía en el
género. Básicamente, las críticas van en contra del llamado Punk Melódico. Si
bien las bandas que integran la actual movida del Punk Melódico son, en su
mayoría, una gran mierda, no es menos cierto que la pésima calidad de muchos de
estos grupos no justifica los ataques que muchos detractores de esta rama hacen
en contra de la misma. Así como es innegable que el Punk se llenó de grupitos
de Pop barato que por usar los pelos parados y ropas rotas, más una guitarra
semi-distorsionada, osan autodenominarse Punks, también es cierto que es una
gran mentira eso de que el Punk no puede, ni debe ser melódico. Quien dice eso
no sólo desconoce a fondo la historia musical del género, sino que jamás
escuchó a Buzzcocks. Y no escuchar a Buzzcocks es desconocer una parte
fundamental en la historia del Punk. Es desconocer el costado más melódico,
ganchero, elegante y sensible de un género que, si bien tuvo (y tiene) sus
raíces en la furia, el descontrol y la urgencia, también tiene su costado
sensible y más “elaborado”, si es esa la palabra justa. En realidad, se trata
del lado menos ruidoso y más propenso al formato más conocido y aceptado de la
canción, con estrofas y estribillos que se adhieren inmediatamente al cerebro
del oyente. Nada que no hayan hecho The Ramones, dirá alguno. Pero lo concreto
es que Buzzcocks encontraron SU manera de hacer Punk Rock, y la encontraron
haciendo uso de la melodía. Sí, esa melodía que los detractores del Punk decían
que no existía dentro del estilo. Pues bien, los Buzzcocks tiraron por la borda
todos esos ataques verbales en contra del Punk, y demostraron que se puede ser
rudo y sensible, melódico y ruidoso, veloz pero no irracional, y que el cinismo
y el nihilismo pueden convivir con sentimientos propios de aquellos que tienen
sus corazones rotos, pero que así y todo, siguen siendo unos románticos Pete
Shelley, Steve Diggle, y, en un momento de la historia, Howard Devoto,
encontraron su fuente de inspiración no sólo en los grupos que todos escuchaban
(Ramones, Sex Pistols, The Stooges, New York Dolls, etc). Buscaron más allá y
comprendieron que las melodías de The Beatles, el sonido de The Who y el gancho
de The Troggs podían ser buenas influencias, que podían darle al estilo del
grupo un aire fresco distinto. Mezclaron todo eso, pusieron su sello
distintivo, y Buzzcocks estaban listos para salir y ser ellos mismos. Y,
créanme, en ese momento en el que todo estaba explotando, en el que la historia
estaba pasando por instante más álgido, fue cuando más grupos salían, cuando
más difícil era distinguir a uno de otro, pues la escena estaba atestada de
chicos que sólo querían ser los Nuevos Sex Pistols, o los nuevos Ramones, The
Clash o The Damned. Siempre pasó, y sigue pasando. Pero Buzzcocks no intentaron
ser los Nuevos Clones de Nadie: intentaron ser ellos mismos, y lo lograron. Por
eso no resulta casual que su disco debut se llame Antoher Music In a Different Kitchen. Sí, los músicos hicieron Punk
desde el principio; pero lo hicieron usando sus ingredientes favoritos,
cocinando a su manera, y metiendo dentro de la propuesta una sensibilidad que,
por aquel entonces, era atípica en el género. Luego vinieron cientos, tal vez
miles de bandas que se dividieron/dividen entre los que hacen algo valioso, y
los que son una reverenda mariconeada. Pero eso es otra historia. Una historia
que a los Buzzcocks no les importa, pues ellos la escribieron mucho antes de
que los clones hagan de las suyas.
Influenciados por: The Beatles, The Ramones, The Who, The Troggs,
Eddie & The Hot Rods, The Kinks, The Clash.
Líricas:
Amor, cinismo, nihilismo, sexo, emociones, la juventud.
Discografía esencial: Another
Music in a Different Kitchen (1978); Love Bites (1978); A Different Kind Of
Tension (1979).
También
escuchar: 999: Separates (1978); The Lurkers: Fullham Fallout (1978); The Undertones: Teenage
Kicks (1978); The Jam: In The City (1977).
Radio Birdman:
Origen: Sydney, Australia. 1976/1978; 2006/presente?
Garage Rock.
Killer Rock. Rock & Roll. O simplemente Punk Rock, y a la mierda.
Usen la etiqueta que quieran, da igual. En definitiva, por más que uses una u
otra etiqueta, nada ni nadie va a poder modificar el rumbo de la historia. Y la
historia cuenta que Radio Birdman fueron una de las primeras bandas en ser
etiquetadas como Punk, que fueron una
influencia esencial en cientos de bandas del género (y en grupos de otros
géneros también), y que, indefectiblemente, cuando se habla de los orígenes del
Punk, se habla de ellos en algún momento. Ademas, creo que es inevitable
hacerlo (hablar de ellos) pues abrieron una brecha importante, e introdujeron a
Australia en el mapa de estilos hermanados como el Killer Rock, el Punk y el
Garage Rock, todos hermanitos ellos. Pero, y por sobre todas las cosas, y al
ser australianos, aportaron un grado de rudeza distinto, una forma muy personal
de ser duros, muy australiana. Pasó con AC/DC y Rose Tattoo en otro tipo de
Rock & Roll (aunque muy emparentados), pasa en el Grind con Blood Duster y
compatriotas del mismo estilo, y pasa con todas las bandas australianas que se
precien de hacer música dura. Pues bien, Radio Birdman no fueron (ni son) la
excepción a la regla, por eso es necesario remarcar el tema de la actitud
salvaje y bardera que siempre tuvieron estos australianos.
Reconociendo influencias de los estilos antes citados, más
toques de Música Surf, Glam bien Rocker, algún que otro arreglo a la
The Doors
Influenciados por: The Stooges, MC5, The Pirates, New York Dolls, The
Doors, The Rolling Stones, Steppenwolf, Gene Vincent, Dr. Feelgood.
Líricas: Excesos,
peleas, Rock & Roll, la noche, sexo.
Discografía esencial: Radios
Appear (1977); Living Eyes (1978); Zeno Beach (2006).
También
escuchar: The Saints: (I´m) Stranded (1977); Eddie & The Hot Rods: Teenage
Depression (1976); The Lime Spiders: The Cave Comes Alive! (1987); The New
Christs: Face a New God (1981).
Patti Smith:
Origen: Illinois, USA. 1972/presente.
Para todos aquellos que dicen que el Punk siempre careció de
ambición artística, sólo puedo decirles esto. No tienen ni la más puta idea de
lo que dicen. Ok, la esencia del Punk no es precisamente la de ser artistas
refinados y de aires intelectualoides de galería de arte. Pero en los 70s, e
incluso antes de los 70s, cuando el Punk era apenas un embrión, hubo gente con
actitud Punk, que fue importante en la gestación del género, pero que, a su
vez, no se privó de hacer su arte desde otro lugar, brindando otra perspectiva
del asunto. Patti Smith, mujer que ha sido fundamental en la historia del Punk,
puede jactarse de ser una de las artistas más inteligentes, refinadas y a la
vez rebeldes que jamás haya tenido el Punk en su seno. Sin caer en las
estridencias excesivas que tanto amamos los fans del género. Sin la necesidad
de bardear salvajemente, a lo Wattie (Exploited), ni convertirse en un clon de
Sid Vicious. Patti fue, es y será esencial para el Punk, pero desde su lugar,
con su óptica.
Influenciada por grandes poetas y escritores malditos como
Arthur Rimbaud, la poesía Beat, Dylan Thomas y otros genios, Patti abordó el
mundo del Rock & Roll cargando un bagaje cultural distinto, profundo y de
una visión tan ácida como sensible de un mundo que no tardaría en ponerle el
mote de “madrina del Punk”. Si bien musicalmente su aporte al Punk se reduce a
sus primeros trabajos (los cuales están en una línea más cercana al Art Rock y
a grupos como The Velvet Underground, pero con mucho espíritu Punk), su postura
ante la guerra, ante la codicia capitalista y ante el excesivo egoísmo del
hombre, sumado a la manera en que dirigió su mensaje hacia los jóvenes,
hicieron de Smith una Punk con mayúsculas: rebelde, contestataria y
comprometida con las causas que ella consideró siempre que debían ser defendidas
y promovidas para que sean conocidas por las masas. Su actitud, su compromiso,
no me caben dudas, han inspirado ha artistas comprometidos con sus ideales,
como Crass, la fallecida Wendy O´Williams, Greg Graffin, The Clash y muchos
otros personajes del ámbito rocker (o Punk) que jamás dejaron de lado su
compromiso social y político. Y no cabe decir mucho más: su historia está por
encima de cualquier cosa que yo pueda agregar.
Influenciada por: The Velvet Underground, Bob Dylan, MC5, David
Bowie, The Rolling Stones, Van Morrison.
Líricas: Rimbaud,
poesía Beat, Dylan Thomas, existencialismo.
Discografía esencial: Horses
(1975); Radio Ethiopia (1976); Easter (1978).
También
escuchar: Richard Hell & The Voidoids: Blank Generation (1977); Television:
Marquee Moon (1977); The Velvet Underground: Idem (1993); The Jim Carroll Band:
Catholic Boy (1980).
Sham 69:
Origen: Hersham,
Inglaterra. 1976/1980; 1989/presente.
Los chicos de Hersahm. La banda del enorme Jimmy Pursey. El
grupo al que muchos señalan como Creadores del Punk Oi! Sham 69, los que
alzaron su voz a favor del proletariado, de los oprimidos, de los reprimidos.
Los que se pusieron del lado de la clase obrera, del desocupado. Un emblema
hecho banda, un estandarte que sirvió para que hordas de punks provenientes de
los sectores más oprimidos de la sociedad, levantaran sus voces entonando
himnos que los identificaban, que los hacían sentir que no estaban solos, que
alguien los entendía y cantaba con toda su furia para contarle al mundo lo que
a esos pibes les pasaba. Ese alguien es Jimmy Pursey, una leyenda viva, cerebro
creador de líricas conmovedoras como las de “If The Kids Are United”, “Borstal
Breakout” y “Angels with Dirty Faces”. Canciones que, además de las líricas,
son temazos inoxidables que todo grupo Punk quisiera haber compuesto.
Desde un principio los Sham 69 demostraron que ellos no
necesitaban ningún aparato publicitario ni nada que los pusiera en un lugar X,
para obtener éxito ni fama. Ellos, de entrada, fueron lo que siempre fueron, y
por eso los Punks los amaron (los aman).Lo lograron con canciones, sin darle
mayor importancia a la estética, ni a la publicidad escandalosa ni nada
similar. Sham 69 se dedicaron a componer y grabar canciones históricas. Y
listo, con eso y la actitud combativa y sincera de los tipos, les sobraba. Por
eso fueron cada vez más los punks que iban a sus conciertos. Por eso sus
singles eran comprados ávidamente por sus seguidores. Por eso la gente
enloquecía cada vez que Pursey, el hombre que los descastados hicieron su
héroe, entonaba con alma y vida. Sus fans sentían (con justa razón) que Pursey
era la voz que los unía, que era el tipo que se paraba adelante de todos y
ponía la cara representándolos. Y lo era, lo es, y lo será. Pursey siempre va a
ser un ícono del rockero NO COMERCIAL, del tipo que no claudica y que jamás
pierde la cabeza. O sea, un verdadero Punk.
Claro, el hecho de que se los relacioné con la movida Oi!,
provocó que los skinehads se convirtieran en seguidores del grupo, algo que les
trajo algo de mala fama. Pero la realidad es que Sham 69 lejos estaban de ser
fachos. Incluso, en su página oficial, los Sham 69 aclaran que ellos
pertenecen a la primera ola del Punk, y no al movimiento Oi!, con lo cual se
despegan automáticamente de la escena del Punk Skinhead. Pero, y más allá de
las controversias típicas en bandas tan comprometidas con sus ideales, Sham 69
son un faro que ha iluminado a punks marginados y trabajadores también, en todo
el mundo. Hoy sus himnos siguen siendo himnos. Hoy, sus himnos siguen poniendo
la piel de gallina. Hoy, entonar “If The Kids Are United” o “Borstal Breakout”
sigue representando lo mismo que representaban a finales de los 70s. Sólo los
grandes pueden lograr eso.
Influenciados por:
Dr. Feelgood, Eddie & The Hot Rods, The Who, MC5.
Líricas: Desocupación,
represión policial, la vida en las calles, rebelión, los derechos del oprimido,
la unión de los Punks.
Discografía esencial: Tell
Us The Truth (1978); That´s Life (1978); The Advertures Of The Hersham Boys
(1979).
También
escuchar: Cock Sparrer: Shock Troops (1983); Angelic Upstarts: Teenage Warning
(1979); Stiff Little Fingers: Inflammable Material (1979); Cockney Rejects: The
Power & The Glory (1981).
UK Subs:
Origen: Londres,
Inglaterra. 1976/presente.
Otro grupo emblemático, histórico y combativo: UK Subs.
Charlie Harper, un peluquero que cantaba en un grupo llamado The Marauders, perdió la cabeza al
escuchar a The Ramones y The Dictators, y decidió que lo suyo era el Punk.
Decidido a no dejar pasar su oportunidad de unirse al movimiento (el cual aun
estaba en pañales), creo The Subs,
banda que luego cambiaría su nombre por el que todos conocemos. Se influenció
de la primera camada de bandas punkies, pero, increíblemente, y haciendo alarde
de una velocidad de acción increíble, Harper y su banda lograron ser parte de
la primera ola de bandas Punks. Fue así que U.K. Subs (Los Subversivos del
Reino Unido) se metieron en la cresta de la ola, y se mantuvieron intactos,
haciendo la suya, durante más de 30 años. Y siempre fieles a sus ideales, a sus
convicciones. No importa quien está al lado de Harper, el espíritu de U.K. Subs
permanece inalterable. Claro, eso sucede porque el espíritu es Harper. Y Harper
no es un tipo que se vaya a andar vendiendo al mejor postor. Quizás esa sea un
de las razones por las que U.K. Subs es señalado como uno de los grupos
culpables del nacimiento del Hardcore. Sí, U.K. Subs tocaban rápido ya en sus
comienzos, aunque sin llegar a ser virulentos a lo Discharge o Disorder. Pero
iban rápido, sonaban enojados, y sus letras abordaban (en la mayoría de los
casos) cuestiones sociales/políticas con una dureza implacable. Esa etapa de
los Subs duró tres discos full, o sea, hasta Endangered Species de 1982. Luego la banda levantó el pie del
acelerador, dejó de lado sus dos facetas más clásicas (más blueseros por un
lado, y más veloces y casi Hardcore por otro), para adentrarse en el incipiente
movimiento Post Punk, que poco tiempo después se denominaría Gothic o Dark.
Pero esa faceta más oscura no jugó en detrimento del espíritu Punk del grupo.
De hecho, U.K. Subs siguieron componiendo temas veloces y furiosos, tal como
siempre lo hicieron. Pero lo más destacable (sin olvidar su gran legado
musical) es la credibilidad de Harper, la cual fue transferida al grupo. Una
credibilidad que ha hecho de U.K. Subs un grupo admirado y respetados por todo
Punk que se precie de serlo. Una credibilidad que se ha mantenido inalterable
desde el mismo instante de la creación de un grupo que aun sigue activo,
manteniendo en alto la bandera del viejo Punk inglés, el más combativo. Un
grupo liderado por un tipo que se puede dar el lujo de escuchar bandas nuevas
de Punk, y decir “a eso lo hice yo a finales de los 70s”. Y nadie se lo puede
objetar.
Influenciados por:
The Faces, The Damned, The Ramones, The Kinks, The Stooges.
Líricas: Libertad,
guerra, la sociedad, represión, sexo, drogas y Rock `N´Roll.
Discografía esencial: Another
Kind Of Blues (1979); Brand New Age (1980); Endangered Species (1982).
También
escuchar: Anti-Nowhere League: We Are...The League (1982); Slaughter & The
Dogs: Do It Dog Style (1978); Dayglo Abortions: Feed Us a Fetus (1986); Blitz:
Voice Of A Generation (1982).
Social Distortion:
Origen: Orange
County, California, USA. 1978/1985; 1986/presente.
El Punk es enojo, rabia, caos, desesperanza, frenesí,
anarquía. Gracias al Punk (y a grupos como Motörhead) existe la Música Extrema, es la puta realidad. Pero no es la realidad ligada al Punk. También hay grups que, explorando todas las cualidades y sentimientos que convierten al Punk en algo único, se alejan del ruido y la ferocidad sonora para hacer gala de otras virtudes, introduciendo dentro del género elementos que no hacen más enriquecerlo. En el caso de Social Distortion, ese elemento se Country, o Folk, como gusten en llamarlo. El responsable de esta tan genial mezcla se llama Mike Ness, un duro de aquellos. Un duro con corazón sensible, en el fondo, pues Ness no se guarda nada a la hora de contarnos sus historias de perdedores encantadores. Sí, aquellos malandras que pasan de tener un puñal en las manos, dispuestos a tomar la vida de quien se interponga, a estar encerrados en una habitación, con el corazón roto y las lágrimas brotando como de una fuente. Un tipo que sabe lo que es la calle, que sabe lo que es la cárcel (Social D se separaron en 1985, por un breve tiempo, debido a que Ness fue encerrado por sus abusos con las drogas), que sabe lo que es perder a sus seres queridos. Un tipo que sabe lo que es no tener un puto mango para comer, que sabe lo que es ser un perdedor que anda por la vida viendo como ésta le sonríe siempre a los mismos hijos de puta. Ness es esa clase de duro, y se enorgullece de serlo. Y lo muestra abiertamente en su música. Afortunadamente, Ness encontró la música como vía de escape y expresión de todo lo que sucedía en su vida, de lo que veía, de todo lo que pasaba a su alrededor y que, de una manera u otra, lo afectaba. El Punk fue ese vehículo, y, en un principio, lo hizo dentro de los parámetros que imperaban a finales de los 70s y principios de los 80s en USA, con The Ramones como principal influencia. Pero pronto los Social D, y Mike en particular, encontraron una veta, una influencia que, al combinarla con el Punk de aquellos años, le daría a SD ese toque tan particular que hizo de la banda algo único. Tomaron cosas del Country más contestatario, más combativo, el de Hank Williams, el de Woody Guthrie, el del gran Johnny Cash, cuyo espíritu rebelde es exactamente el mismo que el del Punk, y mezclaron ambos estilos, obteniendo como resultado algo absolutamene incomparable. Entre el enojo y la melancolía, SD se perfilaron como un grupo con personalidad propia, con estilo propio, y crecieron hasta convertirse en una institución dentro del género. De hecho, creo que fueron un poco más allá aun, hasta llegar a ser una entidad que trascendió al Punk, ganándose el cariño de los amantes del Rockabilly (la fijación de Ness con ciertos aspectos estéticos y musicales de los 50s es innegable), del Country más duro y de los amantes del buen Rock en general.
Pero lo más importante en SD no es la cantidad de fans que ganaron en su extensa historia, ni el reconocimiento ni nada por el estilo. Lo importante es todo lo que transmiten a través de sus obras. Lo importante es como emocionan, como te hacen poner los sentimientos a flor de piel. Lo importante es como pegan en lo más hondo del corazón del oyente. Eso es algo que sólo los grandes pueden lograr. Eso y sobreponerse a la muerte de un miembro legendario, tal es el caso de Dennis Danell, guitarrista histórico del grupo y amigo personal de Ness. Pero a Social Distortion esas experiencias no los debilitan: los fortalecen. En particular a Mike Ness, quien parece volverse más fuerte y más sabio ante cada adversidad.
Como dije antes, sólo los grandes pueden lograr lo que SD han logrado.
Influenciados por: The Ramones, The Clash, Hank Williams, Woody Guthrie, Johnny Cash, Gene Vincent, Eddie Cochran, New York Dolls.
Líricas: Corazones rotos, dolor, la vida en las calles, las injusticias, la pobreza, la muerte, traiciones. Discografía esencial: Mommy´s Little Monster (1983); Idem (1988); White Light, White Heat, White Trash (1996).
También escuchar: Mike Ness: Cheating At Solitaire (1999); Hank III: Hillbilly Joker (2011); Reverend Horton Heat: The Full-Custom Gospel Sound Of...(1993); Supersuckers: The Evil Powers Of Rock & Roll (1999).
Influenciados por: The Ramones, The Clash, Hank Williams, Woody Guthrie, Johnny Cash, Gene Vincent, Eddie Cochran, New York Dolls.
Líricas: Corazones rotos, dolor, la vida en las calles, las injusticias, la pobreza, la muerte, traiciones. Discografía esencial: Mommy´s Little Monster (1983); Idem (1988); White Light, White Heat, White Trash (1996).
También escuchar: Mike Ness: Cheating At Solitaire (1999); Hank III: Hillbilly Joker (2011); Reverend Horton Heat: The Full-Custom Gospel Sound Of...(1993); Supersuckers: The Evil Powers Of Rock & Roll (1999).
The Toy Dolls:
Origen: Sunderland, Inglaterra. 1979/presente.
Ok, todos lo sabemos. El Punk encuentra su combustible en la
rabia. Esa es la esencia del Punk, eso es lo que impulsa a la mayoría de las
bandas de Punk. La rabia, la frustración, la injusticia, etc etc. Pero no todo
tiene que ver con el no future ni con
el caos ni la guerra ni tooodo eso. El Punk puede ser irreverente de varias
maneras. Y eso es lo que lo mantiene vivo, vigente y fresco tras más de 30 años
de historia. El Punk puede ser irreverente a través del humor, a través de la
parodia, el sarcasmo. The Toy Dolls son los maestros en el arte de mezclar
humor y Punk, Punk y humor. Muchos han intentado hacerlo, imitarlos incluso.
Casi todos han fallado tristemente (salvo honrosas excepciones). Muchos han
intentado jugar el juego que juegan The Toy Dolls, asumiendo personalidades que
lindan entre lo absurdo, lo grotesco, lo estúpido y la inteligencia más refinada,
todo sin que se les mueva un músculo de la cara a los responsables. O mejor
dicho, AL RESPONSABLE, el señor Michael Algar, cariñosa y mundialmente conocido
como “Olga”. Él, con su voz tan peculiar e hilarante, es el alma del grupo, la
mente de la banda: él es Toy Dolls. Él es quien le dio el toque distintivo al
grupo, con todas sus singularidades puestas al servicio del grupo. Grupo que
nació como cuarteto, con Pete Zulu como cantante, quien fue reemplazado por
Hud, vocalista que abandonó el barco tras una sóla actuación. A partir de ahí,
y con Toy Dolls convertidos en trío, “Olga” puso su peculiar voz al servicio de
tan peculiar grupo, además de su sentido del humor. Y Toy Dolls terminaron
convirtiéndose en lo que todos conocemos hoy: un trío único e irrepetible.
Algo a tener en cuenta es que durante muchos años se los
asoció al movimiento Punk Oi! gracias a poseer ciertos elementos musicales
propios de este estilo (especialmente los coros), pero también, gracias a la
relación con Gary Bushell, un tipo muy ligado a un ícono del Oi! como Angelic
Upstarts. Esto les valió ser tildados de nazis o racistas en varias ocasiones,
algo que “Olga” desmintió tantas veces cuantas fueran necesarias. Esta relación
con ese movimiento provocó que varios Skinheads de ultraderecha se hicieran
presentes en los conciertos de Toy Dolls, algo que ya le había sucedido a Sham
69. En definitiva, si Toy Dolls son racistas o no, creo que es algo improbable.
Lo que conocemos es su música y, especialmente, su humor. Ese humor que los
convirtió en la banda más hilarante y divertida que jamás haya existido en el
mundo del Punk Rock. Y, como no, por su música, tocada con maestría, alejada de
la rudeza clásica del género (Michael es un gran guitarrista. De hecho, da
clases de guitarra), y llena de melodías Pop fiesteras y arreglos que pueden
resultar demasiado intrincados para el Punk rocker que sólo asimila canciones
de 3 tonos al estilo GG Allin. The Toy Dolls están lejos de todos esos
parámetros desde hace muchos años. El mismo tiempo que llevan diferenciándose
de todas las bandas del género.
Influenciados por: The Ramones, The Clash, Angelic Upstarts, The
Monty Python, Sweet, Spinal Tap.
Líricas: Humor,
humor y más humor.
Discografía esencial: Dig
That Groove Baby (1983); A Far Out Disc (1985); Bare Faced Cheek (1987).
También
escuchar: The Notsensibles: I´m in Love With Margaret Tatcher (1979); Siniestro
Total: ¿Cuando Se Come Aquí? (1982); Me First & The Gimme Gimmes: Have a
Ball (1997); Superuva: Un Poco de Lío (1995). 
The Cramps:
Origen: Sacramento,
USA. 1976/2009?
Hablar de Punk es hablar, básicamente, de una actitud en
particular. Y si hablamos de actitud Punk, entonces no podemos obviar a The
Cramps. Muchos utlizan etiquetas como Psychobilly o Rockabilly para
clasificarlos, y no está mal que así sea. Pero lo concreto es que, en casi
todos los aspectos, The Cramps fueron, son y serán, un grupo de Punk. Un grupo
de Pukn irreverente, salvaje, delirante, desenfadado y ruidoso, con raíces en
lo mejor y más oscuro del Rockabilly de los 50s y 60s, con un gustito a Surf
onda The Trashmen que les queda de maravillas (de hecho, The Cramps hicieron
una psicótica versión del clásico de The Trashmen Surfin´ Bird, también versionado por The Ramones). A partir de ahí
sí podemos hablar de Rockabilly o Psychobilly, término éste último que está íntimamente ligado a Lux Interior y Poison Ivy con justa razón, pues ellos
hicieron del Rockabilly algo retorcido, psicodélico y poco digerible para los
oídos acostumbrados a las canciones afables y de espíritu acartonado. Y
justamente, la razón por la cual el Rockabilly se transformó en Psychobilly en
manos de The Cramps, fue por el componente Punk que les dio un toque distintivo
ya desde la mismísima presencia de un grupo como no hay, ni hubo (y no sé si habrá)
dos. Los responsables de esto fueron los entrañables Lux Interior (voz) y
Poison Ivy (guitarra), quienes, además de ser eternos compañeros de banda,
fueron pareja durante décadas, hasta la triste desaparición de Lux en 2009.
Ellos dos, quienes se conocieron en la Universidad de Sacramento (en donde cursaban
juntos en un curso de nombre muy peculiar: Arte y Chamanismo) amaban las mismas
cosas: el Rockabilly y el Rock de Garage de los 50s/60s, el Sadomasoquismo, el
Glamour de Las Vegas, el Cine Clase B, las revistas dedicadas a este tipo de
Cine, las Pin-Ups y un sentido del humor tan delirante como ellos mismos.
Poison se hizo cargo de una guitarra rebosante en Fuzz, y Lux comenzó a cantar
de una manera única, jugando con las inflexiones vocales de un Elvis o la
agresividad de un Gene Vincent, pero llevando esos estilos a un nuevo nivel de
locura y descontrol, con lo cual se transformó en un cantante incomparable. A
su lado estuvieron un montón de músicos con su misma locura, yendo y viniendo
en los roles de guitarrista y baterista (The Cramps casi que no usaban bajista,
otra de sus singularidades), entre los cuales podemos destacar a miembros
memorables como Brian Gregory (guitarra), Nick Knox (batería), Candy Del Mar
(bajo) y otra bajista de lujo: Sean Yseult (sí, la ex bajista de White Zombie).
Cada uno supo aportarle al grupo el toque de demencia, frescura y sensualidad
que ya de por sí The Cramps tenían, gracias a las personalidades de sus dos
líderes. Líderes que se convirtieron en íconos para toda una generación de
enajenados que hicieron del Cine Clase B, las guitarras con Fuzz y el look
entre Sado y Cine de Horror de bajo presupuesto un culto. Pero nada de eso
hubiera sido posible sin The Cramps. Toda esa horda de chiflados no hubieran
tenido un faro que lo ilumine, que los guíe, de no ser porque Lux y Poison
tomaron la decisión (decisión que siempre vamos a agradecer) de crear The
Cramps.
Lamentablemente, el enorme Lux Interior nos dejó en el 2009,
más precisamente un 4 de febrero. A partir de su muerte, la imagen y todo lo
hecho por la banda se agigantó hasta lo impensado. Siempre sucede lo mismo:
mientras estás vivo y revolucionas todo con tu originalidad, los que te dan
bola son siempre los mismos. Cuando morís, de golpe aparecen miles de fans que
te hacen pensar “¿y éstos en dónde estuvieron todo este tiempo?”. Ya no importa
eso, no tiene ninguna trascendencia. Lo que sí tiene trascendencia hasta el día
de hoy es la obra de The Cramps. Eso está fuera de discusión, e incluso, fuera
de tiempo y lugar: The Cramps ya superaron la barrera del tiempo y el espacio.
Influenciados por: Screamin´ Jay Hawkins, The Trashmen, Gene Vincent,
Buddy Holly, Eddie Cochran, Big Bopper, Elvis Presley, New York Dolls, The
Rocky Horror Picture Show
Líricas: Locura,
sexo, sadomasoquismo, historias de Horro y Ciencia Ficción Clase B, Monstruos.
Discografía esencial: Songs The
Lord Taught Us (1980); Off The Bone (1983); Bad Music For Bad People (1983).
También
escuchar: Cult Of The Psychic Fetus: Orgy Of The Dead (1999); Demented Are Go: Go
Go Demented! (1990); Tiger Army: Idem (1999); The Twistin´ Tarantulas: Attack
Of...(1999).
Agent Orange:
Origen: Orange
County, California, USA. 1979/presente.
En los 90s, con la explosión Punk que comenzó a gestarse a
principios de la década, y que tuvo su pico de popularidad a mediados de la
misma, aparecieron bandas (californianas, la gran mayoría) que mezclaban lo más
fresco y alegre del Punk con sonidos y ritmos provenientes de la Música Surf.La Gran Cosa
Influencias: Radio
Birdman, Dick Dale and His Deltones, The Ramones, Eddie & The Hot Rods, The Clash, MC5, The Damned.
Líricas: La
sociedad, la juventud punk, el Underground, existencialismo, surf, skate.
Discografía esencial: Bloodstain
7” (1979);
Living In Darkness (1981).
También
escuchar: 7 Seconds: Old School (1991); T.S.O.L: Idem (1981); The Offspring: Smash
(1994); NOFX: Punk In Drublic (1994).
The Misfits:
Origen: New Jersey, USA. 1977/1983; 1995/presente.
El Punk nació como un grito de rebeldía, de descontento, de
frustración. Una turba de jóvenes sin futuro, ajenos a mierdas como el Sueño
Americano, el consumismo, las modas y tendencias impuestas a través de los
medios, creadas por empresarios e impuestas por medio de la publicidad y el
bombardeo mediático, con el insano propósito de crear un nuevo orden en donde
todos sean mansos consumidores, obedientes y estúpidos. El Punk (al igual que
el Metal) fue, desde el principio, una reacción en contra de toda esa basura.
Entonces, con la rabia y la desobediencia como raíces culturales/ideológicas,
era de esperarse que en algún momento, lo que el Punk fue en un principio,
fuera reemplazado por otra forma de Punk, más oscuro, agresivo y radical. Más
jodido, violento, acelerado. Se lo llamó Speed Punk, y tuvo, entre otras
bandas, a unos chiflados de New Jersey como abanderados. El grupo contaba con
un líder enigmático y muy creativo llamado Glenn Danzig, quien comandaba el
combo junto al bajista Jerry Only. Inspirados en el cine de horror de bajo
presupuesto, las películas de la
Hammer , revistas como Fangoria y similares, más las tétrica
visión que Danzig tenía/tiene del mundo, el grupo comenzó a sacudir y romper
huesos con su personal manera de entender al Punk. Ese tipo de Punk, luego pasó
a llamarse Hardcore. The Misfits, junto a glorias como Black Flag, Circle Jerks
o Bad Brains (entre otros) sentaron las bases del género. Pero ninguno siguió
el rumbo de los liderados por Danzig, pues ellos fueron incomparables desde el
comienzo. Ya con ese look tan peculiar, entre Punk, gótico, bizarro y
sadomasoquista (luciendo un peinado que con el tiempo se convirtió en el sello
distintivo del grupo: el Devilock),
los de New Jersey se diferenciaron del resto en muchos aspectos. Su sonido,
exagerado y crudo a más no poder, fue evolucionando (y saturándose) hasta
convertirse en una de las cosas más podridas que jamás se hayan escuchado,
siendo inspiración para bandas thrashers, blackers, grinders y demás. Llegando
a grabar, incluso, varios himnos con la guitarra y el bajo desafinados, la
desaforada bola de ruido te pegaba en el pecho, te bajaba los dientes y seguía
su paso. Como corolario, la voz de Danzig, una voz que es lo más similar a un
aullido de lobo que vas a escuchar en tu vida. Y las líricas, tan oscuras como
perversas, dueñas de un sentido del humor macabro, también sirvieron para que
los Dioses absolutos de ese sub-género conocido como Horror Punk se distinguieran de todos y cada uno de sus pares.
Tras 6 años de carrera, The Misfits se separaron. Glenn
Danzig, primero con Samhain, y luego con su grupo Danzig, la rompió. ¿Y The
Misfits? Se reunieron en 1997, sin Glenn y con el mandato absoluto de Jerry
Only. Si bien el primer disco tras el regreso, el ganchero “American Psycho”,
dejó un buen sabor de boca, lo concreto es que Misfits jamás volvieron a ser lo
que fueron. Más inclinados hacia las melodías vocales de corte Pop (algo que
siempre tuvieron, pero que, cuando estuvo Danzig a cargo del micrófono, era un
matiz teñido de negro que contrastaba con la violencia reinante), una onda más
adolescente y menos oscura que en antaño, la banda comenzó a convertirse en una
parodia de sí misma, hasta terminar desdibujándose casi por completo.
Afortunadamente, su pasado es tan glorioso, que impide seguir criticándolos con
dureza. Además, y para finalizar ¿cuántos grupos pueden jactarse de tener un
pasado tan trascendente como el de The Misfits?
Influenciados por: The Ramones, The Doors, Screamin´ Jay Hawkins,
Radio Birdman, Elvis Presley, The Stooges, MC5, The Dead Boys, Gene Vincent.
Líricas: Historias
de horror, películas clase B, críticas contra la sociedad, asesinatos,
monstruos.
Discografía esencial: Walk
Among Us (1982); Earth A.D./Wolfsblood (1983); Legacy Of Brutality (1985).
También
escuchar: Samhain: Initium (1984); The Undead: Act Your Rage! (1989); Balzac: The
Last Man On Earth (1995); Vladimirs: The Late Hours (2011).
Adolescents:
Origen:
California, USA. 1980/1981; 1986/1989; 1994; 2001/presente.
Ya hablamos (escribimos) acerca de Agent Orange, una seminal
banda oriunda de Orange County que trajo nuevas ideas y sonidos al mundo del
Punk. Ahora le toca a un grupo igual de innovador y original, salido del riñón
de Agent Orange. Me refiero a Adolescents, banda fundamental para entender todo
lo concerniente al Hardcore Melódico y al Punk Melódico. No sólo eso, son
fundamentales (junto a los geniales Descendents) en la historia del lado más nerd del Punk. Y es que el Punk no es
sólo GG Allin, Sid Vicious, Darby Crash y similares. También tiene su lado más
intelectual, más sensible y correcto. Pero no por eso vale decir que este tipo
de bandas carezcan de rabia y energía, condimentos esenciales en el Punk. Al
menos en lo referente a Adolescents, la rabia estaba a flor de piel tanto en la
música como en el sonido, y, como no, en las líricas, las cuales servían para
ver el otro lado del Punk; ese lado que los medios no mostraban porque no
vendía. Steve Soto (quien dejó Agent Orange para crear esta banda), instalado
en Fullerton, California, unió fuerzas con Tony Cadena, y entre ambos
reclutaron a los músicos que terminarían dando forma a un grupo que aportó un
toque de melodía e inteligencia distintivo para este tipo de bandas, algo que
se convertiría en el sello de la escena Melódica del Punk/Hardcore. El grupo se
formó en 1980, y a principios del 81 firmó contrato con Frontier records para
grabar su disco debut, el cual fue autotitulado. Para los desprevenidos, cabe
acotar que dicho debut se convirtió, en poco tiempo, en uno de los discos de
Punk californiano mas vendidos, lo que le dio a Adolescents un status que acrecentó sus diferencias con
el costado más destroyer y anárquico
del Punk, especialmente en la faz musical/lírica. No es de extrañar ese éxito,
pues Soto y los suyos tocaron la fibra sensible de un sector de la juventud que
sentía frustración, ira, aburrimiento y desesperanza, pero que no se
identificaba con, por ejemplo, Sid Vicious, ni con las crestas o todo aquello
que siempre ha sido símbolo del Punk más radical y salvaje. Soto y sus compañeros
apuntaron a otro lado, mostraron otra cara del Punk, y se ganaron el cariño y
la fidelidad de los que amaban escuchar Punk, pero no se animaban a entrar en
el círculo por miedo a ser expulsados a los segundos de haber ingresado.
Algo que también merece ser destacado, es que Adolescents
fueron/son una especie de súpergrupo, pues así como Soto surgió de Agent
Orange, otros integrantes vinieron de la primera formación de Social
Distortion, e, incluso, Pat Smear (sí, el de Nirvana/Foo Fighters, quien por aquel
entonces provenía de The Germs) pasó por el grupo. Y ex miembros de
Adolescents, como Rikk Agnew o Casey Royer terminaron pegándola junto a otros
grupos destacables, tal es el caso de Agnew con Christian Death, o Royer
creando otro grupo clásico del Punk melódico: D.I. Y, claro est,a y como suele
suceder con este tipo de bandas, se hartaron de influenciar a otros músicos.
Adolescents, con varias idas y venidas, separaciones y
reuniones, han permanecido activos durante mucho tiempo, a pesar de los impases.
De hecho, siguen juntos hoy en día, y hasta han editado, entre el 2005 y el
2011, dos discos aclamados tanto por fans como por la prensa especializada. Nada nuevo bajo el sol: Adolescents nunca
fallan.
Influenciados por: Agent Orange, Social Distortion, The Ramones,
Circle Jerks, Dead Kennedys, The Beatles, The Kinks, The Clash.
Líricas: Sentimientos,
adolescencia, existencialismo, humor, amor.
Discografía esencial: Idem
(1981); Brats In Battalions (1987); The OC Confidential (2005).
También
escuchar: Descendents: Milo Goes To College (1982); All: Allroy Sez...(1988);
Hüsker Dü: Zen Arcade (1984); D.I: Horse Bites, Dog Cries (1985).
Plasmatics:
Origen: New York, USA. 1978/1982; 19871988.
Mucho es lo que se habla del Metal Punk, de la unión del
Punk y el Metal, de los grupos que derribaron las (innecesarias) barreras que
dividen/dividían los géneros más calientes
del planeta. Por supuesto, todo tuvo su punto de partida, su origen. Si
hablamos de Metal Punk, tenemos dos puntas bien definidas: por un lado a
Motörhead, metaleros de espíritu Punk que incendiaron el mundo entero con las
viscerales creaciones del gran Lemmy. Y, por otro lado, estuvieron Plasmatics,
banda de origen Punk que, en un punto dado de la historia, comenzó a
incursionar en el terreno del Metal, hasta convertirse en un grupo de Heavy
Metal hecho y derecho. Pero lo que nos
importa aquí y ahora no es su costado Metalero, sino los comienzos del grupo,
signados por la actitud y la
Música de Punk Rock que imperaba por aquel entonces. Claro, era
casi imposible que éstos rebeldes hicieran otra cosa que no sea Punk. Oriundos
de New York, formados a finales de los 70s y teniendo a bandas como The Ramones
y The Dead Boys como inspiración, The Plasmatics se convirtieron rápidamente en
un grupo temido por los moralistas, y amado por los rebeldes. Creados por Rod
Swenson la stripper Wendy O´ Williams, The Plasmatics supieron conjugar las
ideas artísticas de Swenson (muy ligado a movimientos contraculturales como el
Movimiento Anti-arte) y el desenfado y la locura de Wendy (con toda la
desfachatez propia de una stripper), ayudados, claro, por sus compañeros de
banda, quienes no se quedaban atrás a la hora de cometer actos
pseudo-vandálicos de manera artística, con el mero propósito de cagarse en los
íconos de una cultura decadente y manipuladora como lo es la norteamericana.
Así, The Plasmatics rompían televisores en sus shows (usando mazas o lo que
tuvieran a mano), automóviles, guitarras destrozadas utilizando sierras como
instrumento de destrucción, nudismo, Marshalls, y todo lo que se les ocurriera
a ellos, siempre que ese objeto fuera susceptible de ser identificado como ícono
de la cultura a la cual atacaban. Por supuesto, Wendy no se privaba de hacer de
las suyas, en especial escenas de nudismo explícito que la llevaron a
convertirse en La Reina del Shock Rock, amén de su singular
look (todo el grupo tenía una imagen particular, a decir verdad, muy en la
línea Mad Max). Ello les provocó cientos de problemas con la policía. Pero
¿acaso el tener problemas con la policía y/o la justicia no justificaba la idea
que estos rebeldes tenían del sistema norteamericano?
En lo estrictamente musical, The Plasmatics comenzaron
haciendo Punk Rock con un sonido metálico, altamente influenciados por The
Ramones, The Dead Boys (la voz de Williams, en sus primeros años, recuerda
mucho a la de Stiv Bators), UK Subs, The Dictators y MC5. Eso fue en los
comienzos, pues en el año 1981 The Plasmatics editan Beyond The Valley of 1984 en donde la faceta Heavy Metal del grupo
prácticamente se adueña de todo, transformándose el grupo en una banda de Metal
Punk. Posteriormente, con el clásico Coup
d´etat Plasmatics pasan a ser un grupo de Heavy Metal al 100%, más allá de
su típica imagen. Luego WOW comenzaría su carrera solista, apadrinada tanto por
Gene Simmons como por Lemmy, siempre en una veta bien Metalera. En 1987 la
banda se reformaría, ya como Wendy O´ Williams & The Plasmatics, pero las
cosas ya no eran como antaño, a pesar de los coqueteos con el Hardcore, estilo
que, en cierto modo, influenciaron. La banda se separó, y con la separación, y
tras algunos años, se convirtió en un grupo de culto. Algo que sucede
habitualmente es que este tipo de bandas vuelven, con el tiempo, para reclamar
el lugar que dejaron vacante. El suicidio de Williams dejó trunca cualquier
posibilidad de volver a ver a The Plasmatics. Hoy, Plasmatics son venerados
tanto por la ieja guardia como por las nuevas generaciones de Punks, Metaleros,
las Riot Grrrls (¿que hubiese sido de ésta movida de no haber existido Wendy?)
y Metal Punks. Bien ganada tienen la veneración de estas huestes, pues sin
Plasmatics la unión de ambos mundos, tal vez, no hubiese sido posible.
Influenciados por: Motörhead, The Dead Boys, The Dictators, The
Ramones, UK Subs, MC5.
Líricas: Rebelión,
estilo de vida del Rock & Roll, Ciencia Ficción, apocalípsis, excesos,
ideas contraculturales.
Discografía esencial: Butcher
Baby Ep (1980); New Hope For The Wretched (1980).
También
escuchar: L7: Bricks Are Heavy (1992); Bikini Kill: Pussy Whipped (1992);
Lunachicks: Binge & Purge (1992); Vice Squad: No Cause For Concern (1981).
G.G. Allin:
Origen: New Hampshire, USA. 1977/1993.
Creo que no exagero si digo que GG Allin es el hombre
epítome del Punk autodestructivo, decadente e incorrecto hasta la exasperación.
GG llevó el espíritu salvaje de autodestrucción que hizo famoso a tipos como
Iggy Pop, Sid Vicious o Darby Crash a un nuevo nivel, lo transformó en la
herramienta de provocación más extrema que jamás haya existido, hizo de su
actitud un arma de destrucción masiva de moralistas. Incluso, llegó a ser
criticado vehementemente por gente del ámbito Punk, quienes veían en GG un
ícono del costado más negativo del género, ese costado que le hizo ganarse mala
fama en el mundo entero. A GG no le importó una mierda, y se salió con la suya.
O tal vez sí le importaba, y por eso hacía lo que hacía. Y lo que hacía era
irse al carajo constantemente, llevando los límites siempre unos cuantos pasos
más allá, recurriendo al mal gusto y a la violencia con tal de escupir todo su
odio en la cara de un sistema que odiaba, y que, en cierto modo, fue una de las
causas fundamentales de conducta. GG Allin fue, a su vez, esencial para que
toda una horda de amantes de los excesos tomaran sus instrumentos y crearan bandas
duras, rebosantes en mala leche, con un sonido sucio y caótico, una especie de
exageración del Punk de los 70s (del Punk más agresivo de aquella época). Sus
discos estaban mal producidos, sus canciones eran terriblemente simples, pero
adictivas en su sencillez. Musicalmente, tanto GG como sus compañeros de bandas
(sí, en plural, pues GG pasó por varios grupos) siempre se caracterizaron por
sus limitaciones, tanto como instrumentistas como en su faz compositiva. Les
puedo asegurar que les encantaba que las cosas sean así, pues esas limitaciones
no hicieron más que potenciar toda la mugre contenida en todos los aspectos que
conformaban cada una de las obras de Allin y los suyos. Cada show de GG juntos
a sus secuaces era un escándalo; y, en cierto modo, muchos de sus seguidores
concurrían a los antros de mala muerte en donde GG tocaba, justamente para ver
en qué terminaba el “concierto”. Cagaba, meaba, se revolcaba en su propia
mierda y se abalanzaba sobre el público, Rompía cosas y se agarraba a las trompadas
con sus fans. Cantaba desnudo, salvo cuando subía el escenario, vestido con
alguna diminuta prenda que desaparecía a los segundos. GG Allin fue todo eso
que los insanos moralistas pretenden ocultar con sus leyes, reglas y
costumbres. Desagradable o no, en su persona se resumían todos los males de una
sociedad enferma, autodestructiva e inmoral. Él, nacido bajo el nombre de Jesus
Christ Allin (paradójico ¿no? Bueno, su padre era un fanático religioso, algo
que termina por explicar muchas cosas), asumió en cuerpo y alma todo lo
decadente de la sociedad, y sin hipocresías ni divismos, puso su cuerpo y mente
para enrostrarnos toda la mierda que somos, que consumimos, que vivimos. Puso
el cuerpo y la mente de tal forma, que terminó autodestruyéndose, víctima de
los innumerables excesos en los cuales incurrió. Era cantado que su final iba a
ser por sobredosis, y así fue. En el 1993, y tras haber pasado un tiempo en la
cárcel (fue encerrado por abuso y violación), Allin violó la libertad
condiciona, se fue de gira, y el 8 de junio de 1993, tras un escandaloso
concierto dado en Manhattan, Allin murió de sobredosis. El documental Hated me exime de hacer mayores
comentarios, pues todo lo sucedido ese día (salvo su muerte) está documentado
en esa joya de documental. Ese día se terminaron los excesos, las agresiones,
el caos. Pero nació la leyenda. Leyenda que hoy recorre el mundo entero y
genera la admiración de muchos, pero que sigue generando asco y repulsión en
mucho otros. GG Allin, el del sobrenombre (GG) que nació porque su hermano y
compañero de banda durante tantos años, no sabía decir Jesús Hoy es moneda
corriente encontrarse con homenajes al Gran GG Allin. Me gustaría saber cuantos
le hubieran rendido homenaje en vida.
Influenciado por: The Stooges, Wayne County, Sex Pistols, The Germs,
Plasmatics, Motörhead.
Líricas: Excesos,
odio, misoginia, racismo, asesinato, pedofilia.
Discografía esencial: Dirty
Love Songs (1987); Freaks, Faggots, Drunks & Junkies (1988); Brutality
& Bloodshed For All (1993, con The Murder Junkies).
También
escuchar: Antiseen: Screamin´Bloody Live (2001); Jayne County: Rock & Roll
Resurrection (1980); Eat My Fuk: Wet Slit & a Bottle Of Whiskey (2003); Beautiful
Bert And The Luscious Ones: Idem (2003).
The Dwarves:
Origen:
Illinois, USA. 1983/presente.
Nick Oliveri, ex- bajista de Queens Of The Stone Age y Kyuss
(entre otros), dijo que en los 90s “el Punk no ha muerto. Es sólo que hoy
apesta”, en clara alusión a inmundicias como Blink 1982 y clones, y al
creciente interés que los Green Day mostraban ya por convertirse en una banda
ultra-exitosa. Algo de razón tenía: en esa época, casi todo el Punk apestaba.
Casi, porque en el submundo, el lugar predilecto de los que amamos este tipo de
música llena de rebeldía e inconformismo, había cosas fabulosas y peligrosas,
que algo que el Punk nunca debe perder: su peligrosidad. En ese ámbito se
destacaba un grupo nacido a mediados de los 80s, y que terminó convirtiéndose
–en los 90s- en la banda Punk por excelencia, al punto de ganarse el título de
“Uno de los últimos bastiones de la ideología Punk en los tiempos modernos”. De
hecho, yo me animo a agregar: The Dwarves, hablando de Punk Rock, es LA BANDA , desde 1990 en
adelante. Y lo son porque mantienen viva la llama del costado más puro e
irreverente del Punk, ese que provoca y sacude los cimientos de ese apestoso
mundillo llamado Moral. Lo son porque no tienen miedo a nada, se atreven a
todo, y juegan siempre al borde del abismo, dispuestos a morir en el intento.
Lo son porque se cagan en todo y en todos, y no temen cometer actos de
automutilación, excesos varios (sobre todo con alcohol y estupefacientes),
hacer del sexo más descarado un estandarte, y escupir en la cara de los pacatos
todos los insultos habidos y por haber sin que les ruborice el rostro a ninguno
de ellos. Eso, señores, cuando es autentico, eso es ACTITUD PUNK. Pero como el
Punk es más que sólo actitud, los muchachos de Chicago, nacidos bajo el nombre
de Suburban Nightmare, van por más, y le agregan un estilo musical exlosivo y
peligroso como la banda misma. A mitad de camino entre el sonido de Garage más
gamberro (onda The Sonics, con quienes han sido comparados en varias
ocasiones), el Punk más salvaje de los 70s y momentos en donde la velocidad del
Hardcore dice presente, los Enanos hacen que la música sea el complemente ideal de la actitud subversiva y desafiante que los caracteriza, y viceversa.
Ellos son, junto a grupazos como Zeke, Turbonegro y Supersuckers (entre otros),
quienes mantuvieron encendida la llama del Punk en su estado más puro y
caótico, aun cuando el mundo estaba lleno de niños acomplejados y sufridos que
sólo pretendían convertirse en copias descaradas (y berretas) de Kurt Cobain.
Ellos mandaron a la mierda toda esa pose de sufridos que utilizaban muchos
artistas en los 90s, y se cagaron en la ridícula pose de niños sensibles que no
quieren crecer nunca que tan en boga estuvo en una buena parte de esa
década, y demostraron que el Punk es cosa de gente ruda y desprejuiciada, y no
cosa de estúpidos burgueses que juegan a ser rebeldes, escondidos debajo de sus
exclusivos looks de punkies de centro comercial. Ellos son The Dwarves, y son
una de esas bandas que nunca deben faltar en tu vida.
Influenciados por: The Ramones, The Rezillos, The Dead Boys, The
Sonics, The Rude Kids, The Stooges, MC5, Agent Orange, Poison Idea.
Líricas: Sexo,
drogas, alcohol, peleas, fiestas, caos, humor negro, odio.
Discografía esencial: Toolin´ For a Warm Teabag (1988); Blood, Guts
& Pussy (1990); Thank Heaven For Little Girls (1991)
También
escuchar: Rezillos: Can´t Stand The Rezillos (1978); New Bomb Turks: Information
Highway Revisited (1994); The Vandals: Fear Of a Punk Planet (1991); Candy
Snatchers: Idem (1996).
Die Toten Hosen:
Origen: Düsseldorf,
Alemania. 1982/presente.
En la actualidad, los Die Toten Hosen son tildados de
vendidos por las huestes más radicales del Punk. Nada novedoso si tenemos en
cuenta que el término vendido siempre
fue parte del vocabulario punkie. Y
menos extraño resulta si tenemos en cuenta que los Hosen son un grupo afamado y
exitoso, vendiendo sólo en Alemania más de 23 millones de discos. Esto es lo
que los punks más radicales y combativos ven con malos ojos, no caben dudas.
Pues, si hablamos de lo estrictamente musical, poco y nada hay para objetarle a
Campino y sus muchachos. De hecho, y aun a pesar de los millones de discos
vendidos, los DTH siempre han tenido una visión bastante ácida y crítica del
mundo en el cual vivimos. Es decir, si nos atenemos a la faz lírica, los
germanos nunca se aburguesaron, aunque a muchos les cueste asumirlo. Además
pusieron a Alemania en el mapa del Punk mundial, hicieron que Alemania sea
parte del mundo del Punk Rock. Si bien hubo (y hay) otros grupos importantes en
la historia del punk germano, los Hosen son la banda más representativa de
dicha escena, y, por ende, es inevitable hablar de Punk teutón sin nombrarlos.
Sus melodías tan pegadizas y la energía que transmiten en sus canciones, sumado
a la fuerza demoledora que la banda despliega en vivo, son las armas más poderosas
que el grupo tiene para justificar su éxito. En especial las melodías, que van
desde lo melancólico a las melodías punks de bandas como The Boys o The Clash
(esa etapa del punk británico marcó a fuego a la banda de Campino), más un aire
fiestero que calza como guante dentro del contexto en el cual está inmerso el
grupo, sumado al buen gusto que exhiben sus guitarristas tanto en los punteos
como en los riffs, y la firmeza de la base rítmica, hacen de DTH un grupo
admirable y querible. Queribles porque sus shows son pura garra, entrega,
fiesta, pasión y compromiso con el público, un público incondicional que recibe
una respuesta incindicional por parte del grupo. Queribles porque nunca negaron
sus raíces, demostrando ser humildes estando en la cima, algo que muchos no han
podido manejar. Queribles porque Campino nunca dejó de ser él, algo que queda
en claro cada vez que el blondo cantante pone un pie sobre un escenario. Y
queribles porque su música despierta ese espíritu adolescente que todos los
punks tenemos dentro nuestro, algo que siempre va a estar ligado al movimiento.
En resumen, que vendan millones de discos no influye en la
esencia de un grupo que atrajo a miles de jóvenes que luego, a través de los
Hosen, descubrieron la música de Punk Rock.
Influenciados por: The Clash, The Ramones, The Adverts, The Boys,
Buzzcocks, The Damned, UK Subs.
Líricas: Críticas
a la sociedad de consumo, rebeldía, violencia, humor, la fama, orgullo Punk.
Discografía esencial: Ein
Kleines Bisschen Horrorschau (1988); Learning English Lesson 1 (1991); Opium
Fürs Volk (1996).
También
escuchar: The Adverts: Gary Gilmore´s Eyes / Bored Teenagers (1977); The Boys:
Alternative Chartbusters (1978); Broilers: Vanitas Recordings (2007); Die
Ärzte: Idem (1986).
Turbonegro:
Origen: Oslo,
Noruega. 1989/1998; 2002/2010; 2011/presente.
Si digo “Noruega en los 90s”, lo primero que la mayoría
pensaría es “Black Metal”. Es lógico que así sea, pues el Metal Negro fue el
Rey absoluto en la Noruega
de los 90s. Pero no sólo Black había en Noruega en aquella década. También se
destacó un grupo que, si bien tenía alguna conexión –lejana- con el Black, no
encajaba dentro de esa categoría. Se trata de Turbonegro, el grupo creado por
Thomas Seltzer, alias Happy Tom, quien tras unos cuantos cambios de formación,
logró que Turbonegro se convirtiera en una verdadera aplanadora rocker. Fue con
el ingreso de Hans Von Helvete en la voz que Turbonegro dio en el clavo, sumado
al ingreso de Euroboy en guitarras en el 96, que Turbonegro pasó de ser una banda
salvaje y prometedora, a convertirse en un grupo admirado y respetado por todos
los amantes del Punk y del Rock más duro en general. Pero ahí fue cuando dieron
el salto; la cosa comenzó antes. Más precisamente en 1989, cuando el grupo
formado por fans de Ramones, los seminales The Rude Kids (banda escandinava
precursora del Punk en la región), The Stooges, Venom y Motörhead se juntaron a
hacer ruido a diestra y siniestra. Poco a poco fueron evolucionado, buscando su
propia identidad. Y la encontraron con el correr de los años, tocando
incansablemente, grabando cds, Eps, singles y ensayando hasta no dar más. Y,
sí, probando con miembros que iban y venían, hasta que Happy Tom encontró a los
secuaces ideales para dar forma a lo que hoy todos conocemos: un combo
arrollador, de actitud 100% Punk, pero con enlaces inocultables con el Glam del
viejo Alice Cooper, cosas del primer Kiss, arrogancia, humor ultra-sanguinario,
excesos a más no poder y un desparpajo que contrastaba con la actitud de las
bandas de Grunge que reinaban en los 90s. A nivel sonoro mezclaron todo lo
antes citado, con el incendiario sonido de guitarras de bandas como Venom o
Poison Idea, algo atípico para esa época, dando vida a un subgénero hoy
conocido como DeathPunk. Ya con el demoledor Ass Cobra editado en 1996,
Turbonegro (también conocidos como Turbongr) se mostraban como un grupo
peligroso y caliente, llenos de furia y energía, y completamente ensimismados
en lo suyo, abstraídos de todas las tendencias imperantes, y dispuestos a crear
SU tendencia. De paso, traerían de regreso los sonidos de Garage y Punk
provenientes de la
Escandinavia de finales de los 70s/principios de los 80s, y
pondrían de vuelta en la palestra a las bandas australianas que estaban en la
misma tendencia, sin olvidarnos de la Alice
Cooper
Hoy, tras otra separación, y tras la ida de Hank Von Helvete
–decidido a estar completamente sobrio de una buena vez- Turbonegro se
mantienen vivos como lo que son: una leyenda viviente que se mantiene gracias a
su irreverente actitud, y, claro está, gracias a los misiles disparados en los
90s.
Influenciados por: The Ramones, The Rude Kids, Venom, Alice Cooper,
Kiss, The Stooges, Radio Birdman, The Nomads, Motörhead, Forgotten Rebels.
Líricas: Excesos,
sexo, violencia, muerte, humor, locura.
Discografía
esencial: Ass Cobra (1996);
Apocalypse Dudes (1997).
También
escuchar: The Rude Kids: Safe Society (1979); The Hellacopters: Supershitty To The
Max (1996); Backyard Babies: Total 13 (1998); Super$hit 666: Idem (1999).
Nirvana:
Origen:
Aberdeen, Washinton, USA. 1987/1994.
Habitualmente, cuando se habla del revival Punk de los 90s,
se tiende a “comenzar” la historia a partir del suceso de bandas como Green
Day, Offspring y Rancid en MTV. Sinceramente, no estoy de acuerdo. A mi
entender, la banda que dio el puntapié inicial a toda la locura Punk que se
vivió en los 90s, fue Nirvana. No sólo yo pienso así: Henry Rollins considera
que Cobain y los suyos llevaron adelante la última revolución Punk; última
hasta la fecha, al menos. Y es Cobain y los suyos trajeron de vuelta a la
escena sonidos y actitudes que se habían olvidado detrás del brillo, los
excesos y la arrogancia de los glamsters californianos que coparon la escena
durante casi toda la década del 80. Los 80s fueron dominados por el Metal,
salvo los primeros años de la década, cuando el Hardcore explotó con su fuerza
devastadora. Luego, todo fue del Metal. El DIY, la actitud rebelde, nihilista e
independiente. Esa cosa de tocar sin importar cuan bueno seas con tu
instrumento; sólo preocuparse por saber lo justo y lo necesario como para poder
tocar la música que sentís. Nada de glamour, nada codicia, ni soñar con éxito,
fortuna y mujeres fáciles y coches veloces. De vuelta al garage, de vuelta a la
esencia del Punk. Nirvana trajo todo eso. Sí, fueron los adalides del Grunge.
Pero, no seamos ilusos: fueron los punkies dentro del Grunge. Mientras bandas
que bandas como Soundgarden, Pearl Jam, Alice In Chains y Screaming Trees se
apoyaban en estructuras y sonidos más propios de los 70s, Nirvana y Mudhoney
tenían sus raíces en otro submundo: The Stooges, el Punk del 77, el fuzz a
tope, canciones sencillas pero rabiosas. Palo y a la bolsa, Punk Rock. De
hecho, Nirvana tenían lazos inocultables con la movida Hardcore/Punk de
Washinton DC, algo que salía a la luz en muchos aspectos. Aparte ¿quién puede
negar que Cobain, tanto como instrumentista como en su actitud (sobre el
escenario y en la vida cotidiana), era un Punk de la vieja escuela? Nadie.
Entonces ¿cómo no vamos a incluir a Nirvana en este informe?
Influenciados por: Flipper, Big Black, Minutemen, Husker Dü, Black
Flag, The Beatles, Melvins, Pixies.
Líricas: existencialismo,
odio, amor, surrealismo, depresión, vida/muerte.
Discografía esencial: Bleach
(1989); Nevermind (1991).
También
escuchar: Flipper: Album Generic Flipper (1982); Big Black: Songs About Fucking
(1987); Minutemen: What Makes a Man Starts a Fire?(1982); Fudge Tunnel: Hate
Songs in E Minor (1991).
Refused:
Origen:
Umeå, Suecia. 1991/1998; 2012/???
Cada tanto, cada género tiene al menos una banda que aporta
ideas nuevas. Siempre existen esos inadaptados que deciden mandar al carajo la
veneración y la copia a los grandes, y deciden seguir los pasos de los grandes:
hacer la suya sin importarles el qué dirán. Esos son los que trascienden,
porque son los que arriesgan, los que traen nuevas ideas y, por ende, nueva
sangre para que el género se mantenga juvenil y activo. Refused fueron la banda
Punk más revolucionaria de los 90s, y agrego más: son la banda Punk más
revolucionaria de los últimos 20 años. Si bien Turbonegro y The Dwarves han
aportado cosas importantes al Punk, no hicieron mas que mantener viva la llama
de determinado tipo de Punk. Y lo hicieron con grandeza y unos huevos enormes.
Pero Refused no se quedaron con eso y fueron más allá: innovaron. El Punk
necesitaba algo así, sobre todo luego de la empalagosa movida Punk/Pop que MTV
llevó a los hogares del mundo entero. El Punk necesitaba volver a ser
transgresor, irreverente, anticomercial y auténtico. Y para que eso suceda, era
necesario darle unas cuantas bofetadas a todos, músicos, fans y sellos. Y no
hay mejor manera de abofetear a todos que tirarles en sus rostros algo que no
esperan. Refused lo sabían, y lo mejor, sabían cómo hacerlo. Y lo hicieron.
Tomaron cosas del Hardcore más combativo y audaz (bandas como The Nation Of
Ulysses, Born Against y el gran Ian McKaye con cualquiera de sus proyectos me
vienen a la mente), el Punk menos convencional (¿alguien dijo Black Flag?),
Noise con espíritu Punk (Big Black, por ejemplo) y un montón de ideas
revolucionarias que, combinadas con todo lo anterior, tenían que resultar lo
que, en definitiva, terminaron siendo: un patadón bestial en los huevos y
ovarios) de todos los que se habían apoltronado en los confortables sillones de
la complacencia y la repetición. Claro, a todo eso hay que sumarle un
ingrediente indispensable: el enojo. Y Refused estaban realmente enojados.
Tanto como para hacerles temblar el piso a varios supuestos rebeldes que, tras
la aparición de Refused, quedaron expuestos y marcados de por vida como
pseudo-punks. ¿Responsables de tan emocionante aparición? Dennis Lyxzén en voz
(un verdadero cantante de Hardcore Punk, dispuesto a entregar hasta el último suspiro
en cada grito/entonación), David Sandström en batería, Kristofer Steen
(guitarras. Entró recién en 1994), Jon Brännström (guitarras. Idem Steen) y
Magnus Flagge en bajo y cello (éste último tuvo unos cuantos reemplazantes
temporales). Ellos tomaron la decisión no sólo de hacer temblar el mundo.
También consideraron necesario crea un álbum seminal, inolvidable: The Shape Of Punk To Come, un disco
revolucionario y renovador ya desde su mismo título. Un disco que en el 2003
fue elegido por la revista Kerrang! Como uno de los 50 discos más influyentes
de todos los tiempos, ocupando el número 13 en dicha lista. Y algo de cierto
hay, pues tras la edición de esa gema preciosa, no pocos grupos se lanzaron
desbocados a recorrer el camino abierto por estos vanguardistas.
Lamentablemente, Refused no duró todo lo que hubiésemos querido que duren. Es comprensible, pues crear algo tan emocional y devastador
tiene sus consecuencias. Más allá del regreso en el 2012, que consistió en unas
cuantas –inolvidables- actuaciones, Refused habían decidido que no se podía
llegar más lejos. Y si no se puede ir más lejos, si el camino comienza a
cerrarse ¿para qué seguir? ¿para convertirse en una sombra, en una parodia de
lo que se fue? Ellos, tan inteligentes y jugados como siempre, decidieron que,
tras llegar a la cima, lo mejor es mantenerse. Y si no hay material que permita
mantenerse, entonces lo mejor es separarse. Con la separación vino la adoración
postmortem, y, como no, ya nadie puedo bajarlos de la cima. Además ¿quién carajo
está en condiciones de bajarlos del lugar al cual pertenecen?
Influenciados por: Minor Threat, Bad Brains, Black Flag, The Nation
Of Ulysses, Big Black, Born Against, Killdozer, The Melvins.
Líricas: Anti-capitalismo,
ideas de Izquierda, rebelión, existencialismo, odio, decadencia.
Discografía esencial: Songs
To Fan The Flame Of Discontent (1996); The Shape Of Punk To Come: A Chimerical
Bombination in 12 Bursts (1996).
También
escuchar: The Nation Of Ulysses: Idem (1990); Born Against: Nine Patriotic Hymns
For Children (1991); Trash Talk: Idem (2008); Snapcase: End Transmission
(2002).
Origen:
Salvatierra, País Vasco. 1979/2003.
¿Cuántas bandas pueden jactarse de ir al frente de manera
tan valiente como lo hicieron Evaristo y los suyos durante 24 años? Cuántos
pueden afirmar que sus líricas no son sólo palabras, sino verdaderas
declaraciones de principios, coherentes con lo que uno es en la vida? Como La Polla RecordsLa Polla a secas a partir de
1995), pocos hubo, y pocos habrá. Y es que estos vascos nacidos como banda en
la provincia de Álava salieron al mundo decididos a no guardarse nada, a ser
una banda Punk con todas las letras, sin importarles una mierda ni el Qué
Dirán, ni las modas, ni el éxito ni nada: ellos fueron lo que quisieron ser, y
lo hicieron manteniéndose siempre vigentes y siempre fieles a sus principios. Y
siempre fueron auténticos Punks. Con ver el nombre ya alcanza para darse cuenta
de que la actitud del grupo iba de beligerante y contestataria, además de no tener
ningún problema a la hora de chocar contra los moralistas y fanáticos
totalitarios que se creen dueños de la verdad. La Polla Records
Por supuesto, en soledad nada se logra. Por eso hay que
nombrar a Sumé, el eterno guitarrista de la Polla , desde el comienzo hasta el final de la
historia, y creador de melodías, riffs y punteos que se convirtieron en himnos
de los anarko punks y de miles de jóvenes que, sin ser parte del movimiento,
estaban enojados y frustrados. Y no nos olvidemos de Fernandito, el histórico
baterista que ayudó a comenzar esta historia, pero que no pudo ver el final de
la misma por culpa de un ataque cardíaco que terminó con su vida en el 2002.
Por aquel entonces, la banda decidió suspender todas sus actividades por un
tiempo. Posteriormente, Tripi se hizo cargo de la batería, y con él grabaron su
último disco, casualmente titulado “El ültimo (el) De La Polla ”. Y llegó el fin. Pero
el fin no supuso la llegada de la oscuridad y el inmediato olvido: olvidarlos
es imposible. Su legado es demasiado grande como para que el olvide pose su
ignominioso manto sobre ellos. Y, además, sus canciones, su actitud, su lealtad
a sus convicciones, hacen de La
Polla una banda esencial en la historia del Punk, ya no a
nivel hispano-parlante, sino a nivel mundial. ¿Volverán a sacudirnos algún
día? Ojala, pues sería un sueño hecho realidad.
Influenciados por: The Clash, Sex Pistols, UK Subs, The Damned, MC5,
Los Saicos.
Líricas: Antifascismo,
capitalismo, política, religión, consumismo, modas, existencialismo.
Discografía
esencial: Salve (1984); No Somos
Nada (1987); Ellos Dicen Mierda, Nosotros Amén (1990).
También
escuchar: Gatillazo: Sex Pastels (2008); MCD: Jódete (1988);
Eskorbuto: Eskizofrenia (1984); Piperrak: Arde Ribera (1994).
Los Violadores:
Origen: Buenos
Aires, Argentina. 1980/1992; 1995/2011.
Pedro Braun, según cuenta la historia (y sus detractores)
tenía dinero. Dinero y parientes en Polonia. Eso le posibilitaba viajar a
Europa y vacacionar en Polonia, además de recorrer países como Inglaterra. En
uno de esos viajes, pasó por Londres y se encontró con el boom del ´77: el Punk
Rock. Allí compró discos de bandas que en Argentina no se conocían. Sex
Pistols, The Ramones, The Clash, The Damned, The Jam, entre otros, fueron las
bandas que Pedro importó desde Gran Bretaña. Al poco tiempo formó una banda
seminal en la historia del Punk hecho aquí: Los Testículos. Esa banda derivó en
Los Violadores y Pedro cambió su nombre por el de Hari B. Hasta donde se sabe,
Hari B hizo eso y poco más. La posta es Violadores llegaron a ser lo que
son/fueron gracias a dos genios que se tomaron en serio esto de ser Punk. Me
refiero a Pil Trafa y Stuka. Este último comenzó como bajista, pero sus dotes
como guitarrista hicieron que pronto se hiciera cargo de las cuerdas. Ellos
(siempre bien acompañados, claro) le dieron forma definitiva a un grupo que
trascendió las fronteras de nuestro país, al punto de haber sido homenajeados
por Die Toten Hosen. Ellos dos le pusieron el alma a un grupo germinal que de
por sí tenía motivos para sobresalir. Pero sin ellos 2, la historia
posiblemente hubiera quedado trunca. La mente y el lápiz de Pil Trafa, lúcido,
hiriente, fino y agresivo al mismo tiempo, hicieron que las letras de Violadores
se convirtieran en himnos y no sólo en canciones. Sus palabras escupían
inteligencia, pero una inteligencia llena de sarcasmo y bronca. Y lo mejor es
usó tales armas en un momento realmente complicado en la historia argentina:
durante la última dictadura militar. Sí, además de ser un tipo inteligente,
siempre tuvo unos huevos enormes. Y, por el otro lado, Stuka, aportando
melodías, riffs y punteos inolvidables (fue bajista y cantante original del
grupo). Sus creaciones supieron combinar toda la agresividad del Punk (Viejos Patéticos es u muy buen ejemplo
de la agresividad en Violadores), con esa sensación de desapego por laos moldes
estrechos que tan bien quedaba en The Clash, más coqueteos con el Dark
(especialmente en el sonido que la guitarra usaba ocasionalmente) y, en los
años posteriores, ciertos toques de Hard Rock muy bien puestos. Ellos dos
fueron la razón de ser de Los Violadores. Ok, el Polaco Zelazeck también fue
importante. Sergio Gramática también, cómo no. Y, por supuesto, Hari B, el padre
de la criatura, aunque haya sido blanco de críticas corrosivas, acusado de ser
un niño rico y caprichoso que jugaba a ser un Punk duro y rebelde (Sumo, la
genial banda de Luca Prodan, le supo dedicar unos parrafos a Hari B en su
clásico “Viejos Vinagres”).
Más allá de los nombres, Los Violadores abrieron hicieron
Punk en un instante peligroso, cuando animarse a hacer y decir lo que ellos
hicieron y dijeron, podía haberles costado las vidas. Y, además, grabaron
discos inolvidables, compusieron canciones que se convirtieron en himnos para
los punkies latinoamericanos. De paso, el mundo supo que acá, en Latinoamérica,
se hacía (se hace) Punk del bueno. No fueron los únicos, claro. Pero fueron los
más importantes, sobre todo en el ámbito nacional, en donde, lisa y llanamente,
el Punk no hubiera sido lo que es sin Los Violadores como actores principales.
Influenciados por: The Clash, UK Subs, The Damned, Sex Pistols, The
Jam, The Ramones.
Líricas: Represión
de Estado, sociedad, política, guerra, mentiras, los medios,
emociones/entimientos, rebeldía.
Discografía
esencial: Los Violadores (1983);
Y Ahora qué Pasa, eh? (1985); Fuera De Sektor (1986).
También
escuchar: Flema: Nunca Nos Fuimos (1996); Cadaveres: The Killer
Box (1995); Invasión ´88 – Art. Varios
(1988); Mentes Abiertas – Art. Varios (1992).
3 comentarios:
Pedazo de documento que te has currado.
Hoy no me ha dado tiempo a leerlo entero, mañana lo acabo.
Precisamente hoy me hacía unas listas de punk old school en la que aparecían varios de tu entrada.
Gracias. Brutal.
Primero que nada, gracias por tus elogios. Por otro lado, tomatelo con calma, pues nos vamos de vacaciones. Así que esto es lo último que postearemos en unos cuantos días, y como esto es bien largo jajaja. Un abrazo
MANEL, HOY ESTUVE RELEYENDO ESTE TREMENDO INFORME QUE TE MANDASTE Y NO QUERÍA DEJAR PASAR MIS FELICITACIONES... LO ÚNICO QUE LE FALTA PARA UN 11, SERÍA QUE HUBIESE ESTADO THE BOYS, PERO BUEH, YA ES SOLO UNA SUBJETIVIDAD ABSOLUTAMENTE HINCHA PELOTAS, JE ! MARIO B.
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